Este autor al que me refiero es John LeCarré, y esas novelas de las que les hablo formaban parte de la decoración de mi más tierna infancia. Los recuerdos que guardo de esa época estarían inconclusos sin la imagen de esos libros de amarillentas hojas, blandengues y decoloradas portadas y ese extraño olor a rancio que me acompañaron durante tantas y tantas tardes.

Títulos como “ El espía que surgió del frío”, “ La chica del tambor “, “ La gente de Smiley “, “ La casa Rusia “ o “ El topo “ ornamentaban, los salones de la clase media de la Transición. Entretenían a una orda de ávidos lectores. Y forman parte ya del recuerdo de una época pasada, de los tiempos de la “ Guerra Fría “, cuando el mundo en el que vivíamos era totalmente diferente al actual. En España, aún no existía IKEA pero afortunadamente teníamos “ El circulo de lectores “.

Y se ve, que al igual que IKEA, “ todo lo que mola nos llega de Suecia ” ( ABBA, Roxette, Mando Diao,…Suecia es molón por definición ). Porque es precisamente de allí de dónde viene el director de cine más interesante de los últimos tiempos, el encargado de llevar a la pantalla una de esas novelas de John LeCarré. Me refiero como no, a Tomas Alfredson y la adaptación que ha realizado de “ Tinker, Tailor, Soldier, Spy “, más conocida para todos nosotros como “ El Topo “.

Esta es una de las obras fundamentales de LeCarré, que forma parte de la serie que tiene como protagonista al agente Smiley, compuesta por siete libros y que ya había sido adaptada para la televisión, en concreto para la BBC en el año 1979 con la inolvidable interpretación que hizo de su protagonista el magnífico Alec Guinness .

Era todo un reto para Alfredson, conocido mundialmente por su anterior película “ Dejame Entrar “, superar esta primera adaptación de “ El Topo “. En primer lugar necesitaba un actor que nos hiciera olvidarnos de sir Alec Guinness y afortunadamente lo encontró. Gary Oldman realiza la que seguramente sea la mejor interpretación de su vida, encarnando un triste, concienzudo, perseverante y gris Smiley que no sólo está a la altura sino que supera la interpretación de su predecesor.

Pero conozcamos un poco más a Tomas Alfredson antes de centrarnos en su última película.

Este director, actor, guionista y editor nació en 1965 en un pueblo cercano a Estocolmo, en Suecia. Desgraciadamente sus primeras obras aún no han llegado a España ( y dudo mucho que lleguen ). Muchas de esas obras, son trabajos para la televisión entre los que destacan la serie y posterior película “ Bert, el último virgen “ de 1995, “ Soldiers by Moonlight “ del 2000, o los largometrajes “ Office Hours “ de 2003 y “ Four Shades Of Brown “ de 2004. Esta última en colaboración con el grupo cómico Killingganget de gran éxito. Tuvo gran aceptación en Suecia, dónde llegó a ganar 4 premios Guldbagge ( el equivalente a nuestros Goya ) entre ellos el de mejor director.

La fama mundial le llegaría en 2008 con “ Let The Right One In “ ( “Dejame Entrar “ ). Cosechando premios y buenas críticas allí donde se estrenara. Y es que no estamos hablando de una película cualquiera sino de una de las películas más importantes de los últimos tiempos que redefine el genero de terror.

La sombría historia de amor entre un niño y una niña vampiro durante la era de Olof Palme suponía una nueva manera de entender un genero bastante denostado, como es “el terror “. Y situó a su director en la División de Honor del mundo cinematográfico y a la cabeza del Nuevo Cine Sueco ( Al que el pasado año la Semana Internacional de Cine de Valladolid, SEMINCI, dedicó un ciclo ).

La sobriedad con la que estaba rodada, la elegancia, el logro de una atmósfera que era capaz de trasladarnos a la década de los ochenta. Una bienintencionada frialdad y sobre todo, ese recuerdo al final de la proyección de que no habías visto una película de genero sino algo muchísimo más grande, son algunas de las cualidades de esta maravillosa película.

Una obra tan enorme que hasta su remake americano: “ Let Me In “, de 2010, dirigido por Matt Revees, es digno de ver ( muchos son los aciertos de este remake, uno de ellos sería la elección como protagonista de la que hoy por hoy es la mayor joya en bruto de Hollywood: Chloe Moretz ).

Y así llegamos a 2011, año en el que en el festival de Venecia se estrena la que puede ser una de las películas más importantes sobre espionaje que jamás se hayan realizado. La historia planteada como un puzzle cuenta cómo el poco sonriente agente Smiley trata de destapar a un infiltrado, un traidor dentro del servicio secreto británico.

El cineasta sueco comienza a abrir un juego de “ muñecas rusas “, insertando flasbacks para que nosotros como espectadores activos tomemos parte de ese juego y participemos activamente en averiguar la identidad de ese topo. Pero también nos hace trampas, siempre parece que vamos un paso por detrás. La información de la que disponemos se nos da con cuentagotas ( que aunque muchos han definido el ritmo de la película cómo lento, no es otro que el que esta debe tener, no podría ser así de otra manera )

Esencial es la atmósfera creada ( gracias en parte a la maravillosa fotografía de Hayte van Hoytema y al score creado por el músico español Alberto Iglesias). El film supura una textura de gordo grano que nos remite al cine de los 70, tiene un ligero recuerdo a alguna de las películas del denominado “ free cinema “.

Es una película que huele a rancio, a neftarina, a abrigo viejo, a “old spice”, al humo del tabaco en habitación cerrada, a podredumbre moral, a decadencia

El elenco de interpretes encaja a la perfección, están sincronizados y funcionan prácticamente como un engranaje de maquinaria suiza. Sería de premiar el trabajo de casting. Un repescado, gracias a Dios, John Hurt ( sin duda de actualidad de nuevo este año, recordemos que también participa como secundario en “ Melancholia “ de Lar Von Trier ) interpreta el papel de Control, a los mandos de la cúpula del Circus ( así llamado el centro de operaciones del servicio secreto, nada más que unas sucias y tristes oficinas de funcionarios cabizbajos ).

