No es difícil de describir, pues, la manoseada decoración pretendidamente oldie, la iluminación oscura a juego con la madera que cubre cualquier superficie donde poses la vista, el ambiente bullicioso que como en cualquier otro bar disfruta con un subconjunto de los grandes éxitos de KISS FM y los tiradores de Foster’s, Guinness y alguna otra marca de cerveza genérica.

Pues no, el Irlandés que se sitúa en calle Acibelas no puede estar mas lejos de todos estos tópicos. El acogedor local -y por acogedor me refiero a pequeño, lo cual le da un encanto especial- esta genuinamente decorado a base de retazos que orbitan entre la cultura celta y el mundo de la cerveza principalmente, aunque con guiños a la cultura popular y cosas tan curiosas como una mesa laboriosamente tallada con motivos celtas y un tablero de ajedrez para echar una partida en la misma.

Si andamos por esta calle lo más normal es que lo pasemos de largo ya que el local es estrecho y alargado, dando la parte estrecha a la vía, donde solo hay la puerta y una ventana que no llaman mucho la atención. Sin embargo, ésto no es impedimento para que noche tras noche se llene de auténticos parroquianos, fieles del lugar que propician un ambiente de camaradería y buenrrollismo singular.

Adeptos que están acostumbrados a la variada música que programa, sesiones de música folk europea, bretona o griega que es un lujo escuchar, por lo menos para salir de la obviedad del resto de los bares.
Aunque no solo la música es seleccionada cuidadosamente, la pantalla suele proyectar ciclos de películas de temática concreta, cortos, o simplemente clásicos como por ejemplo de los monty python, con los que no sería la primera vez que la música se interrumpe para oír esa mítica escena.

Pero lo realmente destacable de este bar es que, como otro ninguno de la ciudad, es una autentico templo de la cerveza. Solo como ejemplo, pese a sus reducidas dimensiones, cuenta con nada menos que 5 grifos de esta bebida. La oferta es completada con una variedad de cervezas en botellin abrumadora, con nada que envidiar a la carta de un bar Bélga y siglos por delante de la oferta de cualquier otra cervecería vallisoletana.
Y no es una mera pose, si no tienes muy claro qué beber -después de consultar la siempre curiosa carta hecha como un collage con las recomendaciones pertinentes del mes- siempre puedes pedir la opinión del experto barman que, siempre de buen humor, te aconsejará que probar según tus gustos, deslumbrandote con sus conocimientos de ésta bebida.

Finalmente este es uno de los bares que tienes que visitar en esta ciudad, seas o no devoto de la cerveza.

Profesor Lahzar nos viene precedida del premio del público y el de la Crítica en el Festival de Locarno, ademas de ser la nominada a los Oscars en representanción de Canadá, lo cual no es nada desdeñable que se justifica con el visionado del filme.

El duro arranque de la pelicula determina el punto dramatico que planea sobre la trama: el suicidio de una de las profesora de colegio en el mismo aula en el que imparte, y el avistamiento de la dura imagen por uno de sus alumnos de diez años establece el tono pesadumbrista general y nos pone en la situación de unos niños que comienzan un proceso de recuperación psicológica y aceptación de la perdida. Aquí entra el personaje principal, un profesor sustituto de origen argelino que se encarga temporalmente de los alumnos de la profesora, del que vamos descubriendo que este inmigrante de mediana edad es realmente un exiliado político y cuenta con su propia carga que superar.

Centrada sobretodo en la figura de este sustituto, la soledad repentina, la aceptación y la relación con unos niños tocados en distinto grado también contiene alguna crítica contra esos padres superprotectores que se inmiscuyen demasiado en la enseñanza de sus hijos y han provocado la implantación de limitaciones casi absurdas a los profesores (como la situación sacada de contexto de un abrazo a un niño).

Todo esto hace que tengamos una película sencilla y bien resuelta, mucho más amable y cándida lo que promete premisa inicial, narrada con el mismo rítmo sosegado y afable que nos transmite la figura principal y sin producir ningun deja-vu con otras cintas, de agradecer ya que el tema está más que explorado, y transmitiendonos una pequeña sensación reconfortante.

Con un montaje a base de flashbacks entre la noche del 6 de mayo de 2007, día en el que se celebró la segunda ronda de las elecciones presidenciales francesas, y momentos de la vida de Sarko a lo largo de cinco años -aunque en campaña presidencial continua- se nos muestra sin ningún tipo de pudor cómo se lanzan sutiles puñaladas entre compañeros de partido que practicamente no se pueden ni ver, se planifica estratégicamente cada movimiento de cartera, declaración en prensa, o se transforma en un circo mediatico el simple hecho de salir a dar una vuelta en bicicleta.

