Como taller final, nos regalan una arriesgado montaje sobre uno de los textos más representados de William Shakespeare, “El Sueño de una Noche de Verano”, acercándolo hasta límites insospechados, jugando con un texto mágico y tan bien escrito, que da cabida a cualquier adaptación.

Carlos Marchena, director y profesor de la ESADCyL, ha creado con sus alumnos esta versión en la que las hadas, los duendes, los reyes del bosque y todo lo que les rodea, se cubre del manto negro de la noche, haciéndolo tenebroso y peligroso, pero a la vez huyen de las gasas los tules y las alas propias de esos seres fantásticos, pero con el mismo o si cabe más atractivo. Aquí os dejamos con la entrevista que les hicimos:

La obra se representará los días 3, 4 y 5 de junio a las 20.00 horas en el Teatro Experimental Álvaro Valentín. Si no podéis asistir en estas fechas, los alumnos trasladarán dicho espectáculo al Teatro Zorrilla el día 8  de junio a las 20:30, como culminación del proceso pedagógico de la segunda promoción de licenciados.

Os animamos a que acudáis al teatro y con que mejor motivo que apoyar y aplaudir a las nuevas promesas del teatro de nuestra ciudad, y quien sabe si dentro de muy poco del panorama nacional.

Fuera de lo que estamos acostumbrados a ver en el teatro, esta historia nos quiere hacer cercano un hecho tan arraigado a la memoria de Chile como es la de los desaparecidos en la dictadura del General Pinochet. Si bien es cierto que los hechos que se narran en Santiago de Chile, también podemos extrapolarlos a otros ámbitos más cercanos. Porque no se trata de una historia política nada más, sino de como una serie de circunstancias bajo el yugo dictatorial, pueden acabar con los sueños de tantas y tantas personas. Los cinco personajes, tratan desde diferentes puntos de vista una misma historia, la de Colorina, una muchacha a la que el destino y su amor incondicional hacia Miguel, le llevan a vivir un calvario bajo la represión militar, del que no sale muy bien parada.

La obra se estrena el viernes 6 de Mayo a las 20:30 h, en la Sala Borja (C/Ruiz Hernández) de Valladolid. Las entradas tienen un precio de 6 euros y se podrán adquirir en taquilla a lo largo de esta semana y el mismo día del estreno.

No os perdáis este trabajo que seguro, no os deja indiferentes.

Hoy regalamos 4 invitaciones a las primeras cuatro personas que nos digan en los comentarios de este mismo post, en facebook o por twitter por qué quieren ir a ver esta obra.

Los días 24, 25, 26 y 27 de febrero,  la Compañía Nacional de Teatro Clásico dirigida por el magnífico Eduardo Vasco; nos visita para ofrecernos en un marco incomparable como el Teatro Calderón de Valladolid “El Alcalde de Zalamea” de Calderón de la Barca. La obra narra el drama de la ciudad extremeña de Zalamea, con el motivo del paso de las tropas españolas para dirigirse a la guerra en Portugal. Desprecio familiares y el delicado tema de la honra familiar, desprende de la mano del poeta que da nombre a nuestro teatro, la mejor literatura nacional.

Las entradas están a la venta a partir del día 24 de enero desde 25 a 10 euros. Los horarios son los siguientes: días 24, 25 y 26 de febrero a las 20:30 h y día 27 de febrero a las 19:30. La duración es de 1h 55m aproximadamente.

Una buena oportunidad de conocer y saborear algo tan nuestro por una de las mejores compañías del momento.

Una de las obras más célebres del famoso dramaturgo inglés  William Shakespeare, Ricardo III, llega los días 11, 12 y 13 de Febrero a nuestra ciudad. Los encargados de tan inquietantes y actual proyecto es el grupo teatral Atalaya de la mano de su director Ricardo Iniesta. Con ello intentan aunar el teatro más grotesco y distanciado, con la espiral de sangre y venganza de una gran tragedia.

