BLANCANIEVES BAILA CHARLESTÓN

Una muchacha canta los titulares de prensa recorriendo el patio de butacas del Teatro Calderón el pasado día 9 de diciembre en la primera de las cinco funciones del musical BLANCANIEVES BOULEVARD: ¡Extra, extra!… La dulce Blancanieves, Bianca Milton (Ana San Martín), consigue zafarse de su malvada tía, Bárbara Milton (Miriam Madrid), poco antes de proclamarse el esperado final: fue feliz y comió perdices junto a su amado, el joven periodista de The Mirror, Marcus Sleuth.

Son los años 20 y los periódicos son arte y parte de un caso de intrigas en torno a la desaparición de una joven promesa de los escenarios. La diva Bárbara Milton ordena eliminarla porque teme que el talento de su joven sobrina, casualmente descubierta por un crítico musical, haga sombra a su hasta ahora incontestable fama. Pero la adolescente Milton es salvada por una banda de… ¿gánsteres?… que resultan ser un grupo de siete músicos y bailarines liderada por el ‘enanito-cantante’ Lónegan. La banda se gana la vida en el Boulevard, un local de los suburbios de una ciudad americana a principios del siglo XX.

No se descubre nada desvelando el final de un cuento tan interiorizado por niños y mayores porque este original musical de Javier Muñoz le da la vuelta al relato hasta hacer poco reconocible su versión tradicional. Con ello mantiene el interés hasta el final y acaba por conquistar a un público familiar: ritmo intenso y sostenido, hilo argumental elaborado, grandes voces, trabajadas coreografías y diecisiete composiciones musicales (originales) que enganchan. Un resultado visual de notable: proyecciones, buenos juegos de luz y ocho cambios de escenarios algo desiguales (el más vistoso, el que recrea el Boulevard)

Vestuario de los locos años 20, guiños a la actualidad, toques de humor y mezcla arriesgada de estilos musicales y bailes: charlestón, jazz-blues, rock, pop, funky, capoeira, break dance… Por partes:

A tener en cuenta
Aunque sí tiene varios niveles de lectura y algún “momento Disney” atrayente no es un musical para niños demasiado pequeños. Quizás la inspiración en el cuento de Blancanieves no es suficiente para atraer la atención de los de menor edad.

Cuestiones de trasfondo
El papel de la prensa en un momento histórico en que los diarios como medios de comunicación de masas alzaban el vuelo. No se llega a profundización en asuntos de fondo de una década que da mucho de sí, pero se saca partido a la inspiración en la estética de los 20. Confrontación del mundo glamuroso del artisteo azuzado por los papeles frente a círculos alternativos invisibles: “La gente tiene derecho a saber qué estrellas hay en la parte sur de la ciudad”. Respeto a los valores de siempre: el amor, la amistad, la honestidad… triunfan sobre la ambición desmedida y la mentira.

Más puntos fuertes
El buen nivel de interpretación en general y el de Miriam Madrid y Jacobo Muñoz (el brujo loco Melk) en particular. La banda del Boulevard tocando en directo, con un par de duelos de guitarras incluidos bastante destacables. Importante esfuerzo de producción y esmerada dirección artística.

Reconocido con cinco galardones en los Premios de Teatro Musical 2010 y 11 nominaciones en los Max, es un espectáculo recomendable; divertido y constructivo, para toda la familia.

Espectáculo: BLANCANIEVES BOULEVARD (Jana Producciones)
Dirección: Javier Muñoz
Dirección musical: Augusto J. Algueró y Javier Muñoz
Dirección artística: Rol Zaparaín
Coreografía: Inma Sáenz
Lugar: Teatro Calderón (Valladolid)
Día: 9 de diciembre de 2011

INYECCIÓN DE TEATRO Y VIDA

26 de noviembre de 2011. El LAVA acogía LA FUNCIÓN POR HACER, de Kamikaze Producciones. 20:40 horas. Las puertas se cierran. La función acaba de comenzar, ¿o no?

Ser o no ser –rescata a Hamlet Israel Elejalde, que hace de ‘hermano mayor’–, vivir o morir, abandonarse al sueño o mantener los ojos bien abiertos, aunque duela, porque el mundo que viene será de los valientes, de aquellos que supieron ser, precisamente. Y ser es llorar cuando hace falta, seguir caminando pese a los tropiezos, con la mirada al frente. Convivir amigablemente con el miedo, que no está reñido con la valentía. Ser es aguantar, sabiendo que, superado el trayecto, seremos más fuertes.

Todo esto concentra el trabajo de los chicos de LA FUNCIÓN POR HACER: el que se ve en escena (extraordinaria interpretación, intensidad, emoción, reflexión, pasión) y el que no se ve pero arrastra muchas horas de desvelos. No sé si es esperanzador o todo lo contrario, descubrir que hay tanta vida entre los escombros del panorama teatral desolador que la maldita crisis se ha empeñado en dibujar. Poco se puede decir de este montaje sin reventárselo a quienes aún no lo hayan visto (lleva casi dos años de gira, así que deberían ser muy pocos…) o no conozcan ‘Seis personajes en busca de autor’, de Luigi Pirandello, obra en la que se basa la versión de Miguel del Arco y Aitor Tejada. Esta libre adaptación del que ha sido director revelación de la temporada ahonda en las cuestiones más profundas del significado del arte, de la relación entre ética y estética en la experiencia teatral y de la eternidad de las creaciones que sobreviven a sus autores y cobran autonomía fuera de sus mentes para ponerse al servicio de quienes las devoran, los lectores-espectadores.