Pero también aparecen nombres como el premiado Colin Firth como Bill Haydon, Mark Strong que interpreta al meláncolico Jim Prideaux o los también excelentes Toby Jones ( de Percy Alleline ) o Kathy Burke que se pone en la piel de la menospreciada Connie Sachs ( el mundo del Circus es un mundo machista, en determinado momento de la película podemos ver que es ella la primera en notificar la existencia de un topo, aunque su opinión no es muy tenida en cuenta ).

A destacar el papel de uno de los actores del momento en Inglaterra que es Benedith Cumberbatch ( protagonista de la serie de moda de la BBC, Sherlock ) que encarna el personaje de Peter Guillian. Es por voz de este personaje por el que Alfredson nos muestra el que es hasta ahora uno de los temas recurrentes de este director y que pueden llegar a definirlo como un Autor de gran personalidad y obsesiones.

Es este personaje, Peter Guillian (agente que ayuda a Smiley en su investigación ) el que en un momento de la película dice “ No quiero terminar como vosotros “.

Muestra su rechazo hacía el futuro que le espera. Es un personaje fuera de lugar, su condición homosexual hace que aún esté más fuera de lugar en un mundo, que como ya hemos comentado además de machista es extremadamente homófobo ( aunque sea de puertas afuera ).

Es un marginado, un excluido social. Al igual que Oskar el protagonista de “ Dejame entrar “ también lo era ( en este caso por Nerd ). Se ve obligado a sacrificar su vida privada por el bien de su trabajo. Para huir de la exclusión social, para no sentirse solo en este mundo.

Son dos personajes condenados. Ambos serán vampirizados ( ¿ o acaso no son vampiros los espiás de esta película ? ).

Así es como vemos que “ la condena “ , “ el castigo “ , es uno de los temas que hasta ahora repite Alfredson. Pero también apreciamos como esos condenados, son extremadamente solitarios por imposición. El mundo en el que viven les obliga a que estén terriblemente solos. Es “ la soledad “ el segundo de los temas recurrentes.

Y es esa marginación, esa condena y esa soledad la que les hace comportarse como se comportan, actuar como actúan. Es lo que hace que todos los personajes de Tomas Alfredson sean de una tristeza infinita y por tanto uno de los distintivos de marca de este autor. Una constante en su cine.

Una tristeza que en el fondo no es otra que la de todos los seres humanos. Condenados a morir en absoluta soledad.

Lo que hace que que un director de cine pueda ser considerado un auténtico Autor es esa capacidad de traslación de los temas esenciales, eternos a su terreno y lo que convierte por tanto a Tomas Alfredson uno de los más interesantes directores de cine en activo. De él esperamos que en el futuro nos lleguen obras tan descomunales e interesantes como hasta ahora han sido sus dos últimas películas.

Es el cineasta que surgió del frío, no lo pierdan de vista.

por Victor Verrier

Llega a notedetengas la sección cinematográfica más enferma de toda la Red.

“ Si la vida ya no te interesa, si te cuesta distinguir entre lo que es real y lo que es ficción, esta es tu sección “: CINÉPATAS.

Si para tí el Cine es una adicción. Date un atracón en notedetengas.

¿Por qué no aprovechar los días de vacaciones para echar la vista atrás y conciliar la cartelera de cine navideña con alguna que otra joya clásica inspiradora?

Propongo el universal y siempre actual Truffaut en Los cuatrocientos golpes…

Canto al desamparo, siempre vigente. Si la verdadera patria del hombre es su infancia, Truffaut habita la suya en este filme, que aventura a compartir con el espectador del siglo XXI de la misma forma que lo hizo hace cincuenta años, con idéntica complicidad. Cincuenta años no son nada, así que el director le invita a pasearla, ejerce de cicerón a lo largo de intrincadas calles. Le convence para volver con la promesa de que en la próxima ocasión le descubrirá un rincón nuevo o le contará la historia de un edificio cuya existencia había pasado desapercibida la última vez. El espectador acepta la invitación. Sabe que volverá.

La narración de las aventuras cotidianas de Antoine Doinel avanza como un cuento aparentemente inocuo pero que, poco a poco, penetra en la conciencia para quedarse en ella. Lejos de alardes creativos, François Truffaut abre la nueva ola de la cinematografía francesa, la Nouvelle Vague, con esta cinta ya convertida en emblema de una nueva forma de entender el cine. La tendencia crítica de los cineastas que rechazaron la corriente comercial europea de los incipientes años 60 para reivindicar el cine independiente de autor, encuentra acomodo en esta crónica de una infancia maltrecha.

El relato de la peripecias de un Jean-Pierre Léaud de 13 años (en la imagen), intérprete que se convertiría en actor fetiche del director (Besos robados, El amor en fuga), esconde muchas preguntas. Preguntas sobre la eficacia de las instituciones en una sociedad en la que impera el culto a la obediencia a los mayores porque sí, el castigo físico, la imposición de la autoridad sin palabras, la incomunicación en el seno de la familia, la simpleza intelectual, la indiferencia más atroz o la debilidad moral. Pero por encima todo, el transcurso de la historia arroja con precisión las preguntas de un niño que bracea desorientado en un mar de mediocridad.

Doinel cree encontrar respuestas abriendo con dificultad huecos en un ambiente hostil que lo aboca a clamar libertad después de cada tropiezo: la encuentra en Balzac, en su deseo de conocer el mar, en una botella de leche que se bebe con la misma avidez con la que se bebe la vida. Esta libertad es trasunto de la que anhela el propio Truffaut al proclamar en esta película una libertad creadora plasmada en la conexión entre fondo y forma. La estética cercana al neorrealismo italiano se entrelaza con una cuidada técnica. De esta forma, el director lanza toques maestros reveladores; oportunos trávelin, cámara subjetiva para forzar la identificación, variedad de encuadres al servicio de la narración y del lirismo más modesto. Lo sencillo no tiene por qué ser simple, parece sentenciar Truffaut con este trabajo.

