Tanto la novela gráfica original de Paco Roca (Arrugas,2008-Premio Nacional de Cómic) como su adaptación homónima al cine bajo la dirección de Ignacio Ferreras (ambos coguionistas), saben transmitir una sensibilidad única hacia la demencia y su entorno, con todo el drama pero también con toda la ilusión de aquéllos que hacen el proceso lo más ameno posible.

Emilio es un banquero jubilado en las primeras fases de la enfermedad de Alzheimer que ingresa en una residencia de ancianos. Su compañero de habitación Miguel -más listo que el hambre- se convertirá en su aliado e intentará ayudarlo, retrasando el momento en el que la evolución de la demencia de Emilio le impida seguir en el piso de los residentes válidos, y pase a otra planta para asistidos. Los dos, al principio reacios a cualquier conexión, comenzarán a compartir sus opiniones acerca de la vejez, la polimedicación y sobre todo, la convivencia en un centro geriátrico: un lugar donde lo único que hacen es “comer y dormir” y, de cuando en cuando, recibir visitas de los familiares.

Alejada de explicaciones científicas o una mera descripción analítica sobre los episodios de desorientación, el film se hace cómplice de los mundos que algunos enfermos están reviviendo, ofreciendo una visión mucho más rica de la demencia, como el Orient Express en el que ‘viaja’ una de las ancianas.

En el año europeo del envejecimiento activo y de la solidaridad intergeneracional, Ferreras -animador en el fabuloso film francés ‘The Ilusionist’ en 2010- nos ofrece un diseño de personajes sin demasiadas arrugas(valga la ironía) para una rápida empatía, y unos escenarios comunes y monótonos para albergar en el espectador la misma sensación que los ancianos tienen de la residencia: aburrimiento y cierto abandono.

Conservando la misma actitud tierna e intimista de la novela gráfica, contemplamos la pérdida paulatina de las capacidades de Emilio: cómo olvida el nombre de los objetos y su correcta utilización o, de vez en cuando, no reconoce el lugar en el que se halla. Los dos amigos tendrán que enfrentarse a ello, pero lo más importante, deberán evolucionar y ayudarse, en ese continuo proceso de aprendizaje y confianzas que es la vida -incluso en el deterioro de facultades.

Si el proyecto cinematográfico pretende ser un acercamiento a las residencias de ancianos, lo consigue con algunas salvedades. Sorprende, en ese aspecto, la visión deprimente y gris que ofrece del centro geriátrico.  Ninguna actividad para los ancianos válidos y la aparición esporádica del médico, que le oculta información a Emilio respecto a su padecimiento. Aunque peque de demagógica, existe en la novela gráfica una charla devastadora entre un Emilo aún lúcido y el médico, en la que éste le explica los pormenores de la enfermedad. El texto original de Roca describe una estructura del centro más humanizada, aunque no se mencione la relación interpersonal con las auxiliares de enfermería, eje de comunicación en la mayoría de las residencias de ancianos -tanto a ellos como al resto de personal sanitario.

Cuántas veces se habla de una muerte digna…pero hay muchos pasos antes de llegar a una situación terminal. La vida digna… Es aquí donde, ‘Arrugas’, quiere que centremos nuestra atención. Y con ello, ha conseguido los premios Goya a la Mejor Película de Animación y al Mejor Guión Adaptado; además de ser preseleccionada para los Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación.

Inicialmente descrita como una rutina que podría confundirse con la de un hombre que gusta de los encuentros esporádicos, la prostitución y la masturbación; el film va profundizando en los caminos de su compulsión del mismo modo que el metro transporta a Brandon a través de la urbe de NYC, recorriendo los rincones comunes que utiliza para escapar y regresar a su obsesión: los muelles del Hudson o las interminables avenidas por las que hace deporte. La visita inesperada de su hermana Sissy (encarnada por una carismática Carey Mulligan), con la que mantiene una intrigante relación, supone un cambio de rumbo en la trayectoria de su vida, alterando su staus quo, planteándose incluso abandonar su hábito.

Incapaz, no obstante, de entablar relaciones personales -ya sea con una mujer por la que se siente atraído, su hermana o sus compañeros de trabajo- busca los rincones más abyectos de la ciudad, donde el dolor físico que experimenta es tanto más real que el propio orgasmo -solitario y vacío- que consigue con sus parejas sexuales.

Polémicas a parte, los desnudos del film no pecan de pornográfico, estando supeditados siempre al propósito del guión. Envuelta en una ciudada escenografía, la narración avanza sin prisas en escenas delicadamente construídas a base de largas secuencias de primeros planos para despertar la complicidad del espectador, emplazando el objeto que es el propio Brandon, siempre frío y de sonrisa intencionada, en el imaginario de su vida.

¿Por qué no aprovechar los días de vacaciones para echar la vista atrás y conciliar la cartelera de cine navideña con alguna que otra joya clásica inspiradora?

Propongo el universal y siempre actual Truffaut en Los cuatrocientos golpes…

Canto al desamparo, siempre vigente. Si la verdadera patria del hombre es su infancia, Truffaut habita la suya en este filme, que aventura a compartir con el espectador del siglo XXI de la misma forma que lo hizo hace cincuenta años, con idéntica complicidad. Cincuenta años no son nada, así que el director le invita a pasearla, ejerce de cicerón a lo largo de intrincadas calles. Le convence para volver con la promesa de que en la próxima ocasión le descubrirá un rincón nuevo o le contará la historia de un edificio cuya existencia había pasado desapercibida la última vez. El espectador acepta la invitación. Sabe que volverá.

La narración de las aventuras cotidianas de Antoine Doinel avanza como un cuento aparentemente inocuo pero que, poco a poco, penetra en la conciencia para quedarse en ella. Lejos de alardes creativos, François Truffaut abre la nueva ola de la cinematografía francesa, la Nouvelle Vague, con esta cinta ya convertida en emblema de una nueva forma de entender el cine. La tendencia crítica de los cineastas que rechazaron la corriente comercial europea de los incipientes años 60 para reivindicar el cine independiente de autor, encuentra acomodo en esta crónica de una infancia maltrecha.

El relato de la peripecias de un Jean-Pierre Léaud de 13 años (en la imagen), intérprete que se convertiría en actor fetiche del director (Besos robados, El amor en fuga), esconde muchas preguntas. Preguntas sobre la eficacia de las instituciones en una sociedad en la que impera el culto a la obediencia a los mayores porque sí, el castigo físico, la imposición de la autoridad sin palabras, la incomunicación en el seno de la familia, la simpleza intelectual, la indiferencia más atroz o la debilidad moral. Pero por encima todo, el transcurso de la historia arroja con precisión las preguntas de un niño que bracea desorientado en un mar de mediocridad.

Doinel cree encontrar respuestas abriendo con dificultad huecos en un ambiente hostil que lo aboca a clamar libertad después de cada tropiezo: la encuentra en Balzac, en su deseo de conocer el mar, en una botella de leche que se bebe con la misma avidez con la que se bebe la vida. Esta libertad es trasunto de la que anhela el propio Truffaut al proclamar en esta película una libertad creadora plasmada en la conexión entre fondo y forma. La estética cercana al neorrealismo italiano se entrelaza con una cuidada técnica. De esta forma, el director lanza toques maestros reveladores; oportunos trávelin, cámara subjetiva para forzar la identificación, variedad de encuadres al servicio de la narración y del lirismo más modesto. Lo sencillo no tiene por qué ser simple, parece sentenciar Truffaut con este trabajo.

En definitiva, 94 minutos de genio condensado y congelado  en esta cinta para que no pierda su esencia pase el tiempo que pase, porque Doinel es Truffaut y Truffaut es cualquiera de nosotros cuando las frustraciones de quienes nos rodean contaminan el aire y solo nos queda correr. Correr y correr hacia el mar. Llegaremos a la playa y cuando nos encontremos a la orilla volveremos la cabeza abrumados, preguntándonos si es el final o el principio de algo que está por llegar.

Dirección: F. Truffaut
Guión: Marcel Moussy y F. Truffaut
Intérpretes: Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decombie, Georges Flamant y Patrick Auffay
Género: Drama. Francia, 1959
Duración: 94 min

Los protagonistas vienen encarnados por Chris Evans que cumple una vez más con las exigencias que requiere el papel de superhéroe, encarnando a Steve Rogers, el Capitán América, y Hayley Atwell, la chica de la peli, que interpreta al personaje de Peggy Carter, una espía británica que trabaja para el ejército y que acompañará a nuestro protagonista durante todo el film. A Chris Evans, lo recordamos de otras películas de Marvel, como la saga de Los 4 fantásticos, en la que encarnaba a La Antorcha Humana.El antagonista, Red Skull, está intepretado por Hugo Weaving, también muy conocido, pos sus apariciones en Matrix (como el agente Smith) o en El señor de los Anillos.

La película expone como Steve Rogers, un muchacho americano bastante enclenque pero con muchas ganas de servir a su país en la lucha contra el nazismo, se convierte en el Capitán América, un héroe que ayudará de forma decisiva a vencer a los oponentes en la II Guerra Mundial.