El sábado la cuarta pared y las otras eran una. Se derrumbaron, sin concesiones. Literalmente. Excelente espacio para esta obra el del LAVA con sus dos secciones enfrentadas abiertas. En realidad no les hubiera hecho falta ningún tipo de escenario a los actores. El escenario era el patio de butacas, y viceversa. La función podría haber tenido la misma fuerza en cualquier otro espacio porque LA FUNCIÓN POR HACER es teatro del que no necesita atrezo. Del de verdad. No ofrece respuestas, suscita preguntas; hace reír y llorar al tiempo; suelta los lastres arrastrados al entrar al teatro, los aplasta, los machaca bien fino en imperceptible polvo, hasta dejar el aire limpio.

Sirvan estas líneas como alegato universal en contra de la desesperación; no solo al equipo de LA FUNCIÓN POR HACER. A todos los ‘teatreros’ del mundo: cuando la certidumbre habite los estudios de los artistas, las salas de ensayo o los escenarios… el arte habrá muerto. No es suficiente que una insignificante voz os grite, desde aquí y desde otros muchos huecos de letras, que no os rindáis. No es consuelo el habitual suspiro compartido: el teatro siempre ha estado en crisis. No lo es porque las malas noticias llueven y duelen. Y la ilusión no alimenta. Pero a veces las palabras sanan y la unidad de unos pocos es fortaleza. Como dice un proverbio africano proclamado a raíz de las ‘movilizaciones indignadas’: “Mucha gente pequeña, en lugares pequeños, haciendo pequeñas cosas, puede cambiar el mundo”.

Espectáculo: LA FUNCIÓN POR HACER (Kamikaze Producciones)
Dirección: Miguel del Arco
Interpretación: Israel Elejalde, Bárbara Lennie, Miriam Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto, Cristóbal Suárez
Lugar y día: Sala Concha Velasco (LAVA), 26 de noviembre de 2011

El LAVA, bien nutrido de espectadores en su sala grande, fue escenario el pasado sábado 19 de noviembre del último montaje de Laví e Bel: 90 minutos de teatro fueron 90 años de historia, porque la historia de LA BARRACA DEL ZURDO es la de todos nosotros, inscrita en un convulso siglo XX que ha dado paso a un principio del XXI aún más frenético. Daniel Buenaventura, hijo de una granadina y un anarquista asturiano, quiso entregar su vida al mundo del espectáculo y montó una compañía familiar que arrancó el 8 de octubre de 1920. Sus descendientes la mantienen viva, gran hazaña en el tiempo del culto a lo efímero, que los chicos de Laví e Bel (Cabaret Líquido, Max al Mejor Espectáculo Musical en 2008) pasean desde 2010 por todos los escenarios de España.

Lo cierto es que los actores Piñaki Gómez, Larisa Ramos, Nerea Cordero y Antonio Ramos (bajo la varita de dirección de Emilio Goyanes) son en la obra Miguel, Nina, Edith y Daniel, los nietos de “El zurdo”, el lanzador de cuchillos que lanzará sus puñales sobre el pecho destrozado del siglo XX, sobre las venas abiertas de América Latina, sobre la vieja y salvaje Europa, destruida y reconstruida una y mil veces. Y es que LA BARRACA DEL ZURDO es un viaje en el tiempo a través del peregrinar de la compañía que conoce el éxito en España durante la República pero que ha de salir del país tras el estallido de nuestra Guerra Civil y vaga por América Latina y Europa durante décadas.

Su periplo se relata frente a la entrada de la Barraca, aderezada con luces y fotos de la familia, mediante un cóctel de conceptos y lenguajes sabiamente agitado. Viven los años de éxito durantes las Misiones Pedagógicas, las actuaciones clandestinas con la victoria de los nacionales, la huida a Argentina, la gira por Europa durante la Guerra Fría, siempre con la mente puesta en España, al otro lado de la cicatriz con la memoria destrozada, Los Pirineos, que no cruzaron hasta finales del siglo XX: Kilómetros y kilómetros sin piel, siempre mirando al sur. Kilómetros que recorrieron con un grito de guerra tatuado en las entrañas: resistencia, resistencia, resistencia… reza el leit motiv de la obra anidado en sus canciones. El recorrido se dibuja en forma de números de variedades, cabaret, mimo, clown… Una obra más para ver y sentir que para describir.

La música en directo, por Alejandro Cruz, ambienta cada época (del cabaret de los 30, pasando por el tango o los ritmos más españoles) y comulga con el juego de luz y sonido, que son un personaje más de la obra para subrayar un trabajo actoral arduo. Los cuatro actores interpretan hasta 37 personajes diferentes. No existe el tiempo ni la identificación de cada actor con su papel de forma lineal: conviven pasado y presente (también en el vestuario: siniestro, cabaretero, futurista), vivos y muertos, padres e hijos, familiares, allegados, secundarios, figurantes… todos los personajes son ellos, a veces de forma simultánea en un ejercicio de desdoblamiento (curiosa la declaración de amor de Daniel a Aurora que interpretan, dos y dos, los cuatro actores a la vez) que supone gran dificultad interpretativa acentuada por la necesidad de coordinar también canto y coreografía.

Como decía, un siglo de historia concentrada en la memoria de una familia luchadora con la que el espectador se siente identificado a la salida del teatro (intensísimos y prolongados aplausos el sábado) porque encuentra en ella valores siempre ansiados: el amor incondicional más allá de la muerte, el apoyo familiar, la perseverancia de luchar por lo que se cree, la ilusión de conseguir aquello que se persigue aun al final de la vida.

Resistencia, resistencia, resistencia. Muy con los tiempos. En palabras de su director: una resistencia alegre, jodida e inamovible justo en este momento en que la apisonadora de esta crisis fabricada a la medida del sistema nos pasa por encima. Esa apisonadora nos deja planos como una página en blanco sobre la que escribir nuestro futuro.