¿Qué vamos a ver? La utilización de la poética y energía de los actores en escena, tan necesaria para tratar una de las obras más difíciles y complejas, acumulando atmósferas de imágenes que obligarán al espectador a elegir y posicionarse. Sentimientos emociones y pasiones entremezcladas con la furia y la venganza.

Las entradas están a la venta a partir del 11 de Enero, de 25 a 10 euros.

El espectáculo se lleva a cabo los días 11 y 12 de Febrero a las 20:30 h y el día 13 de Febrero a las 19:30 h.

Desde aquí os animamos a acercaros al Teatro Calderón para asistir a una de las obras imprescindibles de ver y leer del ser humano.

En este caso “El avaro”, nos cuenta la historia de “la avaricia” en sí misma, como una enfermedad incurable que Harpagón intenta ocultar pero que florece  sola, mostrando las miserias más internas del hombre. El encargado de tan jugoso personaje es Juan Luis Galiardo, quien llevaba bastante tiempo planteándose este proyecto, hasta que contactó con Jorge Lavelli que junto a José Ramón Fernández, realizó la versión y adaptación de la conocida obra del dramaturgo francés.

La obra en general gira en torno al actor principal, que como protagonista que es, intenta mostrar lo mejor de su actuación, sobretodo siendo una persona ya consagrada y respaldada por multitud de trabajos teatrales. Leyendo varias entrevistas del director Jorge Lavelli, nos cuenta que trabajando con Galiardo ha intentado mostrarlo diferente, distinto a lo que todos podemos recordar. Cuando un actor tiene una formación tan característica, es muy difícil dejar eso atrás y zambullirte en una nueva aventura. En un primer instante, parecía que realmente estaba conseguido, pero a medida que avanzaba la trama, esos encasillamientos florecían, puede ser, que sin ni siquiera darse cuenta. Esto provocaba una interpretación muchas veces descuidada, llena de “gracias” propias del actor, y no muy ceñidas al personaje de Molière. Ante esto, claro está, las señoras con visón del teatro se deshacían en sus butacas… Pero para muchos de los restantes con abrigos más modestos, nos pareció mas bien una actuación bastante “arturofernandiana”.

La obra en general está bien, y el hecho de que la mayoría del público fuese a ver al actor estrella en cuestión, no interfirió en que otros personajes despuntaran, en mi opinión, incluso mucho más que el protagonista. Cabe resaltar la magnífica actuación de Palmira Ferrer como “Frosina”, la mejor actriz del montaje.

La propuesta estética que nos traían era además muy interesante, divertida y dinámica, ya que las escenografías móviles dan mucho juego y entretienen al espectador. Además todos los cambios, iban ligados a la perfección, dando una aspecto de limpieza en el escenario y trabajo de coro excelente, que merece mucho la pena el ver.

Me gustaría comenzar por el final. Final, refiriéndome a la salida del público del Teatro Calderón. Todos habíamos visto un conjunto de cosas que por separado funcionaban a la perfección, pero que puestas en conjunto, suponía presenciar lo más aburrido que en mucho tiempo he visto en el teatro.

Pero, ¿qué puedes o debes criticar de un montaje en el que todo está bien? Pues supongo que la labor de dirección tendrá algo que ver. Krystian Lupa, es conocido por ser un transgresor de la escena, por unos montajes arriesgados y fuera de lo común, aunque supongo que eso no se contradice con realizar un producto final al menos un poco más cercano. Lo primero que llama la atención es la magnífica escenografía, que ya desde el primer contacto, transmite bastantes características del montaje. “Fin de Partida” nos cuenta la historia de Hamm, el amo ciego y en silla de ruedas, que da órdenes y más órdenes a Clov, el siervo, que no se puede sentar nunca. Les acompañan, metidos en un contenedor de basura, los padres de Hamm, que perdieron sus piernas en un accidente de bicicleta pero que siguen soñando con ser felices. Hasta aquí parece que bajo estas rocambolescas directrices, cualquier cosa puede pasar.