En el filme, podemos encontrar una esencia bastante pura en su similitud con el cómic, una buena adaptación. Abstenganse de verla aquellos a los que les guste criticar la inverosimilitud de determinadas escenas, o las películas pro-América. Amigos, ¡esto es un cómic de superhéroes, y nuestro superhéroe es más americano que nunca!

Otra cosa que nos gustó mucho es que entre el reparto secundario de la película, podemos encontrar a muchos actores de renombre como lo son Samuel L. Jackson como Nick Furia o Tommy Lee Johns interpretando al Coronel Chester Phillips. Además de, como no podía ser de otra manera, la aparición de Stan Lee, el creador de los cómics, para el que ya se ha convertido en tradición aparecer “de estrangis” en las adaptaciones cinemátográficas de sus obras. En esta ocasión podemos verle durante el intento de condecoración de Rogers, donde aparece vestido de militar con condecoraciones.

Como momentos a destacar en la película están en el que Steve Rogers, es transformado físicamente, para pasar de ser un chaval flacucho, a ser un portento hipermusculado. La magia del diseño 3D (que en este caso nada tiene que ver con ponernos unas gafas de colores) hacen que podamos tener al mismo actor con dos cuerpos totalmente diferentes.  Pero sin duda, otro gran momento es cuando tras los créditos, Marvel (como casi siempre) nos ofrece un par de escenas extra no incluídas en la película, y no sólo eso, sino que nos regla en primicia el trailer de lo que será la continuación de El Capitán América: Los vengadores! que se estrenará en los cines el próximo año. Así es, en la próxima entrega veremos al Capitán, junto con algunos otros superhéroes, muchos de ellos que ya cuentan con películas propias como Thor o Iron Man. De ahí el subtítulo de El primer vengador.

En cuanto a la calificación, le damos un 7/10 en el rango general, ya que es una película de superhéroes sin más pretensión. No tienen ningún giro argumental, no aporta novedad, es una película puramente de acción. Sin embargo, le damos un 9/10 si la relacionamos con las películas de su estilo.

A ver qué os parece a vosotros, lectores notedetengueros!

Simplificando mucho, podríamos hablar de dos tipos de cine de superhéroes: los filmes que desprenden carisma como ‘El caballero oscuro’ o ‘Iron Man’; y los que adolecen de falta de gracia alguna como ‘Los cuatro fantásticos’ o el primer ‘Hulk’. ‘Thor‘ se situaría en el límite entre ambos. Con un director siempre interesante como es Kenneth Branagh, un reparto de lujo con actores guapos y oscarizados, y el hecho de pertenecer a la saga de Los Vengadores, a ‘Thor’ no le faltaban razones para convertirse en la última gran película de superhéroes. Sin embargo, su trama forzada y sus flojos efectos especiales, por no hablar de lo alto que ‘Iron Man’ dejó el listón en Marvel, se lo han impedido.

De qué va:

Thor, hijo y heredero del rey Odín, es un poderoso pero arrogante guerrero cuyas temerarias acciones reinician una antigua guerra en el reino de Asgard. Como castigo, Thor es desterrado a la Tierra y obligado a vivir como un humano más. Con Thor fuera de combate, el villano Loki intentará hacerse con el poder.

Opinión:

Creo sinceramente que, de no ser por la grata sorpresa que en su día supuso ‘Iron Man’ y las altas expectativas que el proyecto de ‘Los Vengadores‘ está generando (todos los héroes unidos en un solo filme) , mi opinión de ‘Thor’ sería distinta. La película de Kenneth Branagh entretiene, divierte -los momentos de humor están muy conseguidos- y tiene acción, pero, las cosas como son, esperaba mucho más.

De ‘Thor’ esperaba emoción, rayos y truenos y una memorable batalla final. Sin embargo, salvo las primeras escenas que trancurren en el mundo de Asgard, al resto le falta mucha fuerza. La historia arranca con buen pie, pero se resuelve de manera un tanto precipitada y sin un clímax potente; los personajes son tremendamente planos, salvo, menos mal, Thor; y el instantáneo enamoramiento del dios del trueno y la humana (Natalie Portman) resulta absurdo y carente de emociones.

En otras palabras, la trama está muy forzada. Es como si los creadores de ‘Thor’ hubieran decidido únicamente presentarnos al personaje, a sus aliados y enemigos, y darnos una excusa para que el dios del trueno haga su aparición en ‘Los Vengadores’. Como si nos necesitáramos saber nada acerca de las motivaciones de  los personajes para interesarnos por su futuro. Para algunos espectadores puede que así baste; otros, entre los que me incluyo, pedimos que se esfuercen un poquito más y nos sorprendan. Menos mal, eso sí, que ahí está el reino de Asgard para maravillarnos con sus vistas panorámicas y sus batallas entre guerreros y gigantes, porque, al final, prácticamente sólo lo que ocurre en Asgard nos genera algún interés.

En cuanto a los actores, es Chris Hemworth quien lleva el peso de la película, y se agradece, porque su interpretación de Thor es muy acertada. Arrogante y confiado al principio, más sereno y responsable hacia el final, y divertido de principio a fin, Hemsworth nos ofrece un dios del trueno con el que enseguida simpatizamos. Junto a él, el otro actor que merece alguna mención es Tom Hiddleston como el malvado Loki, en un papel muy shakesperiano que le da sentido al hecho de que Kenneth Branagh, el cineasta obsesionado con Shakespeare, dirija esta película.

Del resto, Natalie Portman está ahí, pero su personaje está tan mal dibujado que su ausencia no hubiera supuesto ninguna lacra; Anthony Hopkins repite un papel en el que le hemos visto miles de veces; e Idris Elba está quizás desaprovechado. Los guerreros compañeros de Thor, a quienes lideran Ray Stevenson y Jaimie Alexander, son los únicos que muestran algo de carisma.

El resultado final es una entretenida película de acción que aunque no supera las expectativas generadas, tampoco supone una gran decepción, y, mirando el lado positivo, nos hace desear con más ganas que llegue ya ‘El Capitán América‘ y ver a Jeremy Renner convertido en Ojo de Halcón.

Nota: 6 / 10

Para recordar:

- La genial elección de Chris Hemworth como Thor.

- Que los momentos de humor funcionan.

Para olvidar:

- La precipitada escena que abre la película, que intenta, descaradamente, emular a ‘Iron Man’ -en aquélla funcionó, en ésta no-.

- La escasa credibilidad que tiene el romance entre Thor y Jane.

- Pequeños detalles de los que podrían haber prescindido: la peluca de Thor, la sonrisa final de Natalie Portman, las brevísimas intervenciones de Rene Russo…

Aparte de por ser el hijo de David Bowie, Duncan Jones se dio a conocer en 2009 por escribir y dirigir ‘Moon’, una arriesgada cinta de ciencia-ficción que arrasó en el festival de Sitges. Ahora regresa a la cartelera con otra historia fantástica, ‘Código Fuente‘, y no extraña en absoluto que la expectativas sean altas, aun cuando Jones no firma el guión. Bien, pues el resultado de esta nueva película no podía ser mejor: Duncan Jones nos ofrece con ‘Código Fuente’ un entretenidísimo thriller de acción y ciencia-ficción que impacta al espectador sin grandes efectos especiales, sólo con una buena historia, unas interpretaciones magníficas y un puñado de imágenes muy sugerentes.

De qué va:

Un programa de alto secreto, de nombre clave Código Fuente, permite a Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) existir durante 8 minutos como otra persona. Su misión es identificar al terrorista que ha hecho estallar una bomba en un tren, para lo que ‘viajará’ al tren 8 minutos antes de que la bomba hiciera explosión.

Opinión:

Lo confieso. Siento debilidad por las historias que transcurren o en un único espacio o en un lapso concreto de tiempo, o incluso en ambos, como ocurre con ‘Código Fuente’, porque estas películas obligan a sus creadores a esforzarse para no aburrir al espectador, ofreciendo, en consecuencia, una lección de buen cine. En ‘Código fuente’ sólo tenemos tres escenarios significativos: el tren, la cabina y la sala desde donde controlan la operación; y un único espacio temporal -8 minutos antes de la explosión- que se repite a lo largo de la trama. Con estos pocos elementos -a los que se añade una espectacular explosión y un puzzle de imágenes incoherentes-, Duncan Jones logra construir un filme brillante, que atrapa desde el primer fotograma y que en ningún momento baja el ritmo.

Acción, suspense y romance son los pilares de un argumento que no busca tanto resolver un misterio o establecer una nueva teoría sobre viajes en el tiempo -en realidad, son viajes en la mente- como explorar los deseos del ser humano. De hecho, el misterio que sirve de McGuffin en la trama -la búsqueda del terrorista- se desvela sin mucha pompa. Lo que importa aquí es el viaje emocional que realiza Colter Stevens, cómo acepta su destino y cómo lucha por cambiar el de otros, por lo que la genial actuación de Jake Gyllenhaal y la complicidad que manifiesta con Michelle Monaghan son muy valiosas.