Compañía y obra: Laví e Bel, LA BARRACA DEL ZURDO
Guion y dirección: Emilio Goyanes
Interpretación: Piñaki Gómez, Larisa Ramos, Nerea Cordero, Antonio Ramos Leiva
Músico en directo: Alejandro Cruz Benavides
Lugar: LAVA, Laboratorio de las Artes (Valladolid)
Función: Sábado, 19 de noviembre

Los buenos vinos, cuando acompañan a una comida contundente, la engrandecen, hacen perdurar en nosotros una sensación saludable de bienestar a lo largo de las horas posteriores a una digestión agradecida. Del mismo modo, dentro del gran clan de actores y actrices que se ganan la vida haciendo que nuestra vida sea mejor tras cada función, se encuentran los actores de raza. Aquellos actores que hacen de una actuación en una noche de octubre de un Valladolid extrañamente cálido para la época del año, una sensación que recuerda a ese bienestar que nos produce la degustación callada del reserva reposado en la bodega durante años.

Esto es UN EXTRAÑO ENCUENTRO: una degustación exquisita de puro teatro, o mejor dicho, de teatro del puro, servido en mesa por Fernando Conde y Juan Gea, dos actores veteranos, curtidos sobre las tablas, aunque no demasiado mediáticos. Un duelo de caballeros de la escena.

La tercera función de este montaje, dirigido por Ángel Fernández Montesinos (personalidad del mundo de la escena nacional que bien podría definirse como retazo de la historia viva del teatro en España) cerraba su paso por Valladolid el pasado 9 de octubre con apenas cinco decenas de personas en el patio de butacas del Teatro Zorrilla. Esta comedia fue escrita en los años 80 y representada sistemáticamente desde entonces en todo el mundo. Puede considerarse uno de los trabajos más representativos del dramaturgo londinense Lionel Goldstein, también conocido en Gran Bretaña por sus guiones para series de televisión.

Lo cierto es que en esta versión escénica, también adaptada al castellano por Montesinos, sobresale la interpretación por encima de cualquier otro elemento. Una escenografía básica (fondo fijo que reproduce un rincón de Central Park, un banco, una mesa, dos sillas) envuelve la historia que transcurre lentamente pero sin pausa, atrapa al espectador muy paulatinamente gracias a la estudiada dosificación de pequeñas sorpresas argumentales. Conde es David Halpern y Gea, Eduardo Johnson: dos hombres que descubren que tienen mucho en común con la mujer que acaba de fallecer. El primero ha sido su esposo, el segundo… A lo largo de la obra se van descubriendo los papeles que ambos hombres desempeñaron en la vida de ella, en un duro intercambio de reproches, secretos, complicidades y enfrentamientos que representan dos códigos morales y dos culturas muy diferentes condenadas a entenderse.

Ambientada en los años posteriores a la II Guerra Mundial, se trata de una historia aparentemente “doméstica” que esconde muchos matices: “Nosotros, los judíos, no confiamos en nadie que no sea judío, todavía nos persigue el olor a gas”, afirma el empresario David Halpern frente a la irrupción en su vida de un misterioso hombre que cambiará para siempre sus esquemas vitales. Y por encima de todo, el duro trabajo actoral: una conversación a dos que se prolonga durante hora y media, sin sobresaltos, pero con las variaciones de intensidad requeridas, con la gravedad de quienes pisan un escenario sin premura, seguros de cada sílaba y de cada silencio.

¿Comedia? No a la española, desde luego. Tal y como su director había afirmado en su paso por Valladolid con motivo de la presentación de la obra, se trata de una comedia “de las de antes”, que no busca la carcajada ni la risa fácil, sino los toques ingeniosos utilizando los dobles sentidos y un lenguaje alejado de la ligereza que aqueja a las formas expresión de las nuevas generaciones. Y así es: un lenguaje correcto, solemne, en boca de dos señores actores.

Una pena la poca afluencia a este espectáculo, cuyo interés supera la media de los programados en la ciudad últimamente y que el público asistente sí supo reconocer con intensos aplausos.

Espectáculo: UN EXTRAÑO ENCUENTRO, de Lionel Goldstein
Versión y dirección: Ángel Fernández Montesinos
Interpretación: Fernando Conde y Juan Gea
Lugar: Teatro Zorrilla
Fecha: 9 de octubre

Aforo hasta la bandera para presenciar AMIGOS HASTA LA MUERTE, obra escrita por Javier Veiga, que abría la temporada del Zorrilla el pasado 16 de septiembre tras la programación de ferias.

Estrenada hace tres años en el Teatro Infanta Isabel de Madrid con otros actores (Melanie Olivares y Jorge Sanz), el montaje inicia otra vida encarnada en Fele Martínez, Marta Hazas y el propio Javier Veiga en el reparto. En realidad, el polifacético Veiga lo es todo: autor, director, actor y productor (esta última tarea emprendida junto a los Cornejo) en una comedia que él mismo ha afirmado que no lo es tanto al definirla como drama en clave de humor…

Por lo que tiene de comedia, recordar que este género encuentra fácil asiento en los últimos tiempos, faltos de esperanza, necesitados humor con que digerir lo crudo de la realidad. Sin embargo, son muchos los ejemplos de textos foráneos, especialmente anglosajones, y pocos los nacidos de plumas de autores autóctonas. Al menos, si tenemos en cuenta textos que acaben llevándose a escena de forma efectiva. Por eso hay que resaltar esta obra, sin duda un trabajo que entraña interesantes valores.