La película transcurre con un rítmo trepidante y ligero mientras nos descubren las dudosas prácticas, trucos y zancadillas mediaticas que llevaron al tremendamente ambicioso Sarkozy desde el Ministerio de Interior, al de Economía y Finanzas, a líder del partido y finalmente al Elíseo. Destacables los brillantes dialogos, cargados de fina ironia y mucha carga entre lineas, que nos dan los momentos más memorables del filme: la relación con sus ‘enemigos’ en el partido Dominique de Villepin y Jacques Chirac -increible actuación y asombroso parecido físico de Bernard Le Coq con el ex-presidente francés-. La tercera pata que articula la película es la distanciación en la relación con su mujer -consejera principal en su campaña- que no aguanta el desgaste y los desplantes del político y termina abandonandole, con las consiguientes consecuencias.

Recomendable para el público general la veremos en salas comerciales no tardando mucho, despues de reventar el box office francés.

Con medianeras hemos visto el inicio de película mas arrollador, absorbente y fresco de toda la seminci, un comienzo vertiginoso que recuerda al multipremiado corto en el que está basado, pero a pesar de los temores que siempre se plantean al ver la adaptación de un corto a su formato mayor, Taretto maneja el ritmo a su gusto y no desgasta las situaciones o el ingenio, brillando especialmente un guión inteligente que roza el monologo con un humor de situaciones absurdas pero extrañamente cercanas.

Javier Drolas y una Pilar López de Ayala con acento argentino (allí estuvo un mes para conseguirlo) encarnan a Martín y Mariana, protagonistas absolutos -y casi únicos- de la película: un par de freaks inmaduros, eternos adolescentes, y abandonados en plena vida adulta que sobrellevan gracias -o a pesar de- sus pequeñas particularidades, en las que es imposible no verse al menos caricaturizado. Una fabula optimista de la soledad en la vida moderna contada a traves de la descripción de las manías, miedos y hábitos de la pareja protagonista en las que vemos una radiografía -como la que ve Martín usando la luz de la pantalla de su ordenador, una gran metafora- de las carencias y particularidades propias de una generación de adultos que creció con internet, teniendo practicamente todo a un click, pero que no es capaz de unir a dos personas con grandes paralelismos en su vida que se hayan en la misma situación de busqueda, se intuyen ‘almas gemelas’ e incluso viven en edificios vecinos -lo que les hace cruzarse habitualmente sin tan siquiera verse-.

Gran pelicula que posiblemente se quede con el premio del publico, como en la Berlinale, pero debía ser reconocida con algo más.

El hombre, interpretado por un siempre solvente Colm Meany, que no ha tenido muy dificil memorizar su guión, inicia unas curiosas amistades con dos jovenes del pueblo que le ayudarán con su ‘adaptación’ mientras van desfilando por pantalla una serie de manidos personajes, con dialogos un tanto previsibles buscando situaciones reiterativas y poco frescas para provocar la risa fácil. Con una premisa central melancolica y un tanto cursi finalmente, la cinta también cuenta con una pizca de suspense que la dota de un ritmo más fluido, aunque no gane muchos enteros con el desenlace.

Comparada con la oscarizada el ‘Discurso del rey’ Moretti parte de una curiosa premisa: que pasaría y si el recién elegido Papa sufriese un repentino ataque de pánico y le fuese imposible presentarse antes los fieles?

Gracias a este punto de partida vemos humanizados personajes que siempre se nos muestran muy distantes, serios y centrados, desde el Papa a los obispos, cardenales, etc,… todos y cuantos estan envueltos en la elección, que aquí vemos como simpaticos viejos dando pie a hilarantes situaciones por lo imaginativo de la propuesta, ¿a quén se le habría ocurrido pensar que entre los obispos/cardenales de los que tiene que salir el nuevo Papa ninguno quisiera la responsabilidad?

Moretti se guarda para él mismo uno de los papeles más interesantes de la pelicula, junto con el genialmente interpretado Papa a cargo de Michel Piccoli, dando vida a la figura de un psicologo llamado para asistir al Papa en este momento tan fragil que queda atrapado en el Vaticano, al impedirle salir al exterior para evitar que se filtre la noticia. Las partes más simpáticas discurren en la relación entre el psicologo y la curia, pero al avanzar la película estos personajes se van convirtiendo en poco más que un grupo de infantes de colegio, dejando pasar la oportunidad de ser algo incisivo con el estamento y explotar un poco más la interesante situación que había creado para contar algo más, perdiendose en sucesos y efectos que buscan la misma gracieta, haciendo que la parte media resulte un tanto pesada y larga.

Destacando el interesante final tenemos una pelicula correcta, amable con el espectador, de las que se ven con una media sonrisa permanente, y de la que nos olvidaremos a las 2 horas.

El 28 de octubre se celebrará en el Auditorio municipal Rocío Jurado de Sevilla (tras el cambio de sede inicial del Estadio Olimpico) la primera edición del Cruzcampus Festival, hecho que confirma que confirma que un recital de varios grupos en el que esten incluidos los madrileños sube a la categoría de festival.