Además de Gyllenhaal y Monaghan, que protagonizan, asimismo, momentos realmente emotivos como ese llamativo plano congelado, Vera Farmiga, el tercer vértice de Código Fuente’, vuelve a sorprender con un personaje sobrio y contenido que recuerda vagamente al de ‘Up in the air’. Jeffrey Wright, más enérgico, aporta el contrapunto perfecto al carácter intimista con que Farmiga, Gyllenhaal y Monaghan dotan a la película.

Porque a pesar de tratarse de un thriller de ciencia-ficción donde suceden muchas cosas, el guión de Ben Ripley y la realización de Duncan Jones -un maestro de las imagen- se toman su tiempo para aportar dramatismo y profundidad a la historia y sus personajes, sin prisas pero sin pausa. Así, el resultado final es un entretenido y excitante filme que también nos llega al corazón.

Nota: 8 / 10

Para recordar:

- La carisma que ha demostrado tener Jake Gyllenhaal como héroe de acción.

- Lo bien que se le dan a Vera Farmiga los personajes contenidos.

- El plano congelado.

- La banda sonora de Chris Bacon: te provoca tensión sólo con escucharla.

Para olvidar:

- Que el final genere tantas preguntas a las que resulta complicado encontrarles respuesta…

El éxito de franquicias como ‘El señor de los anillos’, ‘Harry Potter‘ o ‘Crepúsculo’ ha creado tendencia y continuamente surgen nuevas adaptaciones al cine de conocidas sagas literarias de fantasía. Por eso, nadie debería extrañarse de que la novela ‘Soy el número Cuatro’, la primera de una serie de seis sobre adolescentes alienígenas, haya tardado menos de un año en saltar a la gran pantalla.  El libro, y por consiguiente también la película, cuenta la historia de Cuatro, uno de los seis alienígenas que se esconden en la Tierra de sus enemigos y que aún siguen vivos. Una propuesta interesante, en absoluto original, pero sí lo suficientemente atractiva para atraer al público a las salas. Sin embargo, su argumento poco consistente y la sensación de que los creadores de esta película estaban pensando más en las futuras secuelas que en ofrecer un buen filme, dan como resultado una cinta regular.

De qué va:

John Smith (Alex Pettyfer) es un adolescente extraterrestre que intenta ocultarse en la Tierra de sus enemigos, enviados para destruirlo. Cambiando constantemente de identidad y bajo la supervisión de su guardián (Timothy Olyphant), John es siempre ‘el chico nuevo’ del lugar. Pero ahora Ohio se ha convertido en su hogar, donde John se enamorará (Dianna Agron), descubrirá nuevas habilidades y conocerá a otros que comparten su destino.

Opinión:

‘Soy el número Cuatro‘ tenía, en apariencia, importantes cualidades para triunfar tanto en la taquilla como entre los críticos. La historia de los seis alienígenas infiltrados entre nosotros y a quienes sus enemigos deben matar por orden prometía intriga, acción y aventura; los jóvenes actores protagonistas parecían talentosos y D. J. Caruso, su director, se había manejado bien en títulos anteriores como ‘Disturbia’ o ‘La conspiración del pánico’.

Sin embargo, lo que apuntaba a una buena película de ciencia-ficción dispuesta a inaugurar otra saga de culto ha terminado convirtiéndose en una extraña combinación de fantasía de serie B y parodia de comedia adolescente. Dos ejemplos lo atestiguan: la actitud y ridículo aspecto de los villanos y los numerosos clichés de instituto que se repiten a lo largo de la trama -el matón, el ‘geek’, la animadora…-.

Parte de la culpa de que ‘Soy el número Cuatro’ se parezca más a un drama adolescente que a una cinta de misterio y acción se debe al guión, y otra parte a la propia novela que adapta. Por lo que he leído en medios como The Guardian -los libros los desconozco-, la historia firmada por Pittacus Lore -seudónimo de James Frey y Jobie Hughes- carece de consistencia y explicaciones suficientes que dén sentido y credibilidad a los acontecimientos que narra. En otras palabras, da la sensación de que sus autores se lanzaron a contar la historia sin antes atar bien todos los cabos que pudieran quedar sueltos, y eso se refleja irremediablemente en el guión.

Así, la trama de la película avanza sin detenerse a contestar las preguntas que van surgiendo sobre los orígenes de los alienígenas o el por qué de sus acciones, cuestiones que, por otra parte, dan fuerza a la historia. De hecho, ni siquiera los personajes parecen preocuparse mucho de por qués y cómos, aceptan lo que llega sin cambiar siquiera la expresión de su rostro.

Con esa falta de profundidad, y también de empatía con los personajes -no les entendemos-, el momento cumbre de la película nos pilla por sorpresa en un estado de total desinterés. Sólo la entrada en escena de Teresa Palmer nos mantenía en tensión, pero se resuelve en un santiamén y recurriendo al topicazo de ‘chica dura con referencias sexuales en prácticamente todos sus comentarios’.

En cuanto al romance que ocupa gran parte del argumento en un intento por emular a ‘Crepúsculo’, arranca con buen pie, pero pronto pierde interés precisamente por la poca convicción que en él ponen sus protagonistas, Alex Pettyfer y Dianna Agron. Para colmo, el tercer vértice de un supuesto triángulo amoroso, Jake Abel, no aporta nada.

Nota: 5 / 10

Para recordar:

- Lo mucho que vamos a oír hablar de Alex Pettyfer a partir de ahora…

Para olvidar:

- La escasa coherencia que tienen las decisiones de prácticamente todos los personajes.

- Que, como ocurrió con su fuente de inspiración ‘Crepúsculo’, el tráiler sea mucho mejor que la propia película.

- Lo poco visualmente atractivas que resultan las ‘linternas’.

A propósito:

¿Para cuándo se decidirán a trasladar al cine la genial trilogía de John Twelve Hawks  iniciada por ‘El viajero‘? Puede que las novelas no sean un ejemplo de literatura brillante, pero al menos la historia tiene consistencia.

Mucho se ha hablado de que ‘Sin límites‘ suponía la prueba de fuego para Bradley Cooper en el cine de Hollywood, ya que tras muchos papeles secundarios ésta era la primera ocasión en que ejercía de protagonista. Bien, pues la prueba la ha superado con creces. Cooper, uno de los guapos de moda (fue Fénix en ‘El equipo A’), ha demostrado que tiene la calidad interpretativa y el carisma suficientes para cargar sobre sus hombros con el peso de una película entera, como es el caso. Gracias a su buen trabajo, y al magnífico sentido del ritmo que demuestra el director Neil Burger, además de a una puesta en escena llamativa, ‘Sin límites’ logra hacer de un guión desaprovechado e incoherente un thriller ágil y muy entretenido.

De qué va:

Basada en la novela de Alan Glynn (2002). Al aspirante a escritor Eddie Morra (Bradley Cooper) no le podía ir peor hasta que un viejo amigo le da a conocer el NZT, una pastilla que le permite aprovechar su potencial mental al completo. Haciendo uso de sus nuevas  capacidades, Eddie no tardará en conquistar Wall Street, convirtiendo un pequeño capital en millones. Sus hazañas llaman la atención del magnate Carl Von Loon (Robert De Niro), pero también de personas desesperadas por hacerse con la nueva droga.

Opinión:

La pregunta que plantea ‘Sin límites’ resulta interesante: ¿Qué harías si pudieras utilizar tu capacidad mental al completo? La idea se basa en la extendida creencia -falsa, por cierto- de que sólo empleamos el 10% de nuestro cerebro. El hecho de que se trate de una creencia errónea resta, desde un primer momento, credibilidad al guión, pero aún así, sigue teniendo interés. Así, la historia arranca muy bien con un Eddie Morra (Cooper) en sus horas más bajas que, con una sola pastilla, recupera la energía perdida y comienza a andar el camino hacia el éxito. A medida que avanza la trama, y Eddie va acumulando logros, surgen las complicaciones, y la historia se vuelve excitante.

Asimismo, el argumento pasa por temas tan variados y atractivos como la necesidad de más poder, la adicción o el éxito fácil versus éxito mediante esfuerzo. Sin embargo, muchas de las subtramas que va abriendo el guión las olvida enseguida, dejándolas abiertas o sencillamente ignorando que alguna vez existieron, lo que genera bastante confusión.De hecho, da la sensación de que la falta de respuestas se debe a que el guionista -Leslie Nixon- complicó la trama en pos de la intriga y la acción y luego no supo cómo resolverla.

Además, el tono de la historia no queda claro: en ocasiones parece que condena las acciones del personaje principal; en otras, las aplaude. Sin embargo, precisamente esa postura imparcial, por llamarla de alguna manera, desvía nuestra atención hacia el espectáculo, que, al fin y al cabo, es la mejor baza que tiene ‘Sin límites’ para capturar al espectador.

Ya desde los títulos de crédito iniciales nos damos cuenta de que ‘Sin límites’ intentará sorprendernos con un montaje y una fotografía llamativas. Así es. Más adelante, la rapidez con que se suceden los acontecimientos nos mantiene pegados al sillón, y la resolución final nos deja a más de uno con la boca abierta. Lo cierto es que Neil Burger, su director, ya demostró en ‘El ilusionista’, aquel thriller de magos con Edward Norton en el papel principal, que la realización se le daba bien.