El primero de los logros: exprimir el sentido escénico con un fuerte componente de monólogo, tanto en el contenido (por su humor tan cercano a lo cotidiano, por saber enlazar con ingenio lo que en realidad son tópicos con los que convivimos a diario) como en la escenografía. El pasado que hizo popular a Javier Veiga como conductor de El Club de la Comedia se hace presente en este espectáculo, una de las claves que seduce al público desde el principio. Otro valor de la obra reside en la profundidad del texto que, lejos de pretender la risa sin más, invita a la reflexión. Con inteligentes toques de humor negro se toca el tema de la muerte que envuelve sentimientos tan elevados como universales (el amor, la amistad), y otros más bajos pero igualmente comunes (los celos, la envidia, la infidelidad, la venganza). A lo largo del montaje va emergiendo lo que el autor del texto traslada como apología de la honestidad con uno mismo, enhebrada con la tan traída expresión carpe diem: “vivir al día”, sobre todo si sabes que te queda poco tiempo…

El planteamiento hace debatirse al espectador entre la incomodidad de la aparente ligereza (que resulta no serlo en absoluto) con que se trata el hecho que tanto tememos y la inevitable identificación del público con los personajes. Especialmente reseñables son los papeles interpretados por los dos veteranos. Ella, Marta Hazas, conocida últimamente por su trabajo en la serie de televisión Bandolera, es elemento imprescindible en la historia aunque en la interpretación resultó inevitable la sensación de que dominaba mejor los pasajes cómicos pero le faltaba naturalidad en los momentos que pretendían ser dramáticos.

En el desarrollo de la acción, conceptualmente bien construida (ritmo, giros de argumento, buen complemento de la música y del audiovisual) los actores fueron demasiado rápido en ocasiones, esencialmente durante la primera mitad, cuando también se hizo notar cierta rigidez en los paréntesis en los que los protagonistas contextualizaban la historia a modo de fotograma congelado. En cualquier caso, son detalles que se pulirán con un poco más de rodaje de una obra que es de esperar tenga recorrido.

De momento, la aceptación del público en Valladolid así lo augura a juzgar por la intensidad de los aplausos que vistieron la sala principal del Zorrilla la noche del sábado.

Espectáculo: AMIGOS HASTA LA MUERTE, de Javier Veiga
Dirección: Javier Veiga
Producción: Impar Producciones/Enrique & Alain Cornejo
Escenografía: Elisa Sanz
Interpretación: Fele Martínez, Marta Hazas, Javier Veiga
Lugar y fecha: Teatro Zorrilla, 17 de septiembre de 2011

El ajustado vínculo entre cine y teatro se manifestó durante la programación teatral de ferias en la comedia TÓCALA OTRA VEZ, SAM que llenó el Teatro Zorrilla todos los días de función con un espectáculo ya con bastante rodaje (ha sido éxito de público indiscutible en la cartelera madrileña el pasado año), protagonizado por Luis Merlo y María Barranco, junto a Javier Martín, José Luis Alcobendas y Beatriz Santana.

Su directora, Tamzin Townsend recupera uno de los primeros textos de Woody Allen. Escrito en los años 70, su comicidad y redondez están fuera de duda, lo que no hace más fácil la labor de dirección y muy especialmente la de traducción y adaptación, para que los giros lingüísticos y las referencias temporales y geográficas puedan tener sentido en castellano. Lo tienen, en parte gracias al camino allanado por la versión cinematográfica española, Sueños de un seductor (Herbert Ross, 1972), salvando expresiones y situaciones ya obsoletas en aquella: ese marido de Linda (María Barranco), Frank (José Luis Alcobendas), obsesionado por la cobertura allá donde va parece que sitúa en la prehistoria a su álter ego cinematográfico, compulsivamente preocupado por estar localizable al otro lado de la espiral de aquellos armatostes fijos.

Pero excluyendo detalles anecdóticos, el texto de Allen es atemporal, perfectamente asimilable por el público de hoy: por la intuición que ha llevado al director estadounidense a plantarse en nuestros días garantizando el éxito casi de cada una de sus creaciones al adaptar sus temas -que son sus miedos y los de todos- al tiempo corriente en clave de humor casi siempre inteligente, y por tratar el universal e inabarcable tema del amor, siempre de moda, siempre tan necesario pero tan problemático en ocasiones. Allan (Luis Merlo), neurótico intelectual que conversa imaginariamente con el legendario Humphrey Bogart acerca de los secretos de la seducción, acaba de ser abandonado por su esposa y entabla una relación especial con la mujer de su mejor amigo, en la que descubre un alma gemela. Linda se convierte en su confidente… y en algo más.

Pero volvamos al binomio esencial: cine dentro del teatro y viceversa. Cine y Woody, punto de partida y de llegada. El mejor cine clásico –omnipresencia de la mítica Casablanca: música, diálogos, archiconocido cartel, Javier Martín como Bogart- y el “aval Allen” engrasan todo el montaje, de principio a fin, desde la recreación del piso que habita el atormentado crítico de cine Allan, que podría ser un apartamento de Manhattan, hasta la interpretación de un desaliñado Merlo que trata de emular al feúcho y desgarbado Allen (como Allan) de la película de Ross.

Neurótico, miedoso, inseguro, hipocondríaco… Fuera de duda su solvencia interpretativa, Luis Merlo fuerza algo la recreación del personaje (alargando los sonidos de las frases, trastabillando continuamente hasta caricaturizar en exceso) en un intento de dar forma a un personaje por naturaleza vacilante y obsesivo, quizás con la referencia demasiado presente de la característica personalidad de Woody Allen. La réplica de su compañera, María Barranco, impecable. La dulce Keaton deja paso a la chica Almodóvar en un trasunto de Linda a la española mucho más potente. En oportunidades así, muestra Barranco una cualidad excepcional para la comedia: la moldea a su gusto, se presenta entrañable para el público a la vez que dota al personaje de gran eficacia.

Muy a destacar la gran sintonía entre los dos actores protagonistas que salieron con soltura de alguna equivocación que le dio vida a la función. Forman un gran equipo gracias al cual los gags cómicos funcionan muy bien. Cambios de cuadros dinámicos y aceptable ritmo escénico que no dio tregua a un público entregado a la risa.