Cuando esta obra fue llevada por primera vez a escena, el propio Samuel Beckett  pronunció a sus actores las siguientes palabras: “Debemos arrancar tantas carcajadas como sea posible con esta cosa atroz”… Los directores teatrales, no tienen porqué llevar a rajatabla los deseos e intenciones de los dramaturgos, claro está, pero si a un texto de Beckett, le privas de ese humor negro, basado en las desgracias, que lo caracteriza; consigues que la gente se duerma en el teatro. Y no lo digo de una manera metafórica porque realmente fue lo que ocurrió en muchas de las butacas del Calderón.

Los actores estuvieron soberbios, llevando a las espaldas un texto muy difícil, lleno de dobles juegos e intenciones  y bajo una atmósfera decadente y en la más estricta soledad. Pero el ritmo y el tempo impuesto, hacían perderse en la maravillosa lámpara del teatro, así como en sus pinturas y decorados. Muchos de los allí presentes optaron por el abandono de sus sillas, en algunas ocasiones incluso en manada.

Bajo esta serie de incidentes, los actores prácticamente se quedaron solos, no solo físicamente con el abandono del público, sino también por parte de los que nos quedamos hasta el final. Los aplausos ya empezaron apagados por la gente que salía como si les obligasen a ver la obra otra vez, y en verdad aunque no es culpa de los que dan la cara, ni de actores ni iluminación ni vestuario ni escenografía, la sensación que nos quedó fue muy clara: un montaje aburrido rodeado de maestría.

Como habréis podido ver, las respuestas que nos dieron llevaban los contenidos “serios” a lo chanante, en un lenguaje que todos entendimos al milímetro, una manera divertida de atacar la entrevista sin bajarnos el listón al que nos tienen acostumbrados. Les deseamos mucha mierda y nos fuimos con un más que agradable sabor de boca. Y lo mejor es que ésto…¡no había hecho más que empezar!

Rigurosamente puntuales presentaron el show. El primero que hizo aparición fue Ernesto Sevilla, cerveza en mano, cuya sola presencia ya despertó la carcajada en más de uno. Una hora de monólogo de temática muy variada, porque tan pronto te hablan de superhéroes, de las madres y sus zapatillas, o como de tácticas de ligue… eso sí, es capaz de unirlo y cobrar sentido de una forma mágica.

La segunda aparición, fue la de Joaquín Reyes, con el look  más “moderno” con que le habíamos visto hasta ahora. Fue directamente al grano, “a lo loco”, mucho más informal y con ese toque que solo él puede ofrecer. Esa palabrería tan familiar, que prácticamente todos utilizamos, un espectáculo desde su forma de moverse hasta la manera de hablar.

Ambos en su línea característica, pero sin aludir prácticamente hasta el final a ninguno de los programas que les han dado fama. Y es que muchos monologuistas, y humoristas en general,  pecan de vivir de la fama anterior, ellos no. De cualquier cosa cotidiana hacen un chiste sin tener que traer al escenario, ni al Gañan ni el Payaso, ni a ninguno de sus personajes clave. Eso es de agradecer,  la verdad. Y para aquellos que íban esperando ver algo de todo esto, el final fue su momento; cuando pusieron en escena, tras aplaudir  una primera retirada pidiendo un bis, su megahit más conocido: “Hijo de puta, hay que decirlo más”. Ese fue el broche, y todos contentos (aunque seguro que nosotros más) nos fuimos con unos buenos ejercicios de abdominales para toda la semana.

Desde notedetengas os animamos a que veáis su nuevo proyecto “Museo Coconut”, que se emite los Lunes en Neox a las 22:00 h. Nuevo programa, mucho más arriesgado, pero con la esencia chanante que les caracteriza. ¡Nosotros ya estamos enganchados!

Os dejamos con la entrevista:

5 y 6 de noviembre a las 20:30h y 7 de noviembre a las 19:30 h
El precio de las entradas entre 25 y 10euros.