Ademas de Vetusta Morla, que visitarán Sevilla tras su paso por el Territorios para ofrecernos uno de sus explosivos y recomendables conciertos presentación de ‘Mapas’, el festival cuenta con los gallegos Eladio y Los Seres Queridos, la banda local Pen Cap Chew, el productor inglés Nathan Fake defendiendo su electrónica, y un final de fiesta a cargo de DJ Homeboy.

El Cruzcampus Festival, que según la nota de prensa está dirigido a estudiantes y no estudiantes mayores de 18 años, tiene la intención de acoger a 10.000 personas y cuenta con el apoyo la marca de cerveza Cruzcampo, que se une a la linea de patrociciones de cerveza a grandes eventos musicales, y la colaboración del Área de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla.

Las entradas ya estan a la venta a a 16 € la anticipada y 20 en taquilla y se pueden adquirir desde codetickets o directamente la web de Vetusta Morla.

Para los despistados el festival despliega la alfombra roja este sabado 22, y podremos comprar las entradas directamente en las taquillas de las salas, pero no solo eso sino que en cualquier taquilla de un cine que sea de la seminci se podrá adquirir entradas para las sesiones del día de cualquier otro cine y sesión. El horario como siempre irá desde media hora antes de la primera sesión hasta media hora después del inicio de la última.

Abrimos la jornada de conciertos de la tarde en el Multifuncional de Bayas con sorpresa, y es que por un adelanto en el horario para evitar que los retrasos acumulados hiciesen que los últimos conciertos coincidiesen demasiado con el inicio del after solo llegamos a tres temas de los grandes Pony Bravo, otro grupazo programado inexplicablemente para abrir la tarde cuando debía estar ocupando horas centrales. Pero llegamos a tiempo de comprobar que el tiron de la banda consagrada desde el madrileño Día de la Música es envidiable y disfrutar la magnifica ‘Rave de Dios’ y algún otro tema que da cuenta del estado de forma de los sevillanos.

El tinte de color inglés lo dieron en ‘el día de Vetusta’ los Erland and the carnival, grupo que cuenta con las cuerdas de Simon Tong, ex-miembro de The Verve, Blur o The God the Bad and the Queen. El grupo, que contó con un tiempo mayor de concierto que el resto hasta el momento, ofreció un show con altibajos que al final se resintió en duración y termino resultando un poco pesado. La nota negativa se la llevaron sobremanera los poco sutiles teclados que, tratando de sonar como un organo de iglesia, se quedaron en poco más que un molesto y agudo casiotone, tanto que en momentos parecía que -siendo un tanto castizos- se acercaba el afilador con su bicicleta. Pero también vimos muchos brillos, como en el juguete de Theremin que usó el cantante marcando las partes más desenfrenadas, o las canciones más cercanas al spagueti western con sus baterías aceleradas y líneas de bajo trepidantes. Interpretaron de su reciente “Nightingale” destacando temas como ‘Map Of An Englishman’ y ‘East & West’.

Para desengrasar después de los ingleses e irse soltando antes del grupo por el cual se había llenado de gente el Multifuncional la jornada del sabado era la hora de nuestra guilty pleasure de la temporada, la chilena más famosa del verano, español al menos, Javiera Mena. Apareciendo como una diva del electro-pop aparecio sin banda, no como hizo en el madrileño DCode, solo acompañada de un batería, teclista y su capa negra. El porqué nos gusto una cosa tan sencilla y ramplona a primera vista como la música de Javiera es todavía un misterio, pero ayudo la simpleza con la que ejecuta las melodías, como evita que todo esto suene simplemente a un refrito ochentero sin salirse del tiesto y que es asquerosamente adictiva. Entre algún amago de coreografía y golpe de efecto para pobres (nos quitamos la capa en el momento adecuado a falta de otros fuegos artificiales) fue soltando temas muy disfrutables como ‘Primera estrella’ o ‘No te cuesta nada’ de su último Mena pero también repasó temas más antiguos que a base de sintes y teclados fueron componiendo una traca bailable, disfrutable a cualquier hora. El cierre un poco más irregular con la versión del hit ochentero “Yo no te pido la luna”, popularizado en castellano por Daniena Romo.