Espectáculo: TÓCALA OTRA VEZ, SAM, de Woody Allen
Dirección: Tazmin Townsend
Interpretación: Luis Merlo, María Barranco, Javier Martín, José Luis Alcobendas y Beatriz Santana.
Lugar y fecha: Teatro Zorrilla , 9 de septiembre de 2011

A lo largo de los diez años durante los que transcurre la trama, Lola y Víctor, viven todo tipo de experiencias, desde postraumáticas hasta de alegría desmedida; y, a través de ellas, el espectador se conciencia de la fortaleza de sus vínculos, de esa especie de cordón que los une y del que uno y otro tira de forma alternativa o a la par, provocando una tensión que se traduce en discusiones o actos amatorios, dependiendo del momento. Lola es una mujer inteligente y emprendedora que ha vivido a la sombra de su marido hasta el punto de caer en la bebida. Víctor, por su parte, es escritor y ha cosechado algún que otro éxito, especialmente en lo que se refiere a relaciones extraconyugales. A lo largo de su historia de pareja separada, se produce una transición de las debilidades del personaje femenino a las del masculino hasta que al final parecen encontrar un equilibrio en su nuevo tipo de relación.

En estos momentos, Txalo Producciones está llevando esta propuesta a distintos escenarios de toda España con Kiti Mánver y Jorge Roelas, bajo la dirección de Juan Carlos Rubio, quien también se ha hecho cargo de la adaptación de la obra. El pasado fin de semana (9 y 10 de septiembre) encontró su sitio en el Teatro Liceo de Salamanca, en el marco de la programación de Ferias y Fiestas organizada por la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, y tuve la oportunidad de asistir al espectáculo. No sabría decir si a lo que voy a comentar a continuación se sumaron las expectativas creadas cuando te informas de que estás a punto de ver un espectáculo desternillante, pero la verdad es que no me convenció.

Txalo Producciones cuenta en su catálogo con propuestas fácilmente digeribles, con el objetivo principal de hacer pasar un buen rato al público, pero en esta ocasión, ni siquiera esto se ha conseguido. El ritmo fluido que caracteriza a algunos textos de Slade (para los que no hayáis oído hablar de él, fue el guionista de Embrujada) en esta ocasión es inapreciable, por no decir inexistente, incluso parece provocar inseguridad en los actores; y la química entre Mánver y Roales, actores consolidados que ya han trabajado juntos y además se admiran, resulta escasa. La puesta en escena es lo más destacable, un espacio minimalista con paneles, una mesa y un par de sillas, entiendo que en un intento de dar agilidad a algo que no la tiene.

Una pena, la verdad. Las opiniones compartidas han ido en la misma línea, y si utilizara como indicativo del éxito de una obra clasificada como comedia el volumen de risas provocadas entre el público, el resultado también fue muy flojo. Creo que la razón principal es que ni vimos una comedia, ni vimos un drama, ni hubo mofa explícita, ni hubo acidez… y tanta tibieza nos dejó a todos un tanto fríos. Como puntos positivos, la oportunidad de revisitar el Liceo, siempre acogedor, y de ver en persona a dos actores como la copa de un pino.

El pasado 12 de julio en el Patio del Colegio Fonseca de Salamanca tuvo lugar la representación de Macbeth de William Shakespeare a cargo de la compañía UR Teatro, dentro del ciclo “Las noches de Fonseca”, propuesta cultural en la que colaboran Cursos Internacionales de la Universidad de Salamanca, la Oficina del VIII Centenario de la USAL y el Servicio de Actividades Culturales.

Macbeth, la historia del rey que sucumbió a la traición y la ambición desmedida, es una de las tragedias de William Shakespeare más conocidas y que más veces ha sido revisitada para su puesta en escena. El grupo UR Teatro, bajo la dirección de Helena Pimenta, plantea una nueva mirada a la historia y a su protagonista con una propuesta, la última de Pimenta al frente de Ur antes de su entrada en la dirección de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en la la palabra de Shakespeare se mezcla con composiciones de la ópera homónima de Verdi, interpretadas por el Coro de Voces Graves de Madrid y otros temas creados por el director musical del espectáculo, Iñaki Salvador, en un montaje multimedia.

Con José Tomé y Pepa Pedroche al frente del reparto “presencial”, acompañados por Oscar S. Zafra, Javier Hernández-Simón, Tito Asorey, Belén de Santiago y Anabel Maurín; y Mercedes del Castillo, Enrique Onetti, Carlos Hernández, Luis Miguel Rodríguez, Sacha Tomé y el Coro de Voces Graves de Madrid como intérpretes en los audiovisuales, no es la primera vez que Pimenta se enfrenta o más bien se alía con el dramaturgo inglés William Shakespeare. El sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta y La Tempestad, entre otras, forman parte de la trayectoria de esta directora.

Pero más allá de la obra, su apuesta está en el lenguaje con el que la presenta, también una novedad para la compañía; y es que la propuesta espacial se basa en el vídeo mapping escenográfico, un trabajo desde el 3d con un resultado vinculado a la imagen pictórica. Otro de los aspectos destacados del montaje es la utilización de la música, especialmente de los pasajes de la ópera que compuso Verdi a partir de la obra de Shakespeare, interpretada por el Coro de Voces Graves de Madrid bajo la dirección de Juan Pablo de Juan, todo supervisado y dirigido por Iñaki Salvador. El coro, presente en escena y en el vídeo, une ambos planos, el real y el virtual.