El Lago de los Cisnes, nos habla a través de sus protagonistas de una de las historias más conocidas del ballet romántico ruso. Una cuento lleno de magia y un ambiente onírico que nos relata ese amor imposible, uno de los temas preferidos tanto por autores como por coreógrafos del momento tan apoteósico que vivió dicho género.

La obra se divide en cuatro actos comenzando el primero en los jardines del príncipe Sigfrido, cuya madre el día de su cumpleaños le recuerda que debe contraer matrimonio, eligiendo a una de las jóvenes pretendientas que han sido convidadas a la fiesta. El príncipe, al cual no le agrada mucho la idea, escapa al bosque con unos amigos para distraerse cazando. Allí es en donde tropieza con la bella Odette,reina de los cisnes, la cual le relata la terrible maldición que sobre ella y los otros cisnes recae, hechizada por el malvado brujo Rothbart, solo recuperan su forma humana por la noche y únicamente un juramento de amor eterno será capaz de destruir dicho encantamiento.

En ese mismo momento queda completamente enamorado de ella y le ruega que acuda al baile que se celebrará en el castillo al día siguiente. Cuando está a punto de declararle su amor, resurge el malvado Rothbart convirtiendo en cisne a las muchachas evitando así que se rompa el sortilegio.

Al día siguiente en el castillo está todo preparado. La reina muestra al príncipe multitud de bellas jóvenes, pero Sigfrido solo piensa en Odette. De repente se anuncia la llegada de un desconocido, el barón Rothbart que acude con su hija Odile. Hechizado por el mago Sigfrido cree ver en ella a la verdadera Odette, por ello la señala como esposa, elección aprobada por la reina. Jurándole equivocadamente su amor, Rothbart desenreda el hechizo y comprobando su error el príncipe persigue a la verdadera Odette hasta el lago.

Cuando llega ambos intentan luchar contra el malvado Rothbart, pero todo es en vano. El triste desenlace acontece cuando los dos protagonistas se arrojan al lago, sacrificio que destruye a Rothbart y con cuya muerte quedan liberadas el resto de los cisnes. Los espíritus de Sigfrido y Odette se unen entonces para siempre.

La coreografía basada en la versión original de Marius Petipá y Leiv Ivanov, está revisada por Ángel Corella. El afamado director artístico comenzó su carrera con tan solo 10 años de la mano de Víctor Ullate. Ganador de varios premios ha bailado en importantes compañías como en el American Ballet theatre en el cual se incorporó como solista. En 2008 fue galardonado con la Medalla Internacional de las Artes de la Comunidad de Madrid.

Lo que nos esperábamos del  Lago de los Cisnes era lo que realmente vimos, un escenario clásico romántico con un ambiente y una estética propia del 15 de enero de 1895, fecha en la cual la obra logró un gran éxito en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo.

Tanto la actuación de los bailarines principales como la del coro fue espectacular en cuanto a precisión, sentimiento y delicadeza, simulando  muchas veces esa vaporosidad en el vuelo tan propio de este tipo de ballet, culminado con los dos pas de deux al final de tercer y cuarto acto, momentos cúlmenes de la obra. Además de los bailarines principales, el coro realizó una estupenda labor destacando momentos típicos del Ballet de Blanc, como la metamorfosis del cisne blanco o la conocida coreografía del baile de carácter del pas de quatre, en donde se pone de manifiesto la técnica y sincronía de las bailarinas.

A continuación os dejamos unos enlaces en los que podéis observar uno de los dos grandes pas de deux así como el gran pas de quatre del coro:

1º pas de deux: http://www.youtube.com/watch?v=7pe7dTpiaWo

http://www.youtube.com/watch?v=cnCikXx8HF0&feature=related

pas de quatre:   http://www.youtube.com/watch?v=vbY_FIyXPFg

En esta ocasión además el ballet está acompañado por la Orquesta Sinfónica de Kiev, lo cual aporta un grado más de grandiosidad al espectáculo, que interpretan con gran maestría esta gran obra del magnífico compositor Piort I. Tchaikovsky.

En definitiva un acontecimiento obligado para todos los públicos, al menos una vez en la vida.