Volviendo a Bradley Cooper, el actor destaca en un reparto acertado, pero no brillante. Robert de Niro se mete en la piel de un magnate frío y desconfiado, capaz de dejar a un lado sus reticencias para conseguir sus objetivos, pero su actuación nos sabe a poco, tanto por la brevedad de su papel como por el poco empeño que parece ponerle. Abbie Cornish ejerce de novia del protagonista, y ya está, y Anna Friel nos deja con ganas de más sobre todo a quienes la hemos visto en ‘Pushing Daisies’.

Nota:  7 / 10

Para recordar:

- Que haya quedado demostrado que Bradley Cooper tiene el carisma y fuerza interpretativa suficientes para llevar él solito el peso de una película.

- El montaje de los saltos temporales.

Para olvidar:

- Los vacíos argumentales que dejan sin conclusión varias de las historias secundarias.

- Que la presencia de Robert de Niro prácticamente no pase de cameo.

- Una última escena muy floja.

El nombre de Philip K. Dick suele ser sinónimo de una buena historia. Sólo se necesita un rápido vistazo a la lista de películas que han adaptado alguna de sus novelas -’Blade Runner’, Minority Report’, ‘A scanner darkly’…- para comprobar que supone una de las fuentes más exitosas, e influyentes, del cine de ciencia-ficción. El último en recuperar uno de sus relatos ha sido George Nolfi, consagrado guionista que debuta en la dirección con ‘Destino oculto‘ (‘The adjustment bureau’ es su título original), donde cuenta una historia de amor que se enfrenta al Destino, entendido éste como una organización burocratizada que vela por que todo salga conforme al plan. El filme es entretenido y de factura impecable, pero un guión bastante flojo impide hacer de él una película redonda.

De qué va:

David Norris (Matt Damon) es un ambicioso político a punto de conseguir un asiento en el Senado de Estados Unidos cuando conoce a Elise (Emily Blunt), una mujer de la que se enamora rápidamente. Pero los agentes del Destino, hombres del Departamento de Ajustes, harán todo lo posible para apartarlos el uno del otro y que no se desvíen del camino que ha sido escrito para ellos.

Opinión:

Ante todo, ‘Destino oculto’ es una película romántica, con su contexto de ciencia-ficción y sus toques de thriller, pero, en esencia, una historia de amor. En este sentido, la química que muestran en pantalla Matt Damon y Emily Blunt, así como la naturalidad con que fluyen sus diálogos, hacen creíble su romance y logran que nos impliquemos enseguida en él. El problema es que su repentino y apasionado amor no sirve por sí solo para sustentar la película.

Quienes elijan ver ‘Destino oculto’ seguro que lo hacen movidos por la trama de unos agentes vestidos de traje que velan por que nada se salga de un plan que ha sido establecido, lo que, en términos de géneros cinematográficos, viene a significar misterio y suspense. Bien, pues la cinta de George Nolfi mantiene el suspense en su primera media hora, y de manera bastante acertada, pero, una vez respondidas las preguntas más apremiantes, la trama se centra en los intentos del personaje de Damon por continuar su relación con la mujer que ama, dejándonos un puñado de persecuciones brillantes pero también un guión con agujeros y muy previsible.

En definitiva, ‘Destino oculto’ relega a un segundo plano su trama de ciencia-ficción para dedicarse al romance entre David y Elise, con clásico recurso de boda incluido, por lo que la película puede no convencer a los detractores de los amores idílicos. Sin embargo, una electrizante carrera final para huir del Departamento de Ajustes vuelve a inclinar la balanza hacia el género de acción, con lo que el espectador jamás llega a aburrise. En realidad, el ágil ritmo de la película nos mantiene atentos a la pantalla de principio a fin.

En cuanto a las interpretaciones, Matt Damon y Emily Blunt están prácticamente perfectos como la pareja protagonista. De hecho, Damon, un actor al que sinceramente nunca he admirado, me ha sorprendido gratamente, sobre todo por su naturalidad. Ella, Blunt, se entrega con pasión a su personaje, y hace suyas las últimas escenas. ‘Destino oculto’ también cuenta con unos secundarios estupendos, entre los que destacan la imponente presencia de Terence Stamp y la simpatía que desprende Anthony Mackie.

George Nolfi crea con ‘Destino oculto’ un thriller romántico de ciencia-ficción -por llamarlo de alguna manera- que, a pesar de todos los fallos que pueden achacársele -básicamente, problemas en el guión y una temprana resolución del misterio- cumple con su principal función: sorprender, entretener y hacernos disfrutar.

Nota: 7 / 10

Para recordar:

- La perfecta sintonía entre Matt Damon y Emily Blunt.

- La fotografía y los escenarios neoyorquinos que hacen de ‘Destino oculto’ una película muy visual.

Para olvidar:

- La traducción al español del título original ‘The Adjustment Bureau’ (Departamento de Ajustes): ‘Destino oculto’ es una nueva muestra de la poca originalidad de los traductores en este país.

- El recurso de la boda sobra, está muy visto.

- La cantidad de preguntas que los agujeros del guión dejan para el espectador y que, lejos de entretenerle, le exasperan. Por ejemplo, si el Departamento de Ajustes puede modificar con tanta facilidad los pensamientos de una persona, ¿por qué le cuesta tanto impedir la relación entre David y Elise?

Preguntas sin respuesta:

Por mucha buena impresión que te haya causado, resulta difícil pensar que te irías a tomar un café con un tipo que conociste un día y que tres años después confiesa estar obsesionado contigo. ¿O es que soy muy desconfiada?

Funcionó en ‘Piratas del Caribe. La Maldición de la Perla Negra‘ -me olvidaré de que el resto de la trilogía existe- y ha vuelto a hacerlo en ‘Rango‘. El director Gore Verbinski y el actor Johnny Depp se han unido en una nueva película de aventuras entretenida y rabiosamente divertida. Esta cinta de animación ambientada en el lejano Oeste y protagonizada por criaturas del desierto aterradoras y encantadoras al mismo tiempo supone un gran homenaje al western y al cine en general. Además, su puesta en escena es original y la historia tiene ciertos rasgos que la hacen más apropiada para los adultos que para los niños.

De qué va:

Cuando Rango (Johnny Depp), un camaleón que sufre una profunda crisis de identidad, llega accidentalmente al peligroso Polvo, poblado por las criaturas más astutas y caprichosas del desierto, el lagarto menos valiente descubre que tiene la oportunidad de destacar. ¿Cómo? Convirtiéndose en un héroe…

Opinión:

El punto de partida de ‘Rango’, ese camaleón que interpreta obras de Shakespeare con los juguetes que habitan su caja de cristal mientras se pregunta quién es en realidad, ya nos avanza que ésta no es la clásica cinta de animación destinada al público infantil. De hecho, ‘Rango’ ha sido pensada para agradarnos a nosotros, los adultos, los que disfrutamos con el cine de aventuras y recordamos las escenas más memorables de los clásicos del género, y que, además, sabemos apreciar los matices de la compleja personalidad del protagonista.

Así, la película es un continuo homenaje al cine del western que, gracias a su sentido del humor y una puesta en escena llamativa, nos atrapa de principio de fin, haciéndonos pasar un muy buen rato. Tanto, que he de confesar que, por primera vez en mucho tiempo, he soltado una carcajada en el cine.

Pero, al mismo tiempo, la trama aborda la importancia de la amistad, de la generosidad y, sobre todo, de descubrirse a uno mismo. Porque no importa cómo te llames o de dónde vengas -de hecho, el verdadero nombre de Rango y su procedencia jamás se desvelan-, sino cómo reacciones ante las vueltas que da la vida.

En el apartado técnico, ‘Rango’ resulta sencillamente espectacular. El desierto vacío y un sinfín de personajes secundarios cuyo diseño está a medio camino entre la repulsión y el agrado hacen de la película de Verbinski un filme de animación diferente, y eso, teniendo en cuenta la enorme competencia que existe en la actualidad, no se consigue a menudo.

Nota: 8 / 10

Para recordar:

- Rango: su crisis de personalidad, sus aspiraciones interpretativas y esos ojos en continuo movimiento que hipnotizan al espectador.

- Las lechuzas mariachis, que corroboran lo bien que funciona un narrador cantante en ciertas historias.

. La entrada en escena del espíritu del Oeste: sólo John Wayne podía haber superado ese momento.

Para olvidar:

- El doblaje al castellano de los habitantes de Polvo: si eso es lo que se supone un acento rural…

- El escaso carisma de los personajes femeninos.

Referencias a otras películas (que recuerde de memoria):

La muerte tenía un precio; El bueno, el feo y el malo; Jurassic Park; La comunidad del anillo; Lo que el viento se llevó; La guerra de las galaxias; Indiana Jones en busca del arca perdida; Apocalipsis Now.

Pregunta sin respuesta:

¿El parecido entre Habas, el principal personaje femenino, y el odioso Jar Jar Binks de ‘La amenaza fantasma’ estaba planeado?