La utilización de estos dos elementos, el mapping escenográfico y el coro, viene dada por el origen de la obra y su contextualización en un espacio que está a caballo entre lo real y lo ficticio, por lo que el vídeo es participativo y propone a los actores del reparto el mismo juego, hasta que los límites entre realidad y ficción se diluyen casi en su totalidad para recrear el tormento mental del protagonista y mostrar el mundo a través de su mirada. Como referencia estética, el Macbeth de Ur mira a la I Guerra Mundial, un momento de vértigo entre dos épocas.

Con todos estos elementos en conjunción armónica, ni el “microclima invernal” del que el Palacio de Fonseca “goza” en algunas noches de verano (como fue el caso), ni una acústica regular pudieron desmerecer una propuesta que llenó el aforo y recibió una merecida ovación del público asistente.

La pasada noche (2 de septiembre) tuve la oportunidad de asistir a la representación de A ópera dos tres reás (Die Dreigroschenoper), una producción de la obra de Bertolt Brecht y Kurt Weil a cargo del Centro Dramático Gallego, bajo la dirección escénica de Quico Cadaval y la dirección musical de Diego García Rodríguez, que se ha planteado como todo un hito en la historia de las artes escénicas gallegas; si bien, gran parte del protagonismo se lo está llevando su actor principal, el reconocido Luis Tosar.

En un Liceo radiante a media luz dio comienzo este drama musical en el que se hace una crítica de la burguesía representada por una sociedad de delincuentes, prostitutas y mendigos; una obra que gozó de un gran éxito en Alemania desde su estreno en 1928 hasta la toma de poder del partido nazi el 30 de enero de 1933, y que se ha convertido en un clásico del siglo XX; algo que, sin duda, no se esperaban sus autores, Bertolt Brecht y Kurt Weil, cuando “adaptaron” o, más bien, “recrearon” La ópera del mendigo (The Beggar’s Opera) de John Gay y Johann Christoph Pepusch.

La historia transcurre en una ciudad imaginaria denominada Central City durante cuarenta y cinco horas (2h 25’ para el espectador), en las que un giro en la vida de un conocido delincuente, Mackie de la Faca, sirve como pretexto para abordar las miserias del ser humano: la ambición, la traición, la delincuencia, los abusos y la miseria con letras mayúsculas. Mackie, un temido asesino y ladrón, se encapricha de Polly Peachum, la inocente hija del señor Peachum, jefe de los mendigos, y la convierte en su esposa. Cuando los padres de la joven se enteran de lo acontecido, su única ambición es deshacerse de su indeseable yerno.

La historia, en la que se entremezclan elementos de la novela negra con la opereta, el folletín romántico con el cine cómico, los bailes del otro lado del Atlántico con las estampas orientales y un largo etcétera, constituye un claro intento de provocar la reflexión del espectador sobre el ser humano y sus valores y, en mi opinión, lo consigue sin renunciar al entretenimiento que supone una propuesta con tantos y tan variados matices y elementos, así como gran abundancia de referencias literarias, musicales y cinematográficas.

En la producción del Centro Dramático Gallego nada resulta arbitrario: ni la selección del reparto, encabezado por Luis Tosar, con Marcos Orsi, Muriel Sánchez y César Goldi, también protagonistas; junto con Alba Messa, Víctor Mosqueira, Mónica de Nut, Marta Pazos, Francisco Pérez ‘Narf’, Begoña Santalices y Sergio Zearreta; ni los miembros de la orquesta: Suso Alonso, Rui Bandeira, Pablo Castaño, Andrew McNeill, Saúl Puga, David Rodríguez, Adrián Viñas y Vadzim Yukhnevich; ni la dirección que, como ya he comentado, está a cargo de Quico Cadaval y Diego García Rodríguez.

Este enorme elenco de actores, músicos y demás profesionales del ámbito artístico consigue imprimir a la obra original y a su mensaje universal un aire y un tono gallegos. No sólo por la adaptación del texto y las letras sino muy especialmente por el ritmo de la música, con una candencia melancólica que a una mínima parte del público le resultó algo tediosa pero que a la gran mayoría (entre la que me incluyo) nos cautivó.

Entre lo más destacado del reparto, Luis Tosar, del que me declaro firme admiradora, que se movió con elegancia y soltura y dio cuenta de su nivel interpretativo así como de sus dotes como cantante. También me gustaron mucho las aportaciones de Marcos Orsi, Begoña Santalices, César Goldi y Alba Messa, de esta última en especial su voz, si bien todos los actores se movieron por el escenario y cambiaron papeles con mucha agilidad.

Esta noche (3 de septiembre), el telón del Teatro Liceo se levantará una vez más para contar esta historia; y de Salamanca, primera ciudad de Castilla y León en la que hemos podido disfrutarla en el marco de la programación de la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, a otras “plazas”, que, imagino, serán muchas.

Pero como debemos reírnos de todo para poder soportarlo y además hacerlo más evidente y hasta ser más conscientes de ello, desde el 19 de agosto y hasta el 11 de septiembre, la compañía CriaCuervos pone en marcha la tercera temporada de “Pacto de Estado” en el Teatro Triángulo de Madrid, una gran sátira política, genialmente protagonizada por Felipe Andrés, Rocío Vidal y Daniel Diosdado y brillantemente dirigida por Pilar G. Almansa.

“España, 2032 d.C.: Pepe Luis sigue en La Moncloa, tras las sucesivas ‘muertes accidentales’ de todos los secretarios generales de su partido. La oposición tuvo durante años un líder obsesionado con convocar ‘elecciones anticipadas’, que obviamente no despertó la confianza de los ciudadanos. Y ahora, la ‘niña de Rajoy’ desempeña las funciones de ‘bulldog’ de los populares en el hemiciclo… aunque secretamente esté enamorada de Pepe Luis.”