En definitiva, 94 minutos de genio condensado y congelado  en esta cinta para que no pierda su esencia pase el tiempo que pase, porque Doinel es Truffaut y Truffaut es cualquiera de nosotros cuando las frustraciones de quienes nos rodean contaminan el aire y solo nos queda correr. Correr y correr hacia el mar. Llegaremos a la playa y cuando nos encontremos a la orilla volveremos la cabeza abrumados, preguntándonos si es el final o el principio de algo que está por llegar.

Dirección: F. Truffaut
Guión: Marcel Moussy y F. Truffaut
Intérpretes: Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decombie, Georges Flamant y Patrick Auffay
Género: Drama. Francia, 1959
Duración: 94 min

“Entregó su amor de folletín al sinvergüenza Mastroianni. Marcello, Marcello, no me dejes así, lo he dado todo, muero por ti… ” Cantaban los Sidonie en “Sylvia“, una de las canciones más conocidas de su disco Costa Azul.  En diciembre de este año se han cumplido 15 años de la muerte de uno de los más conocidos actores italianos y latin lover del cine de postguerra, con tantas aventuras sentimentales como desengaños amorosos. Pero la condición de icono sexual femenino de Marcello Mastroianni no habrá de mermar su calidad como actor.

Figurante de cine, fue descubierto por Luchino Visconti, para quien trabajaría en teatro durante más de una década, y donde alcanzó la popularidad gracias al clásico teatral “Un tranvía llamado al deseo”.
Su mentor en el cine fue Federico Fellini, con él rodó “La Dolce Vita” y “Ocho y Medio”, los filmes más conocidos tanto del actor como del director  italiano.  Mastroiani participó en más de cien obras de los autores más prestigiosos del momento, como “El extranjero”, adaptación de la novela de Albert Camus del propio Visconti, “Divorcio a la italiana“,  junto a Prieto Germi,   o  “Ayer, hoy y mañana“ de Vittorio de Sica y que protagonizaría junto con su pareja cinematográfica Sophia Loren. Con Roman Polanski rodaría “¿Qué?“, uno de los últimos trabajos, mucho antes rodaría con Louis Malle  “Una Vida Privada”, aquella donde Brigitte Bardot cantaba: “Sidonie a plus d’un amant, c’est une chose bien connue…”

‘The artist‘, de Michel Hazanavicius

De qué va: Hollywood, 1927. George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo al que todo le sonríe. Sin embargo, la llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y lo lleva a caer en el olvido. Mientras, la joven extra Peppy Miller (Bérénice Béjo) empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas.

Quién: El realizador Michel Hazanavicius es el encargado de escribir dirigir este largometraje de homenaje al cine, mudo y en blanco y negro, que está cosechando multitud de premios y se sitúa ya como el favorito al Óscar del año que viene. En su reparto brillan dos actores desconocidos en nuestro país, el galo Jean Dujardin y la argentina Bérénice Bejo. Además, tienen un papel John Goodman, James Cromwell y Penelope Ann Miller.

Razones para verla: por disfrutar de una película que está enamorando a los críticos de medio planeta; por su banda sonora; si, como yo, te has emocionado viendo el tráiler.

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¿A la cuarta va la vencida?

‘Misión: Imposible. Protocolo fantasma‘, de Brad Bird

De qué va: Acusado de atentado terrorista contra el Kremlin, el agente especial Ethan Hunt (Tom Cruise) se ve desautorizado junto con el resto de la organización al iniciarse el ‘Protocolo Fantasma’. Sin recursos ni apoyo, Ethan deberá encontrar el modo de restaurar el honor de su organización al mismo tiempo que tratará de impedir un nuevo ataque.

Quién: Brad Bird, director de las animadas ‘Los increíbles’ o ‘Ratatioulle’, cambida de registro y dirige la cuarta entrega de la saga ‘Misión: Imposible’. Repite, por supuesto, su estrella Tom Cruise, que esta vez se acompaña de Paula Patton, Simon Pegg, Jeremy Renner y Josh Holloway aka Sawyer, entre otros. El guión, por otra parte, lo firman Josh Appelbaum y André Nemec (serie ‘Alias’).

Razones para verla: porque esté recibiendo muy buenas críticas; por ver a Tom Cruise, no a su doble, escalar el edificio más alto del mundo; por Jeremy Renner, auténtico robaescenas, y, para las nostálgicas de ‘Perdidos’, por Josh Holloway.

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Un thriller

‘Perros de paja‘, de Rod Lurie

De qué va: Remake de la película homónima de 1971. David Sumner (James Marsden), escritor, se muda con su mujer (Kate Bosworth) a la ciudad natal de ésta en el sur profundo de los Estados Unidos. Una vez allí, las tensiones de su matrimonio y antiguos conflictos con los lugareños reemergen, llevándolos a una violenta confrontación.

Quién: El israelí Rod Lurie, realizador de thrillers y otros filmes poco conocidos, reescribe y dirige este remake de la película de Sam Peckinpah estrenada en 1971 con Dustin Hoffman como protagonista. Aquí, el héroe de la historia es el poco carismático James Marsden, que se acompaña en el reparto de rostros también conocidos como los de Kate Bosworth, Alexander Skarsgård o el ‘ex Prison break’ Dominic Purcell.

Razones para verla: si te gustan las historias de violencia con víctimas acorraladas; si eres de los que nunca se fían de los vecinos; porque Alexander Skarsgard promete como villano.

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La comedia española

‘Maktub‘, de Paco Arango

De qué va: Manolo (Diego Peretti), se encuentra en plena crisis. La rutina de su trabajo le resulta asfixiante, su matrimonio con Beatriz (Aitana Sánchez-Gijón) está al borde del caos, y con esta situación sus hijos son lo último en lo que pensar. Pero se cruza por azar con Antonio (Andoni Hernández), un chico canario de 15 años, con cáncer pero con unas ganas de vivir y ser feliz muy contagiosas. Ese encuentro hará que su vida cambie por completo.

Quién: Paco Arango, conocido por las poco exitosas series ‘El inquilino’ y ‘Ala…Dina’, se pasa al cine con esta comedia que escribe y dirige y que protagoniza el actor argentino Diego Peretti. Junto a él, actores españoles como Aitana Sánchez-Gijón, Goya Toledo,Amparo Baró, Rosa Maria Sardà y hasta el ‘ex lostie’ Jorge Garcia.