Existen historias tristes, otras tristísimas, y unas pocas desgarradoramente demoledoras. Ése es el caso de ‘Nunca me abandones’, la adaptación británica de la aclamada novela de Kazuo Ishiguro que cuenta una historia de amistad y amor sobre un fondo de ciencia-ficción. Con unos entregados Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley -probablemente los mejores actores de su generación-, este drama transmite tanto sentimiento como preguntas filosóficas, no dejando indiferente a nadie. Muy recomendable.

De qué va:

Kathy (Carey Mulligan), Tommy (Andrew Garfield) y Ruth (Keira Knightley) pasan su infancia en Hailsham, un internado inglés aparentemente idílico que esconde una inquietante verdad. Cuando dejan atrás el refugio que les brinda del colegio, deben hacer frente a los profundos sentimientos que amenazan con separarlos.

Opinión:

Quien tenga la intención de ver ‘Nunca me abandones‘ y desconozca los detalles de la trama, que no siga leyendo, porque me resulta prácticamente imposible hablar de este filme sin mencionar el secreto que esconde su argumento. La trama transcurre en una realidad paralela, donde Kathy, Tommy y Ruth, el trío protagonista, han sido creados genéticamente para, en su edad adulta, servir de donantes de órganos y mantener así una esperanza de vida que alcanza los 100 años. Una vez cumplida su función, morirán.

Ése es el escenario de ‘Nunca me abandones’, un mundo inquietante no tanto por esa aberración genética como por la conformidad con que los donantes aceptan su papel. Kathy, Tommy y Ruth, y con ellos el resto, saben que jamás llegarán a la treintena, que sus órganos les serán extraídos hasta que la vida les abandone, y, lejos de rebelarse, demuestran su compromiso con el destino que les han impuesto. Esa indiferencia aterra, y la manera en que la dirección de Mark Romanek (‘Retratos de una obsesión’) nos guía por ella le confiere un matiz aún más tenebroso.

Sin dejar en ningún momento espacio para que los personajes se cuestionen su destino, Romanek los acompaña en su planificada existencia indagando únicamente en los sentimientos que les unen y al mismo tiempo les separan: el amor y los celos.  Cierto es que al pasar tan de refilón por las cuestiones éticas y filosóficas de la historia aumenta el misterio, pero quizás el espectador se quede con ganas de más. Sin embargo, como ocurría con ‘Monsters‘, la otra joya del cine británico independiente de 2010, la falta de información le confiere cierta magia a la película que la hace inolvidable.

‘Nunca me abandones’ llega al corazón de los espectadores también por una fotografía y una magnífica ambientación que entristecen aún más la historia, y, sobre todo, por la gran actuación de sus intérpretes. Carey Mulligan, contenida, logra enseguida que empaticemos con su personaje; Andrew Garfield derrocha sentimiento; y Keira Knightley aporta el contrapunto perfecto a la historia de amor de los dos anteriores. Una estupenda Sally Hawkins, además, refuerza un reparto digno de mención.

Resumiento, ‘Nunca me abandones’ conmueve, provoca y causa desesperanza, pero sobre todo perdura en el recuerdo de quienes la han visto.

Nota: 7 / 10

Para recordar:

- Andrew Garfield: definitivamente, uno de los mejores actores jóvenes del momento.

- La fotografía de Adam Kimmel, que acentúa el halo de misterio y la sensación de pérdida que rodea a la historia.

- El asombroso parecido tanto físico como gestual entre Carey Mulligan y la niña que interpreta a su personaje en la infancia, Izzy Meikle-Small.

- La pregunta que la última escena lanza al espectador: por mucho tiempo que tengas, ¿es suficiente?

Para olvidar:

- Que sientes que le falta algo.

Cada año en la meca del cine, una historia original de corte independiente con una puesta en escena sobria pero elegante suele hacerse con el favor de la crítica y acumular un sinfín de reconocimientos, incluidos, en ocasiones, el preciado Oscar. Este 2010 el turno le ha tocado a ‘Los chicos están bien‘, comedia sobre una familia poco convencional -dos lesbianas, sus hijos y el donante de esperma- que, aunque en su presentación en Berlín no arrancó grandes aplausos, ha ido poco a poco ganándose adeptos, sobre todo por la interpretación de sus actrices. Una esplendorosa Annette Bening y una eficaz Julianne Moore, acompañadas de un guión inteligente y divertido, hacen de ‘Los chicos están bien’ uno de los filmes más refrescantes y satisfactorios del año.

De qué va:

Nic y Jules (Annette Bening y Julianne Moore) están casadas, tienen dos hijos concebidos por inseminación artificial y gozan de una vida aparentemente idílica. Sin embargo, la entrada en escena de su donante de esperma (Mark Ruffalo) amenazará la unión de su familia.

Opinión:

Que ‘Los chicos están bien’ sea una comedia diferente se debe, sobre todo, a la historia que cuenta: distinta a lo que estamos acostumbrados, e incluso atrevida, capta enseguida nuestra atención. Sin embargo, esa aparente originalidad acaba derivando en una serie de situaciones propias de las comedias románticas tradicionales, aunque, eso sí, adornadas con unos diálogos ingeniosos, divertidos y en ocasiones hasta desconcertantes.

El libreto escrito por Stuart Blumberg y Lisa Chodolenko, también directora de la cinta -es su ópera prima-, logra, además, darle un espacio a cada personaje para que el espectador conozca sus deseos y sus miedos. Así, además de brindarle a cada actor la oportunidad de lucirse -oportunidad que aprovechan-, el filme no sólo habla de la familia y el amor, sino también de la rebeldía adolescente, la amistad, el sacrificio…

Ese complejo guión Lisa Chodolenko lo traslada a la pantalla con naturalidad. Como un testigo más de lo que va sucediendo, deja que la historia fluya, que el espectador se relaje, hasta que llega la hora de emocionarle, que es cuando interviene para crear momentos verdaderamente emotivos.

En cuanto a los actores, Annette Bening borda su papel de mujer responsable, estricta y a punto de perder lo que más le importa a causa, en parte, de sus propios errores. Sin duda es ella el gran valor de este filme, aunque Julianne Moore tampoco desmerece elogios. Mia Wasikowska (la Alicia de Burton) y Josh Hutcherson expresan a la perfección la inseguridad de la adolescencia, y Mark Ruffalo nos enternece, divierte y enfada con su personaje.

Nota: 8 / 10

Para recordar:

- La grandísima escena del ‘descubrimiento’ en casa de Paul (Ruffalo): brillante.
- Que Annette Bening y Julianne Moore muestren sin miedo sus arrugas: los años no pasan en balde, no hay por qué esconderlo.
- Que, por primera vez en mi vida cinéfila, Mark Ruffalo me haya sorprendido gratamente con un papel divertidísimo que me ha encandilado.

Para olvidar:

Los clichés del género que repite la película y que merman su originalidad y frescura.

Una pena:

Que, de las cuatro nominaciones a los Oscar que tiene, se vaya a ir a casa con las manos vacías.

Si existe un Oscar merecedisímo de los que se entregarán el próximo día 27, ése es el de Natalie Portman. La diminuta actriz se deja la piel en Nina, la bailarina estricta y perfeccionista que en ‘Cisne negro’ lleva su pasión por la danza demasiado lejos. Ella es una de las principales razones para ver y disfrutar de la nueva película de Darren Aronofsky, pero, sin duda, no es la única.

De qué va:

Nina (Natalie Portman) es una perfeccionista bailarina de ballet absorbida por la danza. Cuando su compañía prepara ‘El lago de los cisnes’, resulta elegida para encarnar el papel principal, pero el director (Vincent Cassel) le muestra sus reservas de que pueda interpretar al mismo tiempo al inocente Cisne Blanco y al sensual Cisne Negro. La presión del trabajo y la rivalidad con otra bailarina de la compañía, Lily (Mila Kunis), potenciarán el lado más oscuro de Nina…

Opinión:

Calificado de thriller psicológico, ‘Cisne negro’ atrapa al espectador desde el fotograma 0, guiándole por una historia de sacrificios y rivalidades cargada de tensión, escenas de gran belleza y la maravillosa música de Tchaikovsky adaptada para la ocasión por Clint Mansell, quien crea una melodía mucho más oscura que la original. Desde esa primera escena en la que Nina sueña que algo perverso la persigue, seguimos la película en un estado de alerta continua, fijándonos en todos los detalles, reflejos y miradas, esperando ver cómo la frágil personalidad de la bailarina empieza a resquebrajarse.

Porque el ballet que nos transmite Darren Aronofsky en ‘Cisne negro’ es un mundo donde sólo sobrevive el más fuerte, y desde ese primer instante percibimos que Nina no lo es. Es un ballet donde el reloj no perdona, las envidias y las ambiciones no dejan espacio para la amistad y el trabajo duro requiere dejar a un lado todo lo demás. Sin embargo, a pesar de su crudeza, Aronofsky logra transmitirnos también toda la belleza del ballet, con numerosas escenas de baile que culminan en un último número musical que, por su significado en la trama y puesta en escena, resulta asombroso.

Así, la hábil mezcla de suspense y danza, aderezada con un toque de erotismo, y contada a un ritmo que nunca decae, conforma una película atrevida, envolvente y de obligado segundo visionado.