Un buen juego de luces, dos divanes y unas cortinas metálicas, delimitan los espacios donde dos políticos de diferente partido pero con demasiados aspectos en común deliran sobre sus inseguridades, sus miedos y sus proyectos. Entretanto, un cardenal, Monseñor Cloa, juega a dos bandas con todas las papeletas que puede para su propio interés (nada más lejos de la realidad).

Después de 7 legislaturas seguidas, Pepe Luis no puede más y decide proponerle a la niña de Rajoy un pacto de estado: que ocupe su puesto en La Moncloa, sin elecciones ni nada. Un pacto que no llega a producidrse porque los políticos no consiguen ponerse de acuerdo, como suele ser habitual.

Pacto de Estado es una de esas obras que te hacen reír a la vez que reflexionar, sobre el papel que jugamos en nuestras vidas, y cómo permitimos que todo continúe igual sin movernos ni un centímetro de nuestra postura de comodidad absoluta y desencanto creciente (paradoja existencial donde las haya).

Recomendable por el texto, por las increibles actuaciones de sus tres protagonistas y por la extrema actualidad de los hechos (está casi narrada en vivo y en directo).

Estos pensamientos rondaban mi cabeza durante la primera parte de la ópera de 3 horas de duración,  después de observar detalladamente la cuidada y explícita escenografía. Con un suelo inclinado de formas imposibles, una colorimetría basada en los grises, dedicaba la parte delantera al desarrollo de la acción mientras dejaba una gran ventana a un fondo que lejos de ser pintado representaba en tres dimensiones y fielmente los tejados parisinos.

Hacen su entrada Rodolfo (Ricardo Bernal), el poeta y Marcello (Gabriel Bermúdez), el pintor. Desde el primer momento se escuchó a la orquesta tapando a los cantantes, perdiéndose casi por completo la voz en los fortes de la orquesta. La buena dirección de escena permitió darle movimiento al primer cuadro pues los actores/cantantes se movían, bailaban y actuaban sin descanso haciendo así más ameno un acto un tanto sosegado.

La plazoleta del café Momus en el segundo cuadro era toda una fiesta en la que sorprendían magos y acróbatas con trucos y fuegos artificiales. Todo un detalle que el público supo valorar. El coro de niños aportó la dulzura e inocencia a esta escena multitudinaria que es sin duda lo mejor de la obra: por la agilidad, la vivacidad, el ritmo, la belleza de la música, la picardía del argumento, la épica de los coros y la espectacularidad de fuegos y coches clásicos en escena. Musetta (María Hinojosa) con una voz brillante, no dejo en ningún momento que la orquesta la sobrepasara y representó lo que para mí fue la mejor interpretación de la velada. Un cuadro prodigioso en el que el coro de los amigos del Calderón supo dar la talla.

A partir de la despedida del coro, la representación va decayendo como decae Mimí con su enfermedad. La soprano (Inva Mula) de voz luminosa y viva, que domina las agilidades y la afinación, pone su buen hacer al servicio de la música pero igual que sus compañeros tenores resulta sobrepasada por el volumen de la agrupación orquestal. A excepción del bajo, Colline (Rubén Amoretti) que también tiene su pequeño momento para destacar.

El último cuadro va perdiendo el interés como la soprano va alentando su último suspiro y termina sin gran emoción, dejando el recuerdo del segundo acto en nuestra memoria.

En general no hay mucha crítica que hacerle a la representación salvo el exceso de volumen de la orquesta o la falta de cuerpo de las voces solistas, pues se perdieron probablemente los detalles más interesantes e intensos del canto.

Teatro Calderón de Valladolid
9 de mayo de 2011

Director musical: Pietro Rizzo
Director de escena: José Luis Castro
Director del Coro Amigos del Teatro Calderón: Sergio Domínguez
Reparto: Ricardo Bernal, Inva Mula, Gabriel Bermúdez, María Hinojosa, Rubén Amoretti, José Manuel Díaz…

Pero llegaron los Veranos de la Villa y programaron para Madrid un verano distinto, repleto de teatro, de danza, música, exposiciones y de espectáculos de todo tipo que aprovechan los mejores rincones de la ciudad para mostrar una cara diferente, con menos prisas y más sosiego.

Este año, dentro de la programación de la capital, encontramos al Teatro Circo Price repitiendo la fórmula del pasado año para convertir este gran pequeño circo urbano en un suntuoso cabaret con el espectáculo titulado “Crazy Love”.

Hasta el 7 de agosto, podemos disfrutar de un importante elenco de artistas venidos de todas partes del mundo y que cubren un amplio abanico de disciplinas, más bien circenses. Desde los maravillosos malabares hasta el clown, pasando por las acrobacias, el humor, el burlesque o un intrépido lanzacuchillos (aunque más intrépida fue ella, que se puso delante). Todos los artistas derrochan talento y simpatía ante un público que, una vez rota la rigidez y el protocolo, se entrega al show sin reparos.

Además, los asistentes puede comer y beber durante el espectáculo (cosa que siempre se agradece), ya sea en la grada o en las mesas redondas y cabareteras que salpican la pista central.

Si bien es cierto que el show ha ganado en potencia teatral con la aparición de la gran Petra Martínez y la histriónica Psicosis Gonsáles, también es cierto que parece haber perdido algo de chispa en lo artístico.

Sin embargo, la banda que acompaña y ambienta cada una de las actuaciones continúa siendo excepcional, adaptándose sin problemas al jazz, al rock, a la música árabe o a cualquier otro estilo que hubieran decidido probar.

En el centro de Madrid, junto a la estación de Atocha y el Museo Reina Sofía, nadie podría imaginarse que tras las puertas de este lugar se encuentra el mismísimo cabaret. Pasen y vean.