Los que nos sigais un poco ya sabréis que nunca hemos sido especialmente fans de los chicos de Vetusta Morla. Si, tienen un buen primer disco bueno con algunas grandes canciones y un segundo con menos hits potenciales aunque formando un conjunto más brillante, pero nunca hemos entendido esta absoluta fiebre en masa por los madrileños. Y dicho esto ahora tenemos que remarcar su concierto como de notable alto. Los musicos estuvieron acertados, cada uno a lo suyo eso si y sin sobresalir porque tampoco sus composiciones dan a ello, pero ajustandose perfectamente al papel y agitando con sus movimientos en el escenario al ritmo de la percusión extra. Pero si hablamos de presencia en el escenario e interpretación sobresaliente tenemos que referirnos a la voz cantante, Pucho: bailando como nadie, moviendose y animando continuamente al tiempo que clava las partes vocales más complicadas de su nuevo disco comprobamos que está en un estado de forma envidiable y le da al grupo ese extra que hace que la gente se enamore de su directo. Ya desde el comienzo dieron buena cuenta de lo que planteaban en su directo, abrieron con la apertura de Mapas, ese largo ‘Los días raros’ cuyos teclados iniciales quedaron ahogados con la emoción de la gente y que termino en un extasis colectivo de descarga para el disfrute de todo el auditorio, ya entregado. Lo siguiente fue ya todo rodado, entre las 5 primeras canciones podíamos pensar que ya se habían desembarazado de practicamente todos sus singles, ‘Copenhagen’, ‘Boca en la tierra’, ‘En el rio’,… pero entre singles del ‘Un día en el mundo’ y el buen repaso de ‘Mapas’ en el que no faltaron ‘Cosas Ajenas’, ‘Maldita Dulzura’ y la destacable ‘El hombre del saco’ mantuvieron el ritmo durante toda la sesión firmando un buen concierto que emocionó por supuesto a todo el publico fan y agradó hasta al más exceptico, como es nuestro caso.

Con el subidon de los Vetustos ya sólo nos quedaba quemar la pista y para eso no había grupo más elegante que los españoles que más salidas internacionales acumulan, Delorean. Esta vez sin ningún problema de sonido pusieron sobre la mesa el gran Subiza retorciendo de nuevo unas bases que se saben y nos sabemos de memoria pero que, como es habitual, en directo se nos presentan atajadas, extendidas, rebautizadas,… dando forma a un directo fino y con un punto sorprendente, siempre ofreciendonos algo más de lo que cabia esperar.

El encargado de abrir fuego fue el particular Bigott en lo que pensamos es una maniobra de la organización para acercar a la mayor cantidad de publico a primera hora en vez de colocar a un grupo menos potente y que el polideportivo vaya llenandose poco a poco. El de Zaragoza nos ofreció un poco del folk-country de costuras pop por el que le conocemos acompañado de su habitual banda para hacer un repaso del “This is the beginning…” y presentar algo de su proximo disco que estrenará este 25 de Octubre bajo el peculiar “The Orinal Soundtrack” con un resultado muy luminoso y enérgico gracias a una percusión acertada y unos buenos teclados.

La continuación fue de mano de Supersubmarina, quizás el grupo más forracarpetas de todos los que pueblan el amplio muestrario del festivalero español. A medio camino entre los momentos más guitarreros de la habitación roja y las melodias vocales facilonas de cualquier grupo comercial acompañadas de unas rimas de lo más simples -y esto lo solemos pasar por alto-, el concierto de estos chicos de Jaén se quedo en una media tinta de pequeñas descargas seguidas de lalalas, leleles y sususus con una estructura muy lineal para hacerlo interesante pasados los primeros tres o cuatro temas. Buena interpretación, con algun problemilla de sonido puntual, para un fondo ramplón y carente de brillo.

El pobre Lapido sufrió el vacio más considerable del festival, victima del sindome del único escenario: la gente remoloneo más de la cuenta en el descanso entre conciertos por las tiendas y puestos de comida y estuvimos en cuadro durante más de medio concierto. Lapido presentaba su último disco “De sombras y sueños”, pecando quizas de excesivo clasicismo en su rock de manual, dicho esto en el buen sentido, de manual de estilo de buenas practicas. Haciendo un buen uso del hammond, que parecía sobre un altar, y unos buenos riffs en unas guitarras predominantes consiguió conectar con el publico que se fue animando y termino aplaudiendo su concierto que fue más que correcto.

El que ya tenía al publico entregado desde que pisó la tarima fue Xoel Lopez, la autentica cabeza del viernes y el más celebrado de la velada. Xoel, que con este concierto ponía fin a su gira española y parte de nuevo a tierras bonaerenses hasta que salga a la luz su nuevo material, decició comenzar su show con un íntimo pase acústico en el que sólo acompañado con su guitarra en el escenario recuperó temazos de “Reconstrucción” y de “Fin de un viaje infinito” de manera muy tranquila pero sin perder un ápice de emotividad o intensidad, que hizo al publico corear unido por primera vez en la noche esas letras tan estudiadas provocando la sonrisa del gallego. A partir de aquí retomó el concierto con el resto de su banda (esta vez sin teclados) con una selección que hizo las delicias de todos sus fans. Entre tanto hit también hubo tiempo para presentar alguna de sus nuevas composiciones, en las que ha experimentado con nuevos ritmos, que recuerdan a tonalidades un tanto tropicales, y que apuntan como nueva orientación para su nuevo trabajo. Como curiosidad le pudimos ver golpeandose la garganta para obtener distintas tonalidades en su voz. Gran concierto en el que no podemos dejar de comentar la aparición del solo de guitarra al más puro estilo rockero en varias canciones y que el repaso uno de los mejores temas de su proyecto paralelo Lovely Luna.