EL LAGO DE LOS CISNES
Ballet en cuatro actos
Música de Piort I. Tchaikovsky
Orquesta Sinfónica de Kiev bajo la dirección de Aleksei Baklan
Coreografía basada en la original de Marius Petipá y Leiv Ivanov, revisada por Ángel Corella
Diseño de escenografía y vestuario de Cornejo
Confección de vestuario de Cornejo
Video – escenista Álvaro Luna

ELENCO
Sigfrido: Herman Cornejo
Odette/Odile: Adiarys Almeida
Benno: Kirill Radev
Reina: Raquel Santamaría
Von Rothbart: Yerlan Andagulov

A telón abierto, y mientras entrábamos por el patio de butacas, observamos la sencilla puesta en escena, una simbólica plaza de toros con maderas, tablones y cajas con las que después descubriríamos que se confeccionaba la totalidad de la escenografía. Muy original y económico, el color y la materia recreaba una atmósfera cálida junto con la luz amarillenta, rojiza, simbolizando esos campos de Castilla.

La presentación de los personajes estaba muy lograda, transportando al moribundo Don Alonso (Borja Zamorano) hasta un banco en la escena, la historia completa, era anticipada en forma de canción popular por la preciosa voz de Inés (Verónica Ronda).

En general la sensación que nos dejó el protagonista masculino fue la de una interpretación poco fluida en el verso y bastante pesada en cuanto al desarrollo y cuerpo. La frase “menos es más” estuvo ausente en toda su encarnación. Los puntos fuertes de la obra, sin duda alguna fueron los personajes de Favia (Rosa Manzano) y Tello (Luis Miguel García) en donde se notan las tablas, el trabajo en el verso y la buena canalización durante toda la obra de sus dos personajes. Por otra parte el personaje de Inés, estaba correcto, buenas intenciones y expresión corporal, aunque aburrido en algunas ocasiones, quizás porque el personaje tampoco daba mucho más. El resto de personajes secundarios, sin mucho más que decir, estaban logrados y bastante creíbles. Además el vestuario diseñado por Fernando Urdiales era propio de la época, con ese toque tan característico y colorido de Teatro Corsario.

Una parte importante, aunque nada novedosa en cuanto a otros montajes, fue la colaboración del magnífico guitarrista y compositor Juan Carlos Martín. La música en directo ensalza mucho más el espectáculo, aunque debemos decir que el hecho de que estuviese continuamente entrando y saliendo de escena, desconcertaba mucho y rompía con la magia del momento, sacándote totalmente de la historia, un fallo bastante grande.

A modo de resumen diremos que el montaje era bueno pero poco novedoso, con protagonistas flojos y secundarios muy potentes, pero a su vez muy arriesgado por incluir y apostar por actores jóvenes que se están dando a conocer en el panorama teatral, algo que es de agradecer en estos tiempos que corren.

Fotos: Luis Laforga para Teatro Corsario.

www.youtube.com/watch?v=JPX8z5H1-aU

Podremos verlo los días 24, 25,2 6 y 27 de Febrero a las 20:30h y el domingo 28 a las 19:30. Las entradas oscilan entre los 35 y los 15 euros y se pueden adquirir tanto en el propio Teatro Calderón, como cómodamente por internet.

Un excelente montaje y un gran clásico que todos deberíamos ver, al menos una vez en la vida.

La suma de críticas se hacen una sola voz al decir que es un gran éxito de espectáculo con un magnífico montaje de luz, sonido, música y vestuario; poniendo al público en pie, aplaudiendo a rabiar al gran elenco de actores. Y es que apostar en estos tiempos por un montaje clásico es sumamente difícil, sobre todo para conseguir hacerlo ágil, fluido, divertido e interesante a ojos de todo aquel que acuda al teatro. Por esta gran aportación al teatro clásico, recibieron recientemente el Premio ADE (Asociación de Directores de Escena).