‘Cisne negro’ es una gran película, un filme que, por sus características, podemos considerar ya de culto; pero es también la consagración definitiva de Natalie Portman. En realidad, la actriz lleva años demostrando que no es sólo una cara bonita -’Closer’, en 2004, le reportó numerosos premios-, pero nunca hasta ahora su actuación nos había impactado tanto. Frágil y atormentada como el Cisne Blanco está perfecta, pero es que sensual y peligrosa como el Cisne Negro también, tanto, incluso, que en realidad parecen dos personas distintas. La actriz desprende tanta energía como Nina que eclipsa, sin poder evitarlo, al resto del reparto, que no desmerece halagos: Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey y Winona Ryder, eficientes en sus roles.

Nota: 9 / 10

Para recordar:

- La espléndida actuación de Natalie Portman: será recordada durante años.

- La espectacular entrada en escena del Cisne Negro -el vídeo sólo muestra una parte..-.

- El diseño de vestuario, a cargo de Amy Westcott.

- La continua presencia de reflejos en el filme, que consigue mantener la tensión en niveles altísimos durante todo el metraje.

Para olvidar:

- Que la trama del Lago de los Cisnes nos arruine el final de la película.

- Que una de las piezas claves del argumento sea el parecido físico entre Nina y Lily cuando en lo único en que se asemejan Natalie Portman y Mila Kunis es en el color del pelo -otra historia bien distinta es el parecido que sí existe entre Portman  y Winona Ryder-.

Diez nominaciones a los Oscar y la alta consideración que el mundo del cine tiene de los hermanos Coen, guionistas y directores de ‘Valor de Ley‘, han hecho de esta película uno de los filmes más laureados de lo que va de año. En mi opinión, también uno de los más sobrevalorados. La revisión del western que en 1969 le valió su único Oscar a John Wayne, y que también se llamaba ‘Valor de ley‘, es una película entretenida, con buenas interpretaciones y una ambientación espectacular, pero que ni de lejos llega a la calidad de otras cintas de los Coen como ‘Fargo’ o la más reciente ‘No es país para viejos’.

De qué va:

El padre de Mattie Ross (Hailee Steinfeld), de catorce años de edad, ha muerto a causa de un disparo del cobarde Tom Chaney (Josh Brolin), y ella está decidida a llevarlo ante la justicia. Con la ayuda de un borracho de gatillo fácil, el alguacil Rooster Cogburn (Jeff Bridges), y la inesperada compañía del Texas Ranger LeBoeuf (Matt Damon), Mattie sale en su búsqueda para que Chaney reciba su merecido.

Opinión:

He de confesar que nunca he sido aficionada al género del western, por lo que quizás existan ciertos aspectos de ‘Valor de ley’ que no sepa apreciar como otros que tengan más experiencia en este tipo de películas. De hecho, si eso fuera cierto, explicaría, en parte, las buenas críticas que está recibiendo un filme que considero irregular, tremendamente previsible y en ocasiones hasta aburrido.

La historia arranca bien, con esa preciosa imagen del padre de la protagonista tirado en el suelo mientras la nieve cae sobre su cuerpo; continúa con interés, cuando Mattie Ross comienza sus negociaciones para capturar al asesino de su progenitor; pero pronto la trama echa el freno y nos aburre con juicios interminables y situaciones un tanto absurdas (el cruce del río, el encuentro con el médico…). Cierto es que a Joel y Ethan Coen le gustan las historias pausadas -a mí también-, pero en el caso de ‘Valor de ley’ no han encontrado el ritmo adecuado. Al final, cuando la historia alcanza su desenlace, éste nos pilla tan desprevenidos y se produce tan rápido, que pensamos: ¿ya está?

A esa sensación última de decepción contribuye el hecho de que ‘Valor de ley’ cuenta dos historias que ya hemos visto muchísimas veces: la del mentor/cuidador que rehúye a la persona que está a su cargo hasta que le toma cariño; y la del pariente que busca venganza torpemente y acaba en apuros. Así, lo único que nos sorprende de la película son sus diálogos y sus personajes.

Hailee Steinfeld fue la elegida de entre 5.000 aspirantes para encarnar a la decidida Mattie Ross, el verdadero pilar del filme, y, vista la película, fue una decisión acertada. Esta joven actriz de 14 años, nominada al Oscar por su papel, dota a su personaje de una fiereza y una determinación que se comen la pantalla, aunque su registro de emociones es escaso. A su lado, Jeff Bridges vuelve a estar inmenso, esta vez en la piel del alcohólico y sorprendente Rooster Cogburn, a quien concede numerosos matices. El tercero en discordia es Matt Damon, que, aunque con más esfuerzo que el resto, también hace creíble su personaje.

Así, las geniales actuaciones del trío protagonista, la espectacular ambientación del lejano Oeste, la fotografía de Roger Deakins y los momentos de humor marca de la casa hacen de ‘Valor de ley’ un filme entretenido y con imágenes de gran belleza, pero de ahí a obra maestra…

Nota: 6 / 10

Para recordar:

- La determinación y valentía de Mattie Ross, que hacen de ella un personaje que debería mencionarse en cualquier recordatorio de lo mejor del western.

Para olvidar:

- Su previsibilidad.

- Lo defraudante que resulta el personaje y la interpretación de Josh Brolin, sobre todo después de su genial Llewelyn Moss en ‘No es país para viejos’.

- El final de la película: insulso.

‘127 horas‘ cuenta una historia real de supervivencia dura y atractiva, pero, aún así, difícil de trasladar a la gran pantalla. Que un montañero pase cinco días atrapado en una grieta sin apenas poder moverse parece no dar para mucho, salvo, por supuesto, el momento de la liberación, pero una sola escena no puede sostener una película entera… Sin embargo, si al frente del proyecto se sitúa Danny Boyle, director de ‘Transpotting’, ’28 días después’ o ‘Slumdog Millionaire’, las 127 horas que vivió Aron Ralston en aquel cañón dan para crear un intenso drama enormemente visual que no deja indiferente.

De qué va:

En el año 2003, el montañero de 26 años Aron Ralston se va de escalada a un alejado paraje de Utah, donde sufre un terrible accidente: su brazo derecho queda atrapado bajo una roca en la estrecha grieta de un cañón. Con escasa comida y poca agua, Aron logra sobrevivir durante 5 días, 127 horas, en ese recóndito lugar, donde reflexionará sobre su vida y lo que ha dejado atrás.

Opinión:

La capacidad de Danny Boyle para contar más allá de las imágenes que vemos y los diálogos que escuchamos es, sencillamente, impresionante. Los planos que utiliza, el montaje a ritmos diferentes, la banda sonora presente en prácticamente todos los minutos del filme… todo ello convierten la sorprendente vivencia de Aron Ralston en mucho más que una historia de superación. ’127 horas’ es una película dramática, con un actor que se deja la piel en su personaje; pero también es un filme de acción, con sus momentos de intriga y mucha tensión; ademá, habla del amor y la familia e incorpora acertadas escenas cómicas que aligeran el tono de la película para hacerla, si cabe, aún más entretenida. De sus 94 minutos de duración, ni uno solo sobra.

Asimismo, desde el contraste entre la alborotada vida en la ciudad y el carácter solitario de Aron que muestran los primeros fotogramas hasta la emotiva escena del rescate, la película es un baile de imágenes de gran belleza. Aun sin diálogos, el filme podría disfrutarse igual.

Pero, por muy llamativa que sea la puesta en escena de ’127 horas’, de no ser por la genial actuación de James Franco hoy no hablaríamos de una gran película. El actor soporta todo el peso de la cinta, y su buen hacer nos deja escenas inolvidables como la imaginada entrevista radiofónica. Su nominación al Oscar es más que merecida, y también agradecida, ya que hasta ahora no habíamos tenido la oportunidad de descubrir su talento ante la cámara.

Por James Franco, Danny Boyle y el compositor A. R. Rahman -el de ‘Slumdog Millionaire’-, debes ver ’127 horas’.

Nota: 9 / 10

Para recordar:

- El descubrimiento del grandísimo actor que es James Franco -en la escena de la ‘entrevista’ resulta brillante-.

- La escena de la ‘liberación’: frenética y tremendamente sugestiva -el sonido de los nervios cortándose es espectacular-, logra transmitir toda la fuerza de ese momento decisivo sin caer en el morbo.

- La banda sonora de A. R. Rahman, en especial la música que suena al principio del filme y la canción nominada al Oscar ‘If I rise’, interpretada por Dido.

Para olvidar:

- Que en la posproducción se hayan pasado por alto detalles como la cámara de fotos que se encuadra a sí misma o el brazo que aparece y desaparece en la piscina.

Con el cine de animación de factorías como Pixar o Dreamworks pisando fuerte, los clásicos de Walt Disney tenían que reiventarse si querían hacerse un hueco en la taquilla, más después del fracaso de ‘Tiana y el sapo’. Por eso decidieron que su próxima película se lanzara en 3D y llevara por título una palabra que atrajera también a los espectadores que no creen en cuentos de hadas, algo así como ‘Enredados‘ -en principio iba a llamarse ‘Rapunzel’-. Además, debía mezclar los clichés tradicionales del género -brujas, reinos, la importancia de la familia- con grandes dosis de humor, acción y una pizca de intriga, para que todos, niños y mayores, disfrutáramos de la película. Como resultado, Disney crearía un filme de héroes y princesas fiel al estilo de clásicos como ‘La Bella y la Bestia’ pero que al mismo tiempo recordaría a ‘Shrek’. Pues bien, ‘Enredados’ es eso y algo más.