Turno de una de las bandas internacionales del festival, y la elección para el Viernes noche fue el grupo de pipiolos escoceses de The view, hype allá por 2007 (incluida nominación a los prestigiosos Mercury) y hoy en día grupo con un remanente de buenas canciones para exprimir en vivo. Con un directo a caballo entre unos gamberros Mando Diao y unos guitarrerros Artic Monkeys, demostraron tener energía para aburrir (así fue al final) y convencieron a medio aforo, el resto se lo estaba pensando, de que lo suyo era la fiesta desenfadada y el pop de guitarras inmediato. Resolvieron con solvencia un concierto que les quedaba un poco largo y a nosotros pensando si realmente merece la pena rellenar ese hueco que dice ‘internacional’ en el album de cromos o tener un par de cromos más en la página central.

Los rompepistas barceloneses de Mendetz eran los encargados de poner los pies en movimiento antes del after y pudimos ver que siguen explotando ese “Souvenir” del 2010, con sus ritmos ochenteros, sobrecarga de teclados y un directo clavado al que ya hemos visto unas cuantas veces salvo variación en el setlist. ¿Fue por eso peor? Para nada, el interés no era el mismo, ya que Souvenir no es el disco de su vida y ya le han rodado suficiente, pero como siempre consiguieron tener un directo in crescendo gracias entre otros a los temazos ‘Wolfdance’ o su clásico ‘Futuresex’, que nunca falta, y demuestra que los Mendetz suenan de sobra engrasados y saben como exprimir al máximo sus temas al dedillo. Sobretodo la versión con la que nos tienen acostumbrados a cerrar, ese noventero ‘Free from desire’ que la gente ya pedía desde la mitad del concierto.

Las entradas ya se pueden comprar en atrapalo.com y en el café bar La Luna a 18€ anticipada, 20€ en taquilla.

¡No os lo perdais!

www.youtube.com/watch?v=m3oK4vwSfyo

No es la primera vez que Standstill incorporan elementos externos al propio concepto de concierto en sus directos, ya desde 2001 se acercaron a la escena teatral y a su concepto de espectaculo añadieron una parte audiovisual más o menos compleja. En esta ocasión la ejecución del disco completo en el mismo orden que el libreto -de otra manera no tendría sentido- se acompañó de tres pantallas que envolvian a los músicos, los cuales tocaban en circulo, en las que se proyectaron tres partes bien diferenciadas ilustrando cada una con mayor o menor acierto una etapa, unos sentimientos o una tematica en la parte de la vida que nos estan narrando con tantos lugares conocidos. La parte más destacable de estas proyecciones en las que se hace presente el videoarte, la infografía, la memoria colectiva, lo misterioso, las texturas y hasta el youtubismo se haya el disco central donde la banda se transporta a una habitación íntima en el momento en el que las inseguridades de B. salen a flote, el paso de niño a adulto, y consiguen con esto un efecto realmente impresionante que transmite al publico una sensación de cercania y empatia con la música realmente especial y, porque no, aún más emocionante. A parte de un gran trabajo de los técnicos de imagen/luces, sincronizando a la perfección videos y jugando con las luces del montaje, defendemos esta obra como un gran espectaculo sin lugar a dudas, con partes que pueden ser más evidentes en cuanto a imagen/letra, pero que globalmente quedan diluidas.

Con la gente de la banda cambiando posiciones e intrumentos constantemente podemos afirmar que en cuanto a lo musical el setlist de Adelante Bonaparte sonó bestial en el auditorio, claridad absoluta para la interpretación de uno de los discos del año pasado que sonó amplio, épico, lleno de matices y muy solido. Pasando por las partes más calmadas y melodicas, las correspondientes a la primera parte, en las que brillaron los samplers y la alegría generalizada de ‘Hombre araña’ con el coro de niños o ‘Cosquillas no (esta niña me gusta)’, disfrutamos especialmente con la parte central, más oscura instrumentada y densa, en la que nos encontramos con la segunda versión de la maravillosa ‘Adelante Bonaparte (II)’ o la intensa ‘Moriréis todos los jóvenes’ que creó una atmosfera emocional casi cercana al post-rock. No se quedó atras la parte final con toda su carga de intimidad, representada con luces, texturas (mar, fuego,…) y proyecciones desconcertantes para vestir ‘Cuando ella toca el piano’ o la delicada ‘Ayer soñé contigo’, que desemboca en el emotivo final que supone el epílogo titulado ‘Canción sin fin’. Una gran experiencia al fin y al cabo irrepetible que, a pesar de algun detalle que mejorar, se merece el más sincero sobresaliente.