Las obras dramáticas de Lope parten de las historias que los pueblos cuentan. A principios del siglo XV, un hidalgo de la villa de Olmedo fue asesinado entre el pueblo y Medina del Campo. Este suceso se recogió en un romance que dio lugar a bailes que sufrieron sucesivas transformaciones. El traslado de la Corte a Valladolid (1601-1606) benefició a la ciudad por la llegada masiva de nobles, altos cargos eclesiásticos, burgueses a la par que escritores, pintores y arquitectos. Lope debió de conocer la copla o el romance a través de la difusión que tuvo desde esta ciudad,y nutriéndola de la combinación de ingredientes que el escritor utilizaba (tradición, folclore, comedia y tragedia) logró hacer de “El caballero de Olmedo” una obra maestra.

Se representará los días 20, 21, 22 y 23 de enero a las 20:30 h y el 24 de enero a las 1930h en el Teatro Calderón y las entradas ya se pueden adquirir al precios de 10 a 25 €.

El espectáculo “Pscicosis”, nos trasladará a un mundo tenebroso, a una atmósfera sepulcral del año 1800 conducido por los terroríficos protagonistas del momento. Todo ese misterio, envuelve al teatro con una cuidadísima puesta en escena e interactuación con el público, para hacernos pasar un momento realmente divertido para algunos y puede que aterrador para otros, con abundante poética terrorífica, humor macabro, consiguiendo un espectáculo fresco y divertido. El montaje está dirigido por Suso Silva, ganador del Premio Nacional de Circo en 2003, quien desempeña también el papel de ‘Nosferatu’,  maestro de ceremonias y narrador de la historia.

Podremos ver este magnífico montaje los días 27, 28, 29 y 30 deDiciembre en el Teatro Calderón de Valladolid. El precio de las entradas van desde los 30 hasta los 15 euros.

Después de entrar en calor saltando y bailando, el plato gordo se hizo esperar. La paciencia francesa comenzaba a agotarse y tras unos cuantos minutos y silbidos, los Arctic aparecieron tras el telón envueltos en una nube de humo. Con un look mucho mas maduro que al que nos tenían acostumbrados, comenzaron con la canción de su nuevo disco: ‘Dance Little Liar’. Es una pena que lleguen a convertirse en un grupo anclado, no por ellos mismos si no porque la gente no pase pagina en cuanto a sus discos se refiere, quedándose en fantásticas canciones como  ‘Fake Tales of San Francisco’ (que no tocaron) cuando en su nuevo álbum hay auténticos temazos. La mayoría no sabían de su existencia o no se lo metieron en el Iphone…

El concierto se caldeaba y la gente también haciéndose imposible mantenernos en nuestra posición inicial… que al final del concierto fue de unas cuantas filas mas atrás. En canciones como ‘This House is a Circus’, ‘Still Take You Home’, ‘I Bet You Look Good on the Dance Floor’, ‘When The Sun Goes Down’, evidentemente de discos anteriores, la gente flipaba y berreaba a mas no poder.

Llegando al final del concierto se produjo el momento más apoteósico de la noche, con la canción ‘Secret Door’, para los que tengáis pensado ir a alguno de los conciertos de esta gira no pinchéis el vídeo que os adjuntamos a continuación, sin duda uno de los mejores instantes que vivimos, o si no os estropearemos la sorpresa… no digais que no avisamos:

5 noviembre ARCTIC MONKEYS  – “Secret Door” – Zénith PARIS

En resumen asistimos a un pedazo de concierto y si tenéis vuestra entrada seguro que la disfrutareis igual que lo hicimos nosotros. Esperamos vuestros comentarios y el concierto de Madrid. ¡¡Estos chicos ya no son esos niños de antes!! y no lo decimos para mal si no todo lo contrario.