De qué va:

Rapunzel ha vivido toda su vida encerrada en una torre para proteger su mágico cabello, que tiene el poder de sanar. Lo que ella no sabe es que, en realidad, su supuesta madre la secuestró cuando era un bebé y desde entonces la mantiene recluida para aprovecharse de su don. Pero Razpunzel quiere conocer el mundo exterior, y la oportunidad le llegará cuando Flynn Rider, un astuto ladrón, se esconda en su torre.

Opinión:

‘Enredados’ es la apuesta de Walt Disney por el nuevo cine de animación -en 3D, con historias modernas y mucho humor- y al mismo tiempo una de las mejores películas que ha creado en los últimos años. La historia de Rapunzel y Flynn -el bandido goza de tanto protagonismo como la princesa- es ágil, divertida y muy emotiva. Lo bien desarrollados que están los personajes y los ingeniosos diálogos -como siempre, recomiendo la versión original- tienen la culpa, pero también ayuda, y mucho, el increíble trabajo de los animadores.

Quienes la vean en tres dimensiones, disfrutarán como niños con escenas como la de las lámparas; el resto, no dejaremos de sorprendernos cuando la ira de los personajes se perciba también en el color de su tez.

Salvando los momentos musicales ‘marca de la casa’ -la canción ‘I see the light‘ ha recibido una nominación al Oscar-, que ralentizan innecesariamente el ritmo de la trama y ni siquiera aportan emotividad, y una ligera sensación de “falta algo”, ‘Enredados’ resulta inolvidable de principio a fin.

Nota: 7 / 10

Para recordar:

- Los diálogos entre Rapunzel y su madre, que reflejan con acierto la eterna lucha entre la protección de los padres y la rebeldía de los hijos.
- Los caracteres difíciles del caballo y el camaleón, que hacen de sus personajes unos auténticos ‘robaplanos’.
- La química de la pareja protagonista, más digna de elogios por tratarse de dibujos.
- Flynn en tres escenas: ante sus retratos, cuando descubre el secreto de Rapunzel y mientras los clientes de la taberna confiesan cantando sus sueños.

Para olvidar:

- Que algunos de los momentos más divertidos del tráiler se hayan quedado en el tráiler.
- Lo edulcorado y conservador que resulta el retrato de los padres de Rapunzel.

Cada año por estas fechas, es decir, en temporada de premios, suele estrenarse alguna película de corte clásico con aires de melodrama y, a ser posible, basada en hechos reales, que acaba colándose entre las más galardonadas. El turno del 2011 ha sido de ‘El discurso del Rey‘, que relata cómo el rey británico Jorge VI lidió con su tartamudez en época de guerra, y que ha supuesto -y sigue haciéndolo- un sinfín de galardones para Colin Firth, quien interpreta al monarca. Ese éxito, unido a la historia de superación personal que cuenta, ha elevado mucho las expectativas, y, por ese motivo, hoy no puedo evitar sentirme un poco decepcionada.

De qué va:

Cuando el rey Jorge V muere y su heredero, Eduardo VIII, abdica, el hasta entonces duque de York se convierte en monarca del Reino Unido. Pero Jorge VI cuenta con un problema para ejercer como la voz del pueblo: tartamudea. Por eso buscará ayuda en el poco ortodoxo logopeda Lionel Logue, con quien aprenderá a vencer su problema justo cuando más lo necesita, ante el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Opinión:

No me entendáis mal, ‘El discurso del Rey’ es una buena película. El suceso histórico que cuenta -la tartamudez de un rey y cómo luchó contra ella- tiene interés, los actores que le dan vida ejecutan unas interpretaciones casi impecables, la ambientación del Londres años 30 es sensacional y la dirección de Tom Hooper maravillosa, pero a ‘El discurso del Rey’ le falta profundidad para alcanzar el estatus de ‘obra maestra’.

Por un lado, la trama se centra en la dificultad de Jorge VI para hablar en público y pasa de soslayo por otros temas como la rigidez de la monarquía británica, la diferencia de clases o la tensión previa al conflicto bélico, cuando es precisamente ese contexto el que da fuerza a la historia del rey tartamudo. También menosprecia un poco la amistad entre el monarca y su logopeda, ya que, aunque vemos cómo madura su relación, únicamente lo hacemos desde el punto de vista del primero, con lo que el personaje de Geoffrey Rush -espléndido- queda un poco desdibujado.

Sin embargo, la mezcla de géneros que aborda ‘El discurso del Rey’, con fragmentos propios de la comedia, el drama familiar o incluso el thriller político, hacen de esta película un filme recomendable para prácticamente cualquiera. A ratos divertida, a ratos triste, pero siempre muy emotiva, ‘El discurso del Rey’ utiliza uno de esos fragmentos de historia que cuesta creer que no hayan saltado antes al cine -al parecer, la Reina Madre lo impidió- para crear un filme de época elegante y sin fisuras -y original en su ejecución, gracias a los encuadres y las maniobras de Tom Hopper-.

En cuanto al reparto, el factor inolvidable de ‘El discurso del Rey’, ¿quién no sabe ya que Colin Firth es el actor del año por su papel del rey Jorge VI? El británico imita a la perfección el habla del monarca, con esas pausas forzadas que nos hacen sufrir, y expresa con maestría la lucha interna que vive su personaje entre hacer lo correcto y el miedo a hablar en público. Sin embargo, es difícil empatizar con él, aunque ello quizás se deba más al mal genio y la rectitud de su personaje que al trabajo del actor.

Geoffrey Rush y su Lionel Logue son otra historia. Lástima que el guión no profundice más en su personaje, porque el australiano logra hacerse con el protagonismo de la mayoría de las escenas en las que aparece, incluso las que comparte con Colin Firth. Helena Bonham Carter también brilla como la paciente y recta reina consorte, pero no es éste el mejor papel de la actriz. El resto de secundarios -Guy Pierce, Michael Gambon, Timothy Spall, Derek Jacobi, Jennifer Ehle…- completan un brillante reparto que se ha hecho con un merecidísimo galardón del Sindicato de Actores al mejor equipo actoral.

Nota: 7 / 10

Para recordar:

- Cómo los rebuscados planos y el montaje de ciertas escenas -la terapia- convierten a ‘El discurso del Rey’ en una película de época distinta a las habituales. Muy merecida la nominación de Tom Hooper al Oscar al Mejor Director.
- Que ‘El discurso del Rey’ haya supuesto el definitivo reconocimiento de Colin Firth como un grandísimo actor.
- Lo bien que le sientan a Geoffrey Rush los personajes un tanto estrambóticos.
- La banda sonora de Alexandre Desplat: nostálgica y divertida al mismo tiempo.

Para olvidar:

- Que la película prácticamente se resuma en el tráiler.

Una curiosidad:

Colin Firth saltó a la fama por su papel de Mr. Darcy en la teleserie ‘Orgullo y Prejuicio‘, donde a Elizabeth Bennet, su enamorada, la interpretaba Jennifer Ehle, quien aquí da vida a la mujer de Lionel Logue. Éste ha sido su reencuentro quince años después.

Nunca el título de una película engañó tanto. La sinopsis oficial de ‘Monsters‘ habla de un hombre y una mujer que deben cruzar la peligrosa zona donde habitan las criaturas que llegaron de otro planeta seis años atrás. Sin embargo, a diferencia de lo que el espectador puede esperar, aquí los mostruos y las escenas de terror brillan precisamente por su ausencia. No sé dónde leí que ‘Monsters’ era como si ‘Lost in translation’ ocurriera en el escenario de ‘Godzilla’,y, sinceramente, no encuentro mejor forma de definirla. La ópera prima de Gareth Edwards es una película de ciencia-ficción, sí, pero a la vez intimista, pausada, que habla del viaje a casa de dos personas que en realidad no quieren regresar.

De qué va:

Hace seis años, una sonda de la NASA que contenía muestras de vida extraterrestre se estrelló en México en su viaje de regreso. Hoy, los ejércitos mexicano y estadounidense intentan contener la criaturas en la conocida como ‘zona infectada’. En ese contexto, un hastiado periodista estadounidense (Scoot McNairy) acepta de mala gana escoltar a la hija de su jefe (Whitney Able) a través de la zona infectada de vuelta a Estados Unidos.

Opinión:

Que ‘Monsters’ muestre las temidas criaturas del título sólo de refilón y se centre en la historia romántica de sus protagonistas ha generado sentimientos encontrados. Muchos de los que eligieron ver esta película con la esperanza de descubrir una nueva ‘Distrito 9′ salieron desencantados, y, para qué negarlo, aburridos. Otros encontraron en ‘Monsters’ una emocionante historia que les llegó al corazón. En mi caso, fueron un poco ambas cosas.