Razones para verla: por ver una película navideña que no esté rodada en Estados Unidos o tenga a Papá Noel como protagonista.

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Hace un par de meses anunciábamos la primera edición del Festival ArtFutura 2011. En esta ocasión, damos el aviso que ya ha comenzado la segunda edición.

Un año más, el museo Patio Herreriano de Valladolid acoge el Festival de Cultura y Creatividad Digital, ArtFutura. Tal y como sucedió en ediciones anteriores podremos disfrutar durante los fines de semana del presente mes de diciembre y algunos días del mes de enero del próximo año que se avecina las creaciones  seleccionadas para esta ocasión. A diferencia con pasadas ediciones, no todas las proyecciones serán cortometrajes.

Si observamos el horario, aquí, encontramos que los sábados podemos disfrutar de la programación al completo con distintos horarios, para que nos sea más accesible, mientras que los domingos solo se llevarán a cabo algunas proyecciones.  Las cintas son producciones digitales que versarán sobre diversas temáticas llevadas a cabo desde los más diferentes estilos. La vanguardia y las nuevas corrientes de creación digital tendrán sin duda representación.

El calendario de esta segunda edición (la primera se llevo a cabo en noviembre con las mismas proyecciones) de las sesiones será:

En Diciembre de 2011, los fines de semana del 3/4,  10/11, 17/18 y del 26 al 30.
En Enero de 2012, los días 3, 4, 5, 7 y 8.

Para más información podemos consultar la web del Museo Patio Herreriano.

‘Attack the block‘, de Joe Cornish

De qué va: En un barrio marginal de Londres, una banda de adolescentes se enfrenta con una invasión de salvajes alienígenas. En poco tiempo, un bloque de pisos se convierte en una fortaleza sitiada y los jóvenes pandilleros en los héroes que deben salvar el mundo.

Quién: Uno de los guionistas de ‘Las aventuras de Tintín’, Joe Cornish, debuta en la dirección con este largometraje de ciencia-ficción que también escribe, y que se hizo con el premio del público en Sitges y varias nominaciones a los British Independent Awards. La película presenta un joven reparto de rostros desconocidos, salvo por el cameo de Nick Frost: John Boyega, Jodie Whittaker, Alex Esmail y Luke Treadaway, entre otros.

Razones para verla: porque es entretenidísima y divertida; por tratarse de una película de extraterrestres diferente; si te gustan las historias gamberras con personajes antihéroes.

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Para los más pequeños

‘Arthur Christmas: Operación regalo 3D‘, de Sarah Smith

De qué va: En la gran operación de reparto de regalos que lleva a cabo Santa Claus en Nochebuena, uno de ellos se pierde. Es entonces cuando el hijo más joven de Santa, Arthur, se embarca en una misión a contrarreloj para entregar el último paquete antes de que amanezca.

Quién: Sarah Smith debuta en el cine con esta película navideña con Santa Claus como protagonista. Con guión escrito a medias con el responsable de la historia de ‘Borat’, Peter Baynham, la película cuenta, en su versión original, con las voces de James McAvoy, Hugh Laurie y Jim Broadbent, entre otros. Vamos, que Santa Claus es británico.

Razones para verla: básicamente, si vas a ir al cine acompañado de tus hijos/sobrinos a quienes les tienes preparados un regalo en Navidad.

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Un melodrama feminista

‘La fuente de las mujeres‘, de Radu Mihaileanu

De qué va: En un pequeño pueblo en algún lugar entre el norte de África y Oriente Medio, la tradición exige que las mujeres vayan a buscar el agua a la fuente que nace en lo alto de una montaña. Ha sido así desde el principio de los tiempos. Pero un día Leila, una joven casada, propone al resto de mujeres hacer huelga: nada de sexo hasta que los hombres colaboren en el traslado del agua hasta la aldea.

Quién: El director rumano Radu Mihaileanu, realizador de la exitosa cinta francesa ‘El concierto’, dirige esta comedia que participó en el último festival de Cannes y que cuenta con un reparto desconocido en nuestro país: Leïla Bekhti, Hafsia Herzi, Sabrina Ouazani…

Razones para verla: para feministas convencidas e interesados en otras culturas.

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El próximo sábado 17 de Diciembre a las 20h tendremos el placer de contar con el director de cine Pablo Maqueda en el Café beluga de Valladolid que vendrá a presentar su nuevo proyecto audiovosial que lleva como título ALL THE WOMEN.

SINOPSIS: 5 CIUDADES, 366 DÍAS, 366 MUJERES. Una inspirador experiencia online con mujeres alrededor del mundo como protagonistas. Una experiencia cinematográfica grabada en Londres, Madrid, Nueva York, Paris y Tokyo como homenaje diario a la mujer del Siglo XXI.
Caos urbano en el centro de Shibuya en Tokyo, una joven inglesa entre las luces nocturnas de Picadilly Circus en Londres, turistas en el puente de Brooklyn en Nueva York, una camarera esperando en plena Plaza Mayor de Madrid, ancianas discutiendo en el barrio de Monmartre de Paris… all the women.

PALABRAS DEL DIRECTOR: “All the women es un viaje a través de cinco puntos del planeta buscando y capturando las rutinas, momentos e instantes de la Mujer del Siglo XXI. Siento el cine como un viaje, literalmente. Viajé en solitario a cada una de las ciudades con el objetivo de registrar un momento íntimo en la vida de diversas mujeres a través de un largometraje que irá evolucionando todos los días a lo largo del 2012.” Pablo Maqueda.

La entrada será libre hasta completar aforo y la velada se compondrá de los siguientes puntos:

- Presentación del proyecto con proyecciones diversas de algunas de las 366 mujeres registradas.
- Proyección de “All the women” (Versión cortometraje de 15 minutos para festivales internacionales)
- Proyección de “All the women diaries” (Making of de los viajes alrededor del mundo)
- Preguntas, debate

La película francesa Declaración de guerra, de Valérie Donzelli,  y la argentina El Estudiante, de Santiago Mitre, fueron las grandes triunfadoras de la edición número 49 del FICXIXÓN. Donzelli y Mitre compartieron el premio al mejor largometraje ex aequo, y si bien el premio al mejor guión recaería en Mitre por El Estudiante, los intérpretes de Declaración de guerra recogerían el premio al mejor actor, para Jérémie Elkaïm y a la mejor actriz, para la propia Valérie Donzelli. El resto del palmarés lo completarían Ruben Östlund, premio a la mejor dirección por Play y  At the Formal, de Andrew Kavanagh que junto con Meteor, de Christoph Girardet y Matthias Müller recibirían el premio ex aequo al mejor cortometraje.