10. Margarita / Explota el Cuerpo

Margarita es un grupo de Madrid, aunque la única pista sea el español de sus letras, que tiene la capacidad de llevarnos a unas coordenadas imaginarias completamente alejadas del frío suburbano donde ensayan. Vitalidad, alegría y rítmicas lejanas, cada track es un peligroso combinado altamente potente en el que se mezcla un suave tropicalismo vampireweekesco, coros surferos, estructuras psicodelicas a lo Animal Collective y voces en primer plano perfilando melodías hipnóticas y en ocasiones ensoñadoras sin saber muy bien el papel que juegan estas. “Crudo y crema”, “Luces de colores potentes”, “Explota el Cuerpo” o “Fuego, camina” son los perfectos exponentes de una túrmix de constante intensidad irrefrenable entre el pop de colores, hardcore, punk o la psicodelia fiestera. Imperdibles. Escuchar en Spotify >> Margarita – Explota el cuerpo

9. Los Punsetes / LP2

Si bien es cierto que privados de la sorpresa inicial de encontrarte de primeras un grupo tan singular que hace un estilo taaaaan caracteristico el disco pierde un poco de gracia, la continuación de su debut “LP” (todavía no sabemos si el titulo es el acrónimo de Los Punsetes o de Long Play) es al menos igual de atractiva que aquel que nos deslumbró. Si bien continuista con todo lo que ello conlleva -guitarras punzantes, oscuros hits donde predomina la línea del bajo, esporádicos arranques pop inmediatos,…- los punsetes conservan ese particular humor ácido que combinan con una manera asombrosamente fácil de llegarnos musicalmente a traves de sus predominantes guitarras y que hace que cuando escuchas ‘Tus amigos’, ‘Hospital Alchemilla’ o ‘Los Cervatillos’ hayas practicado una especie de punteo discreto al aire y estés esbozando una media sonrisa sin darte cuenta. Ahí está, ya te han pillado. Conste que por esta vez ha colado, pero ya veremos en posteriores ocasiones. Escuchar en Spotify >> Los Punsetes – LP2

8. Nadadora / Luz, Oscuridad, Luz

No se hace muy fácil hablar de este disco cuando parece que lleva ahí toda la vida, y sus canciones encajan como piezas en un album que se nos antoja clásico. Producido por Fino Oyonarte, Nadadora busca en este trabajo una sonoridad pop en el sentido más tradicional y ofrecernos las perfectas melodías delicadas y contagiosas, pero cuando llega a ese punto decide incorporarle capas de vigorosas guitarras que alternan entre el noise y el shoegaze punzante consiguiendo un resultado abrumador, con irresistibles ejercicios incendiarios que obtienen la balanza perfecta entre armonía vocal y melódica con las guitarras feroces y abrasivas. Todo un hallazgo. Escuchar en Spotify >> Nadadora – Luz, Oscuridad, Luz

7. Klaus & Kinski / Tierra, trágalos

Cuanto en 2008 incluíamos este disco entre los mejores de aquel año nos preguntabamos algo muy similar a lo que estamos pensando ahora: pop, noise, country, bolero -con coros de ranchera-, tecnopop,… ¿que demonios hace un disco tan disperso destacable?
Sin tenerlo muy claro en 2010 volvemos a destacar un disco de Klaus & Kinski que contiene entre otros swing, música disco, bolero, pasodoble e incluso un villancico, pero es que pocos consiguen mezclar generos tan dispersos y letras tan curiosas como ellos solos sin que quede pretencioso ni artificial, sino todo lo contrario, disfrutable, simpatico pero sin perder un cierto punto de ¿identidad? en la manera en la que lo cantan y esas guitarras inquietas que tiran al noise en los momentos más destacables. Escuchar en Spotify >> Klaus & Kinski – Tierra, trágalos

6. Pony Bravo / Un Gramo de Fe

Un combinado como el de estos chicos sencillamente hacia tiempo que no lo oíamos. A los Pony Bravo les sobran influencias y saben mezclarlas en una gran batidora en la que meten rock andaluz, blues, reggae jamaicano, rock americano, funk, flamenco y algún sintetizador.
‘Un Gramo de Fe’, mostrando de primeras ese humor que flota por las letras del disco, no es accesible de primeras salvo por los indiscutibles singles ‘La voz del Hacha’ o ‘La rave de dios’, grandisimo tema hipnótico y hedonista en el que mezclan sus guitarras, teclados y baterías con unas sugerentes programaciones electrónicas; cuando realmente se disfruta de su mezcla psicodélica es cuando se paladea tranquilamente y del tiron para descubrir homenajes a manolo caracol con ‘Ninja de Fuego’, disfrutar del buen reggae de ‘Pumare-Ho!’ o del increible groove confuso de una ‘Noche de Setas’. ‘Un fuego sanador’. Descargalo gratis de su web discografica: >> Pony Bravo – Un Gramo de Fe