Por un lado, no pude evitar una cierta decepción cuando noté que las escenas de tensión/terror tardaban en llegar y más aún cuando comprendí que nunca lo harían. Me había sentado a ver ‘Monsters’ dispuesta a dejarme sorprender y asustar, y, en lugar de eso, me sobrevenía algún que otro bostezo. Al mismo tiempo, no obstante, la sencillez, ternura y elegancia con que Gareth Edwards nos cuenta el viaje de Kaulder y Sam, y los vínculos que van creando entre ellos, me gustó, y sé que, en otras circunstancias, me hubiera emocionado.

El problema es que, cuando esperas un filme de ciencia-ficción con buen manejo del suspense y espectaculares efectos especiales, el encontrarte con una historia romántica, por bien contada que esté, no evita la decepción.

Dejando a un lado el carácter imprevisto del argumento de ‘Monsters’, lo cierto es que no extraña que la película de Gareth Edwards triunfara en los premios al cine independiente británico (se llevó galardón a la mejor película, director y efectos visuales). Aparte de un buen guión, mucho simbolismo y un impecable trabajo por parte de sus dos actores, el filme presenta una ambientación extraordinaria, con todo esos detalles propios de un país devastado por la guerra, una banda sonora conmovedora y unos efectos, los pocos que hay, que cuesta creer que su director los realizara desde su portátil (y que fueron premiados en Sitges).

Si no fuera por la sensación de insatisfacción que deja su decepcionante escena final y por la inexplicable indiferencia con que sus protagonistas se enfrentan al peligro -ahí perdemos la empatía-, ‘Monsters’ figuraría hoy en mi lista personal de las mejores películas de ciencia-ficción que he visto.

Nota: 6/ 7

Para recordar:

- Que detrás de una película de esta calidad figure una única persona como guionista, realizador, director de fotografía y creador de los efectos especiales: Gareth Edwards.
- El simbolismo de ese enorme muro que les separa de su casa: como si volver al hogar significara entrar en una cárcel.
- La banda sonora de Jon Hopkins, mezclada con la fotografía de Gareth Edwards, y unida a todas esas escenas de destrucción y superviviencia. Da qué pensar.

Para olvidar:

- Que la intriga por conocer el aspecto de las criaturas desaparezca en el segundo minuto de la película.
- La última secuencia: qué clímax más poco climático.

Que Ben Affleck es uno de los directores más prometedores en Estados Unidos se ha confirmado con su segunda película, ‘The town‘. Esta historia de policías y ladrones ambientada en Boston demuestra, una vez más, su habilidad detrás de las cámaras, pero también pone en entredicho sus dotes actorales, más cuando se trata de interpretar al personaje central de la trama. Y ése es precisamente el escollo que aleja a ‘The town’ de convertirse en una gran película -aunque la Asociación de Críticos de Cine y Televisión la haya elegido como una de las 10 mejores del 2010-: la incapacidad de Affleck de suscitarnos emoción alguna.

De qué va:

En el barrio de Charlestown en Boston, de donde han salido más ladrones de bancos que de ningún otro lugar de Estados Unidos, Doug McRay (Affleck) y su amigo de la infancia Jem (Jeremy Renner) lideran una banda experta en atracar de manera limpia bancos y furgones de dinero. En uno de esos asaltos, Jem toma como rehén a Claire (Rebecca Hall), y, temeroso de que la joven haya visto algo que pueda delatarles, decide espiarla, pero Doug se le adelanta, iniciando sin pretenderlo una relación romántica que le llevará a plantearse un cambio de vida.

Opinión:

A pesar de que los mejores momentos que nos depara ‘The town’ son las tres grandes escenas de acción que articulan la película, éstas son simples excusas para desarrollar el personaje de Doug, un hombre aparentemente pacífico que ve cómo su familia, amigos y el entorno que le ha visto crecer le han empujado inevitablemente hacia una vida al margen de la ley que él siente que no le corresponde. Un ladrón de bancos atormentado que encuentra en Claire, su rehén, la energía para empezar de nuevo. Un personaje así, sobre el que recae la fuerza dramática del filme, merecía un actor que irradiara carisma. Sin embargo, Affleck decidió reservarse para sí mismo tan preciado personaje… Y ahí es donde la fuerza del filme se evaporó.

Porque Doug aparece en pantalla la mayor parte del metraje, restando así efectividad al gran trabajo que desempeñan el resto de los actores, sobre todo Jeremy Renner, con quien comparte muchas de sus escenas. No es que Ben Affleck sea un mal actor -tiene hasta su propia Copa Volpi de Venecia, por ‘Hollywoodland‘-, pero su capacidad de impactar al espectador dista mucho de lo que otros podrían lograr. Para colmo, Rebecca Hall, uno de los personajes clave de la historia, se muestra mucho más contenida que de costumbre, no llegando a transmitirnos nada. Así, la relación amorosa entre Doug y Claire pierde chispa, ternura y, sobre todo, credibilidad.

Aquí hay que señalar que filmar situaciones románticas no es el punto fuerte de Ben Affleck -la música tampoco ayuda-. Sí lo son, en cambio, las secuencias de acción. Rápidas, equilibradas y elegantes, las persecuciones y atracos de ‘The Town’ despejan enseguida el aburrimiento que empezábamos a experimentar y nos hacen soñar con un clímax intenso que finalmente tampoco satisface las expectativas.

Esas pocas secuencias, unidas a la carisma que desprende el personaje de Jeremy Renner -el nuevo ‘chico malo’ de moda-, y, en menor grado, los de los televisivos Jon Hamm -’Mad men’- y Blake Lively -’Gossip girl’-, influyen en que nuestra sensación última no sean tan mala. Al final, en conjunto, ‘The Town’ es un interesante thriller dramático que puede enamorar o decepcionar por igual; todo depende de en qué centres tu atención.

Nota: 6 / 10

Para recordar:

- Lo bien que le sienta a Jeremy Renner su papel de desquiciado amigo fiel y a Jon Hamm el de policía cabreado.
- La belleza y elegancia con que ‘The Town’ retrata Boston.

Para olvidar:

- La sensación de déjà vu constante que experimentamos cuando vemos ‘The Town’. En mi caso, títulos como ‘Heat’, ‘El mito de Bourne’, ‘El caballero oscuro’ u ‘Ocean’s Eleven’ son algunos a los que me ha recordado.

Una curiosidad:

- Según Imdb, el metraje original de ‘The Town’ era de unas cuatro horas, de las que se hicieron varios recortes hasta eliminar la mitad -aún así, se hace larga-. Si os fijáis en el tráiler, pueden verse bastantes escenas que no aparecen en la versión que ha llegado a los cines.

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Sin embargo, a lo largo de la semana del Festival de Gijón sí pude disfrutar de dos de las otras cintas galardonadas: la estadounidense ‘Blue Valentine’, premiada por el Jurado Joven, ex aequo con ‘Todos vós sodes capitáns’, del español Oliver Laxe; y la austriaca ‘The Robber’, que se hizo con el premio al mejor guión para Benjamin Heisenberg y Martin Prinz.

‘Blue Valentine‘, dirigida por Derek Cianfrance, se centra en la crisis de pareja de un joven matrimonio, al que dan vida unos geniales Ryan Gosling y Michelle Williams -ya se habla de nominaciones al Oscar-. La película, que narra su historia de amor mediante saltos temporales, mezcla drama y romanticismo a partes iguales, logrando que pasemos de las lágrimas a la sonrisa cómplice en cuestión de segundos. No obstante, si hubiera que decantarse por un género, ‘Blue Valentine’ es, sobre todo, drama. Es un filme crudo, en ocasiones hasta violento, que echa por tierra los sueños y anhelos de sus protagonistas y recuerda al espectador lo dura e injusta que a veces puede ser la vida. Una película intimista y desgarradora en la que la interpretación de Gosling y Williams resulta sencillamente magistral, y en la que la música, los diálogos y también la sensación de misterio que encierra la narración, ayudan a hacer de ‘Blue Valentine’ un título más que recomendable. Eso sí, no apto para corazones demasiado sensibles.

‘The Robber‘, dirigida por Benjamin Heisenberg, cuenta la historia verdadera de Johann Kastenberger -en el filme, Johann Rettenberger-, un aclamado atleta que se valía de sus habilidades como corredor para atracar bancos. El argumento es de por sí interesante, pero el filme, a diferencia de lo que podemos intuir, huye de las motivaciones de sus personajes para centrarse en algo más físico: la carrera. Buena parte de ‘The robber’ nos muestra a su protagonista huyendo de las fuerzas de seguridad: por calles, montañas, autopistas… Cuando parece que todo está perdido, él encuentra un nuevo hueco por donde escapar, perpetuando así una carrera que en realidad no lleva a ningún sitio; se trata de una huida por el mero placer de huir. La dirección de Heisenberg y la música juegan un papel esencial en esta persecución, una secuencia que por sí sola supone una muy buena razón para ver ‘The robber’.

Ahora sólo falta esperar a que estos títulos lleguen a la cartelera, a que el Festival Internacional de Cine de Gijón celebre una nueva edición y a que, entonces sí, pueda disfrutarla de principio a fin.