La 37 edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, por su parte, premiaría con el Colón de Oro al mejor largometraje a  Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios, de los brasileños Beto Brant y Renato Ciasca, mientras que la colombiana Karen llora en un bus, de Gabriel Rojas se haría con la  Carabela de Plata a la mejor ópera prima. El  Colón de Plata a la mejor dirección fue para Andrés Wood por la película Violeta se fue a los cielos, Todos tus muertos ganaría el premio al mejor guión  mientras que el Colón de Plata a la mejor actuación recaería en Osmar Núñez por Juan y Eva y Francisca Gavilán por Violeta se fue a los cielos.

‘Jane Eyre‘, de Cary Fukunaga

De qué va: Basada en la novela de Charlotte Bronte. Jane Eyre (Mia Wasikowska) huye de Thornfield House, donde trabaja como institutriz contratada por el acomodado Edward Rochester (Michael Fassbinder). La aislada e impresionante mansión, así como la frialdad del Sr. Rochester, ponen a prueba la fortaleza de la joven, educada en un orfanato. Pero al reflexionar sobre su pasado, Jane regresa a Thornfield House y al secreto que esconde el Sr. Rochester.

Quién: Cary Fukunaga se estrena en Hollywood con la enésima adaptación del clásico decimonónico de Charlotte Brönte. Esta vez, con dos de los actores del momento, Mia Wasikowska y Michael Fassbender. Completan el reparto Jamie Bell, Sally Hawkins y Tamzin Merchant, mientras que el guión lo firma Moira Buffini (‘Tamara Drewe’).

Razones para verla: por la genial actuación de Mia Wasikowska; para conocer el clásico de Charlotte Brönte de una vez por todas; porque Michael Fassbender brilla -al menos este año- en todos los papeles que protagoniza.

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Acción y robots

‘Acero puro‘, de Shawn Levy

De qué va: Basada en una historia corta de Richard Matheson. En un futuro cercano, Charlie Kenton (Hugh Jackman) es un boxeador fracasado que perdió la oportunidad de ganar un título cuando los robots se apoderaron del ring. Ahora, Charlie sobrevive construyendo robots con chatarra con los que pelea en combates de segunda fila. Junto a su hijo Max (Dakota Goyo), Charlie creará y entrenará a un firme aspirante al campeonato.

Quién: Shawn Levy, realizador de las dos ‘Noche en el museo’, se pasa al género de la acción robotista con este filme sobre robots que boxean. Una historia de superación y efectos especiales con chico guapo, Hugh Jackman, chica guapa, Evangeline Lilly, y joven promesa, Dakota Goyo. Escribe el guión John Gatins (‘Hardball’, ‘Coach Carter’).

Razones para verla: porque las escenas de los robots luchando son bastante llamativas; porque las críticas no la ponen tan mal como uno puede esperar; porque Hugh Jackman siempre es una buena razón para ver una película sin otro motivo que el de alegrarse la vista.

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Una futurista

‘In time‘, de Andrew Niccol

De qué va: En un futuro en el que es posible detener el proceso de envejecimiento a los 25 años, el tiempo es dinero y la única manera de seguir vivo es ganar, robar o heredar más tiempo. Will Salas (Justin Timberlake) vive su vida minuto a minuto, hasta que una inesperada ganancia de tiempo le permite acceder al mundo de los ricos, donde se une a una hermosa joven heredera para intentar destruir el sistema.

Quién: Andrew Niccol, guionista de una de mis películas preferidas, ‘El show de Truman’, y director de la futurista ‘Gattaca’, escribe y dirige otro filme de acción ambientado en el futuro. Justin Timberlake, que últimamente no para, y Amanda Seyfried encarnan a la pareja protagonista, y se rodean de secundarios como Cillian Murphy u Olivia Wilde.

Razones para verla: si te gustan las historias futuristas con trasfondo filosófico; si no te cansas de disfrutar de la faceta de actor de Justin Timberlake; si tienes menos de 25 años.

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Drama histórico

‘La conspiración‘, de Robert Redford

De qué va: Tras el asesinato de Abraham Lincoln, ocho personas son detenidas y acusadas de conspirar para matar al presidente, al vicepresidente y al secretario de Estado. La única mujer que se encuentra entre ellos, Mary Surratt (Robin Wright), regenta una pensión donde el autor del magnicidio y sus cómplices planearon los atentados simultáneos. El abogado Frederick Aiken (James McAvoy) accede a regañadientes a defender a Surratt ante un tribunal militar, y comienza a sospechar que su cliente podría ser inocente.

Quién: El actor, realizador y productor Robert Redford dirige su octava película tomando como base el asesinato del presidente Lincoln en 1865. James D. Solomon debuta en el cine con el guión de una historia protagonizada por James McAvoy, Robin Wright, Kevin Kline, Evan Rachel Wood, Tom Wilkinson y Alexis Bledel, por citar algunos nombres del extenso reparto.

Razones para verla: si te gustan los filmes históricos y/o thrillers políticos y judiciales; por la cantidad de rostros conocidos que tienen un papel; porque la pelícla la dirige Robert Redford, y aunque no sea Clint Eastwood, tampoco es pésimo.

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Drama romántico

‘Restless‘, de Gus van Sant

De qué va: Una adolescente enferma (Mia Wasikowska) comienza una relación con un chico al que le gusta acudir a funerales (Henry Hopper), y que tiene como mejor amigo al fantasma de un piloto japonés que murió en la Segunda Guerra Mundial.

Quién: El intimista Gus Van Sant dirige este drama romántico con toques surrealistas que protagonizan Mia Wasikowska (en cartel también con ‘Jane Eyre’) y el prácticamente debutante Henry Hopper, además del japonés Ryo Kase. Escribe el guión el debutante -éste sí- Jason Lew.