5. Ornamento y delito / Rompecabezas de moda y perfección moral

Amantes de la desesperación, furia contenida o disfrazada y atormentados en general sois bienvenidos, porque este es uno de esos diamantes en bruto que os tendrá atrapados un buen tiempo si conseguís superar el golpe inicial de la primera escucha. Bajo este nombre tan recargado y atractivo nos encontramos con atmósferas densas, loops obsesivos, gritos ahogados, letras ironicas e implicitamente duras,… un conjunto aplastante de arrebatadora herencia post punk en el que se crea una uniformidad oscura, fría y sobrecogedoramente perversa mientras escuchamos se relata escenas de la vida moderna. Recordando en ciertos momentos a Nudozurdo, Nacho vegas o Lagartija Nick se nos antojan imprescindibles canciones como ‘Madrid’, con esa ira contenida deseando estallar, ‘Beñat’ o ‘Cocaína’ con una estructura, como el heroin de la velvet underground, paralela al efecto de la sustancia. Escuchar en Spotify >> Ornamento y delito – Rompecabezas de moda y perfección moral

4. Los Planetas / Una Opera Egipcia

Si atendemos a los datos objetivos de las canciones que componen este disco, la primera suposición sería que el disco es flojo. Compuesto casi de retales tiene un single editado hace ya bastante tiempo, la típica canción que se compone para un recopilatorio, un tema meramente instrumental, otro rechazado por Christina Rosenvinge que interpreta La Bien Querida, piezas con base electrónica porque Eric no estaba para tocar la batería,… pero historias aparte todo encaja a la perfección en esta nueva andadura de los Planetas en terrenos oscuros y asentados definitivamente en aquello que se criticó tanto como fue su incursión en el flamenco.
Tomando estas ideas nos presentan un disco nuevamente innovador en el que vuelve a lucir ese pop caracteristico como fondo a sus experimentaciones con las saetas, seguirillas, homenajes a Manolo Caracol o el propio Enrique Morente, que colabora en ‘La pastora divina’, con sintetizadores como los que usan con la Bien Querida en ‘La veleta’, que tambien colabora en el genial dueto noise-pop ‘No sé cómo te atreves’, llevando las guitarras por esos senderos ruidosos e inmediatos que se van tornando oscuros a medida que avanzamos en el disco para llegar a la maravillosa segunda parte del mismo en la que la psicodelia profunda, los torbellinos de guitarras que asimilan el lenguaje del flamenco para trasladarnos su fuerza, sintetizadores y electricidad en crescendo nos invocan una unión perfecta entre generos de tal manera que es muy dificil trazar la línea entre ambos. Escuchar en Spotify >> Los Planetas – Una Opera Egipcia

3. Delorean / Subiza

“Glow-fi”, “chill-wave”, “balearic-pop” y más terminos modernos han sido las maneras que la prensa especializada ha usado este año para decir que Delorean molan o son cool como dijeron muchos medios internacionales. Y es que alabar la imagineria de las múltiples capas de sonido que superponen en las que entran cosas como el house, disco refinado, tropical, brillante pop euforico y hedonista de voces suaves y melodias envolventes que te arrastra hasta un cálido hedonismo final no queda tan bien como decir simplemente que molan, pero en el fondo es así. Un disco excitante para disfrutar tanto en la pista como en cualquier otro lugar. Escuchar en Spotify >> Delorean – Subiza

2. Triángulo de Amor Bizarro / Año Santo

Destrozando oídos alla por donde pasa su gira con un directo avasallador, aunque esto es otra historia, Isa, Rodrigo y los nuevos se han marcado un disco con un sonido rabioso, furibundo, muy sucio y ampliamente distorsionado. Guitarras que golpean en nuestra cara, malvadas lineas de bajo, baterías que reciben “ostias como panes” y teclados que juegan al krautrock, en Año santo tenemos toda una lección de como hacer ruido del bueno que, partiendo del shoegaze, mantenga una gran coherencia melódica basada en estribillos totalmente adictivos y canturreables y un fondo casi luminoso. Ásperas y freneticas como ‘La malicia de las especies protegidas’, ‘El baile de los caídos’ o el pedazo de single ‘De la monarquía a la criptocracia’ sin olvidarnos de la maravillosamente kraut ‘Año Santo’ cierran un disco perfecto con unas letras que a veces se pierden entre la maraña o flotan como cuchillos. Ya sabeis “transfusión no es canibalismo“. Escuchar en Spotify >> Triángulo de Amor Bizarro – Año Santo