Esta es la historia de una familia rota por la muerte contada a través de los ojos de esos gatos, unos gatos humanizados que hablan de la vida, y de la naturaleza que sigue su curso, con un paralelismo entre la vida animal felina y la humana, haciéndonos ver que no se diferencian tanto entre ambas. Pero esto no es lo único que sucede en escena; a la vez una pareja de jóvenes se ven envueltos en una historia al mas puro estilo shakespeariano: chica oculta bajo disfraz de chico que está secretamente enamorada del otro, hasta que se arma de valor para hacerle ver su real forma de mujer. La obra se carga de emociones y poesía escénica a través de la música de Mozart y las palabras de Marco Aurelio además de una delicada iluminación, movimientos y sonidos felinos y connotaciones circenses con toques de humor en medio de la decadente historia principal.

En cuanto al elenco actoral destacamos a Beatriz Bergamín, como gata vieja, y Héctor Colomé, como gato viejo. Puede que la presentación de los personajes en la primera escena, al principio no tuviera mucha fuerza por parte de Beatriz, pero poco a poco va cargándose del ambiente y la historia haciéndola suya. Por parte de Héctor Colomé, desde un primer momento se nota su seguridad en escena, esa impresionante voz y esos logrados movimientos achacosos de la edad, haciéndonos ver a ese gato castigado por la vida, que quiere un retiro espiritual, cazar a su ratón enemigo y vivir tranquilo sepultando los recuerdos, en que un día fueron jóvenes y felices.

La aparición de los muchachos que realizan la mudanza de la casa, muestra la historia de amor paralela a la felina, con abundante humor y una muy buena actuación por parte de los dos protagonistas: Roberto Pérez e Itxaso González. Aportan mucho movimiento a la escena y nos proporcionan esa vía de escape cuando los temas de la historia principal son tristes y desoladores. Una obra muy detallista y con una estética muy cuidada con vestuario muy llamativo recordándonos a las fábula de donde sacar muchas enseñanzas de la vida.

En el oscuro corazón del bosque los protagonistas nos llevan de la mano haciéndonos partícipes de sus sentimientos, haciéndolo creíble, eso que cuesta tanto muchas veces, con sensaciones que van brotando de cada palabra y cada recuerdo. Paralelamente estamos ante dos historias de amor: una que cierra su curso ante la vejez y el cerco del horizonte de la vida, y otra que comienza al descubrirse y encontrar un nuevo sentido a sus mundos. Es merecido por ello el reconocimiento que se otorgó el mismo día del estreno de la obra en Valladolid a José Luís Alonso de Santos como Embajador del Teatro Calderón. Una bonita historia para salir con un dulce sabor de boca.

www.youtube.com/watch?v=4BJDNw7o6so

Guillermo Solana (director del museo) admitió haberse sentido “desalentado” mientras preparaba la exposición por la falta de conocimiento sobre el pintor,pero a su vez confiaba en que las obras conquistasen al público y acercasen a este artista detallista y recluído.

Las pinturas podrán visitarse hasta Enero en las salas del sótano del museo habilitadas por Moneo, en un espacio recogido y adaptado a las piezas.

Entre los artistas del panorama español, caben destacar a Russian Red, La Bien Querida, Iván Ferreiro, Sidonie (aprovechando el lanzamiento de su nuevo disco), Zahara, y por supuesto los vallisoletanos Arizona Baby. En cuanto a artistas internacionales los escoceses Camera Obscura visitarán por primera vez tierras castellanas siendo estos últimos claramente los cabeza de cartel y mayor atractivo del festival, y contaremos también con la presencia de los suecos Billie the vision & The Dancers, que nos marearon todo el verano con el anuncio de la cervecita…

Un total de 14 grupos conforman esta apuesta a la que además se unirán algunos músicos castellanos y leoneses elegidos entre los concursantes de MESCAL y el presentador y DJ Chema Rey , lo que convierte a TWODAY FESTIVAL en un más que interesante evento para Castilla y León.

Para los interesados que deseen comprar su entrada de manera anticipada, habrá una oferta del 25 de septiembre al 18 de octubre, pudiéndolas adquirir al precio de 30 euros; a partir de esa fecha el precio ascenderá a 35 euros.

Venta de entradas en El Corte Inglés, Discos Long Play en Salamanca y Café Teatro y Berlanga Club Pop en Valladolid.