Razones para verla: por esa historia tan bonita sobre el amor, la vida y la muerte; por los personajes estrambóticos que casi siempre son una delicia en el cine; porque lleva la marca de Gus van Sant (‘El indomable Will Hunting’, ‘Todo por un sueño’).

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La comedia española

‘Fuga de cerebros 2‘, de Carlos Therón

De qué va: Alfonso persigue a la chica de su vida hasta Harvard, decidido a conquistarla al amparo de los mismos amigos y descabellados planes que su hermano Emilio utilizara antes en Oxford, en ‘Fuga de cerebros’. Pero cuando menos se lo espera aparece Marta, la niña de la que se enamoró en Infantil. La primera… y si las cosas terminan saliendo bien… la única.

Quién: Tras varios cortos y unos cuantos capítulos de ‘Los hombres de Paco’, Carlos Therón se pasa al cine con la secuela de la exitosa ‘Fuga de cerebros’. A Alberto Amarilla, Canco Rodríguez y Gorka Lasaosa se unen en esta segunda entrega Adrián Lastra, la presentadora Paula Prendes yPatricia Montero. Además, el filme cuenta con el cameo de David Hasselhoff, aka Michael Knight-Mitch Buchanan.

Razones para verla: si te gustó la primera y no te importa que repitan los gags; si alguna vez has estudiado en Estados Unidos o te lo has planteado; obviamente, por volver a ver a David Hasselhoff.

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‘Un dios salvaje‘, de Roman Polanski

De qué va: Dos niños de unos 11 años se enfrentan con violencia en un parque. Dispuestos a encontrar una solución, los padres deciden verse. Lo que empieza siendo una charla con bromas y frases cordiales adquiere un tinte más violento a medida que los padres van revelando sus contradicciones más básicas.

Quién: Roman Polanski dirige esta adaptación de una exitosa obra teatral de Yasmina Reza, con quien el director franco-polaco escribe el guión. En el reparto, únicamente cuatro actores, pero mucha estrella: Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John C. Reilly.

Razones para verla: por la calidad que suele mostrar tanto su director como los actores; por las buenas críticas recibidas allí donde se ha proyectado; porque podría optar a algún Óscar el próximo mes de febrero.

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La que muchos adolescentes irán a ver

‘La saga Crepúsculo. Amanecer. Parte I‘, de Bill Condon

De qué va: Bella y el vampiro Edward por fin se casan, para disgusto sobre todo del hombre lobo Jacob. Sin embargo, aunque todo parece felicidad para la pareja, un imprevisible embarazo pondrá en peligro su existencia.

Quién: Bill Condon, director de ‘Kinsey’ o ‘Dreamgirls’, se pone detrás de las cámaras en el penúltimo capítulo de la saga Crepúsculo. El guión lo firma Melissa Rosenberg, autora de los tres libretos anteriores, y en el reparto figuran los habituales Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Billy Burke, Peter Facinelli, Ashley Greene…

Razones para verla: Salvo que seas seguidor de la saga, abstente. Ya no es que las películas sean, por lo general, malas, y sólo las disfruten los románticos y buscadores de alteraciones hormonales -en Imdb apenas llega al 4 de nota-, sino que además la historia no se completa hasta la secuela del próximo año.

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Una de acción

‘Asesinos de élite‘, de Gary McKendry

De qué va: Narra la historia de Danny (Jason Statham), que abandona su autoimpuesto exilio y reúne a su viejo equipo de agentes de élite para rescatar a su antiguo mentor Hunter (Robert de Niro). Sin embargo, deberán lidiar con una unidad militar, liderada por Spike (Clive Owen), muy peligrosa.

Quién: Gary McKendry debuta en la dirección con esta cinta de acción que adapta la novela ‘The feather men’, basada, a su vez, en hechos reales. El guión lo firma el también debutante Matt Sherring. Pero lo más destacado del filme son, sin duda, sus tres pesos pesados: Jason Statham, Clive Owen y Robert De Niro.

Razones para verla: si te gustan las películas de acción y agentes especiales tipo Jason Bourne; o por la combinación de dos estrellas de este tipo de cine como son Statham y Owen más el carismático De Niro.

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Un drama argentino

‘Medianeras‘, de Gustavo Taratto

De qué va: ‘Medianeras’ cuenta la historia de Mariana, Martín y la ciudad. Los dos viven en la misma manzana, el uno frente al otro, en diferentes edificios, pero no pueden encontrarse. Sus caminos se cruzan sin saber el uno del otro. La ciudad los une y a la vez los separa.

Quién: Gustavo Taretto se estrena en el largometraje con este filme que escribe y dirige, y que cuenta con el prácticamente debutante Javier Drolas y la española Pilar López de Ayala como pareja protagonista.

Razones para verla: por su retrato de la sociedad argentina; por su carácter intimista; porque Pilar López de Ayala siempre brilla en sus papeles.

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El Ciclo de Cine Homenaje a Berlanga durará cuatro días, en cada uno de los cuales se proyectará una de las cintas que han marcado la carrera del realizador español. ¡Bienvenido, Mister Marshall! será la primera en proyectarse, seguida de Plácido, El Verdugo y, por último, La Escopeta Nacional.

Todas ellas obras de indiscutible importancia, cargadas de ese humor  negro tan característico de un autor que ha sabido capar con ácida inteligencia el retrado de una realidad española bajo el yugo de la dictadura franquista. Las proyecciones tendrán lugar en el Aula Margelina de la Facultad de Derecho durante los días 14,15,16 y 17 de Noviembre. La entrada es libre hasta completar aforo.