1. Standstill / Adelante Bonaparte

Y para coronar la cima nacional una de las elecciones menos obvias pero a mi juicio más merecida, un trabajo genial en forma de tres discos circulares en concepto (de ahí esa portada con la pequeña marca de inicio) comenzando donde el otro acaba hasta que se alcanza el final y con él la vuelta al origen. Del post-hardcore inicial de la banda barcelonesa poco queda en esta fábula entorno a las etapas en la vida ‘B.’, que podia ser cualquiera de nosotros, y está marcado por temas con preciosos arreglos instrumentales, en los que colaboran vientos, cuerdas y piano, dejando de lado cualquier parte más dura con guitarras y apoyandose sobretodo en coros y melodias vocales, alguna magistralmente construida como la de ‘Hombre araña’, que llegan a un nivel de énfasis e intensidad inigualable. ‘El resplandor’, ‘El resplandor’, ‘Adelante, Bonaparte’ en sus dos versiones o ‘La familia inventada’ son canciones inmensas y atemporales que rescatamos como prueba de donde han llegado. Grupo de referencia. Escuchar en Spotify >> Standstill – Adelante Bonaparte

Trece cortes que ademas estarán ilustrados por un videoclip cada uno grabado íntegramente con las cámaras de sus iPhone, despues del salto podeis ver el adelanto de este experimento con el tema I can’t deny it

www.youtube.com/watch?v=tuePU6KOdrA

Os hemos comentado lo que nos encanta Ornamento y Delito? en breve os daremos más la lata con este grupo, de momento os comentamos que están grabando videoclip para “La canción de la Muerte” inspirado en la película de Ingmar Bergman “El Séptimo Sello” y realizado por Jorge Flames. La canción cuenta con la colaboración del imprescindible Abraham Boba en el piano y nos ha dejado una simpática imagen de su compañero de sello (Limbo Starr) e inspiración estilistica Nacho Vegas con unas pintas muy zombies.

www.youtube.com/watch?v=WB7HMOOpRb4

Tonterías aparte la nueva presentación de su Start, Restart, Undo fue bastante completa, en línea con la variedad que encontramos en el propio álbum y comenzó con una Annie inesperada para mi, desplegando un tono oscuro y denso en guitarras que se mantuvo durante la primera parte del concierto. Una de las cosas más destacadas de un concierto de esta chica es por una parte el acompañamiento de la banda, que no solo se limita a tocar de fondo y la que versatilidad que muestra, haciendo más interesante su show que otros recitales de chica-guapa-con-guitarra-luce-su-voz-a-base-de-folk, sobretodo si las composiciones no son especialmente floridas y más bien resultan cortadas a patrón.

Dentro del repertorio habitual que ejecuta en la gira destacó la jazzie ‘Second Hand’ y la muy esperada ‘Motorway’ o la primera canción que compuso, ‘Deepest Hole’, entre las populares ‘Lalala’ o ‘Oh I Oh Oh I’ (esta con megafono). Tras el amago de irse del escenario -todos sabemos que la sala Asklepios no es la más propicia para hacer estas jugadas ya que no hay camerino trás el escenario- Anni volvio para hacer un bis con un par de canciones para las que eligió la famosa versión del ‘Take on me’ de A-ha que edito hace un año y cerrar el concierto sola en el escenario, acompañada solo de guitarra, para lucir su portentosa voz con ‘Sunny days’.

Aunque la verdad es que no abusó de esta oportunidad de experimentar y nos ofreció un concierto totalmente disfrutable donde las canciones más memorables y emocionantes de su última época sonaron sin excepción, haciendo que mirases donde mirases te encontraras con miradas complices y gente coreando himnos del sevillano.
Entre las nuevas canciones que presentó escuchamos alguna que ya conociamos como la grandiosa “Las mujeres del siglo XX”, de aquél invento llamado Boquerones en Vinagre del que aparecieron 3 canciones en un myspace, cambiada casi totalmente por la banda dandole un toque evidentemente menos austero pero llenandola de más armonia y con unas guitarras muy luminosas, como las que tiene “Vacaciones en el mar”, otra de las nuevas, asi como “Murcia va a desaparecer”, ésta un poco más oscura.
Entre comentario y comentario más o menos gracioso y más o menos entendible -sigo teniendo problemas al entender a músicos del sur que cuando hablan cambian totalmente el registro y el acento- rápida y eficazmente fue pasando la hora con su cancionero parte ya de nuestra historia personal, esos estribillos acelerados acompañados de las repicantes guitarras y ese tono especial capaz de hacernos sentir un poco punkys con esas plumas falcon crest.

No faltaron “Lejano oeste”, “La decoración”, “Esplendor en la hierba”, “Del montón”, “Tímidos” o “Los ángeles”,… entre otras, sin olvidarse la magnifica “El rayo verde” con la que cerró este naufrago tímido, introvertido y capaz de arrancar sonrisas y agitación a base de guitarrazos, estribillos únicos y crónicas sentimentales desde un punto de vista casi irónico del que poca gente puede presumir.