• Premio internacional: Last Days Here. Don Argott, Demian Fenton / EE.UU / 2011 / 90’

Tras el documental sobre Alfred C.Barnes, el duo conformado por Don Argott y Demian Fenton vuelve a las andadas con Last Days Here, un film que retrata los últimos días de la vida del cantante de la banda de metal Pentagram – Bobby Liebling – que vivió una intensa historia de desolación y drogas en el sotano de la casa de sus padres. Documental de cruda realidad con personajes increíbles llenos de humanidad y de fantasía de rock’n'roll surrealista. Por encima de todo, sin embargo, la película trata sobre las últimas oportunidades y la búsqueda de algo o alguien en que creer.

www.youtube.com/watch?v=U-Kk5K1mLmg

• Premio nacional: Next Station: Morocco. Fermín Muguruza -- Qatar, Spain – 2011 – 100’

El jurado otorga el premio nacional a esta película por el valor documental de este exhaustivo viaje a través de las multiples caras de la música viva y poderosa de un país, desde las tradiciones de música como la gnawa hasta estilos contemporáneos como el hip hop. Sin abandonar nunca el hilo conductor de la música, la película de Fermín Muguruza consigue retratar además la diversidad social de Marruecos, y mostrarnos cómo el trabajo de los músicos ya prefiguraba los cambios políticos que se han dado en el país: la música como obra indisociable de las sociedades en que nace.

El nombre de Steven Spielberg parece inamovible de las últimas carteleras, si hace unas meses homenajeaba el cine de los años setenta con Super 8, vuelve ahora con Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio, donde Tintín y sus amigos descubren un barco hundido que les iniciará en la búsqueda de un tesoro. El periodista más famoso del mundo de cómic y uno de los símbolos del país belga no es, sin embargo, el primer héroe infantil que cambia las viñetas por el séptimo arte. Astérix y Obélix, con la compañía de su indiscutible amigo Idéfix han batallado contra los galos dos veces en la salas de cine más una tercera que se espera para el año próximo, las mismas apariciones que Mortadelo y Filemón, la pareja de detectives más famosa de la TIA cuenta ya con otro par de presencias en la gran pantalla.

La editorial Marvel es ya una habitual de cine, y es que son ya más de una decena los héroes que desde Linterna Verde o Doctor Strange hasta los archiconocidos Spiderman, Batman, o Superman han cobrado vida con diferentes rostros, desde que en 1944 Dick Purcell se metiera por primera vez en traje del Capitán América con Capitán América. The Serials.

Esta tendencia que une estas dos artes gráficas se está extendiendo a un tipo de cómic menos comercial y que se está viendo impulsado por el interés que los realizadores han puesto en nombres como Frank Miller o Alan Moore, cuyas historias gráficas como 300 y Sin City o V de Vendetta y Watchmen respectivamente, están llegando al gran público con una respuesta muy positiva por parte de las audiencias.

El cómic costumbrista también ha encontrado su espacio en el séptimo arte, basta con señalar American Splendor, versión del cómic de uno de los percusores del cómic costumbrista, Harvey Pekar. Ghost World, Kick-Ass o Scott Pilgrim vs The World son sólo otros de los títulos de novelas gráficas que las productoras americanas han escogido para representar en la gran pantalla. No se puede obviar tampoco la presencia del cine europeo aquí, que cuentan con la más que digna representación de Marjane Satrapi, tanto como autora del cómic como directora de la película Persépolis, y nominada a los Óscar 2007 como mejor largometraje de animación.

No puede faltar tampoco la presencia española, con el reciente estreno de Arrugas, título homónimo del cómic de Paco Roca y que tan buena acogida ha tenido por parte de la crítica, lo que no hace sino mostrar la calidad de las propuestas nacionales en un mercado en continua ebullición y efervescencia creativa.

Casi 2 horas de ternura y buen gusto en esta comedia para lucimiento de los actores protagonistas, que están magníficos. Robrecht Vanden Thoren, Gilles de Schryver y Tom Audenaert dan un giro muy positivo a los personajes discapacitados que solemos ver habitualmente en la gran pantalla.

Aunque bastante convencional en su forma, la película sorprende y fascina por lo delirante de la historia, por los mordaces diálogos, por las acertadas interpretaciones de todo el reparto actoral… Entretiene, divierte y se muestra tan fresca que gustará a (casi) todo el mundo.

Y, como no, en estas Nieves del Kilimanjaro, su inseparable Ariane vuelve a ser la actriz principal, acompañada esta vez por el prolífico actor francés Jean-Pierre Darroussin. Y es sobre este último sobre quién recae el mayor peso de la película, ya que con sus dilemas morales y decisiones, va marcando el devenir de la misma.

La historia, enmarcada en lo que podríamos llamar “cine social”, nos cuenta cómo Michel (Darroussin) afronta su nueva vida, tras haber sido despedido en su empresa, rodeado de su mujer Marie-Claire (Ascaride) y sus hijos, quienes deciden hacerle un pequeño homenaje. Un grave acontecimiento cambiará por completo su forma de ver las cosas.

Crítica social que comienza de una manera brillante, pero se va diluyendo según avanza (sutil moralina incluida) y no llega a completar una película que podría haber sido totalmente redonda. Aún así, buen cine y de lo mejor que se ha visto en esta última edición de la Seminci, al nivel que nos tiene acostumbrado el director marsellés.

Negra, irreverente y políticamente muy incorrecta que sigue un poco la senda de Escondidos en Brujas, con la que además comparte protagonista. Mucho ritmo y una sucesión de gags bien hilados garantizan carcajadas y entretenimiento.

¿Y qué decir de Brendan Gleeson? Protagonista absoluto de la cinta que borda el papel de esta especie de “Torrente irlandés”. Ya ha empezado a acumular reconocimientos y premios y seguramente siga haciéndolo en los próximos meses.

En definitiva, quizás la película no tenga más pretensiones que entretener y hacer pasar un buen rato, pero esto lo consigue con creces. Y Gleeson nos brinda una interpretación soberbia.

‘Melancolía‘, de Lars von Trier

De qué va: Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgard) dan una suntuosa fiesta para celebrar su boda en casa de la hermana de la novia (Charlotte Gainsbourg) y de su marido (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, el planeta Melancolía avanza hacia la Tierra, lo que hace temer lo peor…

Quién: El danés Lars von Trier, conocido sobre todo por ‘Rompiendo las olas’ o ‘Dogville’, escribe y dirige un nuevo filme extraño, por llamarlo de alguna manera, que presenta un gran duelo actoral entre Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg. Junto a ellas, también figuran en el reparto Alexander Skarsgård, Charlotte Rampling, Kiefer Sutherland y John Hurt.

Razones para verla: por su mezcla de película de catástrofes y relato intimista; porque todos nos hemos preguntado alguna vez qué haríamos si mañana se acabara el mundo; por el premio a la mejor actriz para Kirsten Dunst que ganó en Cannes.

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Ciencia-ficción española

‘Verbo‘, de Eduardo Chapero Jackson

De qué va: Sara, una adolescente de 15 años, intuye que en el mundo existe algo más que lo que ven nuestros ojos, algo escondido que empieza a obsesionarle. Guiada por su instinto, encuentra varias pistas que la empujan a una nueva dimensión, en la que su vida correrá peligro.

Quién: Eduardo Chapero-Jackson escribe y dirige este filme con el que debuta en el largometraje, y que presenta a la joven actriz Alba García, quien se rodea de caras conocidas de nuestro cine como las de Miguel Ángel Silvestre, Najwa Nimri, Macarena Gómez, Víctor Clavijo y Verónica Echegui.

Razones para verla: para quienes han soñado con viajar a otro mundo; para los amantes de las historias de realidades paralelas; para los fans de Miguel Ángel Silvestre.

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Una de miedo con mucha estrella

‘Detrás de las paredes‘, de Jim Sheridan

De qué va: Will (Daniel Craig) deja su trabajo en Nueva York para trasladarse con su esposa Libby (Rachel Weisz) y sus dos hijas a una preciosa casa en Nueva Inglaterra. Pronto descubren que una madre y sus hijos fueron asesinados en la casa. Todos los habitantes de la ciudad creen que el culpable es el único superviviente, el marido. Will decide investigar con Ann (Naomi Watts), una vecina, y juntos descubren que la historia de la casa se repetirá.

Quién: El realizador 6 veces nominado al Óscar Jim Sheridan deja apartado el drama que le ha hehco famoso y se pone detrás de las cámaras con esta cinta de terror, una película cuyo resultado final le ha gustado tan poco que al parecer pidió que no incluyeran su nombre en los títulos de crédito. El reparto lo lideran Daniel Craig, Naomi Watts y Rachel Weisz.

Razones para verla: si te gustan las historias de casas embrujadas donde predominan los sustos; por el morbo de ver la película donde Daniel Craig y Rachel Weisz comenzaron su relación; por la curiosidad de descubrir qué le ha decepcionado a Jim Sheridan.

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Una comedia sobre robos

‘Un golpe de altura‘, de Brett Ratner

De qué va: Cuando los operarios de un lujoso edificio de pisos en Central Park (Nueva York) descubren que su propietario multimillonario, Arthur Shaw (Alan Alda), se ha quedado con sus jubilaciones, planean una venganza: robar lo que están convencidos que Arthur esconde en su lujoso piso.

Quién: Después de 4 años centrado en la televisión, el realizador Brett Ratner dirige esta película a medio camino entre la comedia y el thriller que cuenta con guión de Ted Griffin (‘Ocean’s Eleven’) y Jeff Nathanson (‘Atrápame si puedes’) y un reparto encabezado por dos de los cómicos más influyentes de Hollywood: Ben Stiller y Eddie Murphy. Además, participan Alan Alda, Matthew Broderick, Téa Leoni y Gabourey Sidibe.

Razones para verla: por reacostumbrarse a Eddie Murphy antes de que presente la gala de los Óscar; porque las críticas en Imdb no la han machacado, y tratándose de una comedia de este tipo, eso dice mucho.

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La cinta italiana del año

‘Habemus Papam‘, de Nanni Moretti

De qué va: El recién elegido Papa sufre un ataque de pánico justo antes de aparecer en el balcón de San Pedro en el Vaticano para saludar a los fieles. Sus consejeros, incapaces de convencerle de que es el hombre adecuado para el trabajo, buscan la ayuda de un reconocido psicoanalista, pero es ateo. Sin embargo, el miedo a la responsabilidad que ha recaído sobre él es algo a lo que debe enfrentarse solo.

Quién: El actor, guionista y realizador Nanni Moretti escribe y dirige esta película que causó un gran revuelo en el Vaticano, y, además, muchos consideran un plagio de ‘El discurso del Rey’. Moretti, que escribe el guión junto a Francesco Piccolo y Federica Pontremoli, también protagoniza el filme, dando vida al psicoanalista que ayuda al Papa, a quien interpreta Michel Piccoli.

Razones para verla: si te gustó la historia de ‘El discurso del REey’, probablemente disfrutes con ésta, en clave de más comedia; si te interesan los líos vaticanos, ya sean conspiraciones o meras rutinas diarias; por echarte unas risas.

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La película nos cuenta los años en los que cambia la vida de la protagonista cuando su hija es secuestrada y asesinada, y su nieto neonato desaparece a manos de los captores de su hija. Estela y otras mujeres en su misma situación inician un movimiento de denuncia y la búsqueda de sus seres queridos.

Dentro de la ración anual de cine argentino que nos brinda la Seminci, Nicolás Gil Lavedra compone correctamente esta emotiva historia, aunque rozando peligrosamente en algunos momentos la categoría de telefilme. Buenas interpretaciones, destacando la de la intérprete principal Susú Pecoraro.

Buen estreno en el largometraje de este joven director argentino.

Pero algo ha cambiado en la Seminci y la crudeza del año pasado ha dado paso, entre otras cosas, a la participación en la Sección Oficial de varias (buenas) comedias, ¿y qué mejor forma de cerrar el festival que con otra más?.

Superclásico nos cuenta la historia de Christian, que viaja con su hijo a Argentina, después de haber sido abandonado por su esposa Anna, enamorada de un exitoso futbolista de aquel país, al cual también representa profesionalmente.

Simpática comedia, con ciertos enredos, que saca provecho de las dificultades lingüísticas de un danés en Buenos Aires. Aún sin ser demasiado original, consigue arrancar sonrisas durante todo el metraje, saliendo de la proyección con buen sabor de boca y habiendo pasado un buen rato.

Esta película, dirigida por Ole Christian Madsen, quien ya estuvo en Valladolid en 2008, ha sido elegida para representar a Dinamarca en la próxima edición de los premios Oscar.