En un lugar de la N-630, cuyo nombre no viene al caso, hago un alto en el camino para comenzar esta crónica de El Gran Café Teatro, espectáculo del que estos días hemos podido disfrutar, una vez más, en la capital charra. El café teatro es una fórmula común de espectáculo de variedades que tiene la particularidad de permitir a los espectadores tomar un refrigerio (bonito ‘palabro’) en su transcurso, sin necesidad de visitar el “ambigú”. Teatro, música, baile, magia y humor son sus ingredientes básicos.

Como apunto, muchos sitios ofrecen este tipo de propuesta pero dudo mucho que cuenten con la trayectoria de El Gran Café Teatro, que estos días ha celebrado su 25º aniversario. Veinticinco años haciendo disfrutar al público salmantino y, sobre todo, muy especialmente comprometido con la cultura y el arte, lo que le convierte en cantera de grandes artistas de talla nacional e internacional, pero, sobre todo, en sello de identidad de la oferta cultural de Salamanca.

A lo largo de estos años, son muchos los actores, directores, guionistas, músicos, bailarines, magos, pintores… que han pasado por esta especie de laboratorio del arte, la cultura y el entretenimiento en el que, en muchos casos, se han formado y han dado sus primeros pasos encima de un escenario. Su sede ‘natural’ durante más de veinte años ha sido el Barrio de La Vega, patrona de la ciudad, un reducto de tranquilidad y familiaridad, en el que la gente se llama por su nombre y te saluda aunque no te conozca, y donde he tomado un café antes de iniciar este viaje, precisamente en el Madroño, una de las sedes sociales de los fundadores de la iniciativa, Miguel Martín “Miguelón” y Maribel Iglesias.

Para esta nueva edición, la El Gran Café Teatro se ha trasladado al Palacio de Figueroa, desde el XIX, Casino de Salamanca, un palacio renacentista del XVI, que nada tiene que ver con el centro cívico de La Vega, corazón del barrio, pero que resulta también un escenario excepcional que, creo, hará posible que otro público disfrute del espectáculo, algo que, creedme, no es fácil teniendo en cuenta la gran aceptación y demanda que tiene, y el hecho de que se anuncie de forma tímida, quizá porque algunos habituales quieran evitar quedarse sin entradas.

Estos días, Le Petit Suit Ballet, Los Hernández de Segundo, Absur-Dos, AltoTeatro, Miguelón, Mago Joyra, Duette y The Swingers Band se han reunido para ofrecer al público una propuesta renovada, tal y como avanzaron, a la altura de la conmemoración que celebraban y que se ha caracterizado especialmente por su dinamismo y las altas dosis de humor.

La noche comenzó con un particular número de ballet que sirvió para meter en situación al público asistente. Tras el baile, el actor Alfonso Mendiguchía, a quien hemos podido ver en series como Aída o Águila Roja, entre otros muchos proyectos, dio la bienvenida al público y mantuvo la risa explotando la ya excesivamente recurrente idea de las conmemoraciones tipo 23F, 11M…

A continuación llegó el turno de Los Hernández de Segundo, dúo formado por los actores Maribel Iglesias Hernández y Carlos Vicente (adivinad) Hernández, que revisitaron en clave de humor una escena de cortejo y celos clásica de la literatura popular; y tras ellos, Miguelón y el Maestro Ruiz, que aparecieron en escena para hacernos llorar, eso sí, de risa, con su personal versión de ‘Se me olvido que te olvidé‘, emulando a Bebo Valdés y Diego ‘el Cigala’.

También ayudaron a arrancar las risas del público el dúo formado por Alfonso Mendiguchía y Chema Moro, Adsurdos-Dos, que sacaron un gran partido a las posibilidades del humor en el ámbito cotidiano y explotaron al máximo la estrategia de las frases inacabadas. Y, como no esperaba menos, mi número favorito, la personal versión de un telediario de Maribel Iglesias, acompañada por Carlos Vicente, en el que hicieron un recorrido por toda la actualidad en clave de humor gestual.

En el apartado musical, la sugerente y evocadora voz de Sheila Blanco, un auténtico regalo para los oídos, acompañada al piano por el Maestro Ruiz; y el jazz de The Swingers Band. El último aderezo estuvo a cargo del Mago Joyra, que hace de la magia una experiencia diferente marcada por el humor de su estridente estilo.

También hubo espacio para un divertido homenaje al autóctono a cargo de Carlos Vicente; para las escenas provocadoras e irreverentes de Alto Teatro en ‘El perro’ y ‘La cita’. Roberto García Encinas nos deleitó con su recuerdo de la movida madrileña y Miguelón recuperó a uno de sus personajes más famosos, el abuelo organizador de viajes para la tercera edad, y cantó ‘Línea 3‘, conocida versión de ‘Let it be‘ de este genial y polifacético actor al que recientemente hemos podido ver en Celda 211, el único al que he tenido la oportunidad de ver reírse de sí mismo encima de un escenario.

Y si a estas alturas de mi crónica, estimados lectores, todavía no he dejado clara mi debilidad por esta propuesta, os la confieso. Una debilidad, considero, justificada, por el talento de sus participantes; por la oportunidad que supone para los artistas locales; porque, como ya he avanzado, esta actividad artística multidisciplinar es sello de identidad de la ciudad; porque, por supuesto, aplaudo cualquier iniciativa cultural que se lleve a cabo en Salamanca, tanto las acertadas como las que ayudan a valorarlas; y, porque, dicho sea de paso, asistí invitada…

Por ello, ahora que casi todos rozamos las vacaciones con la punta de los dedos, es más necesario que nunca intentar sacarle tiempo al tiempo para disfrutar del humor, el ingenio y el talento de compañías como Ron Lalá, que inaugura la temporada estival con una nueva obra en cartel.

Desde el 21 de junio, la compañía Ron Lalá representa en el Teatro Alfil de Madrid “TIME AL TIEMPO” (léase como se prefiera), un nuevo espectáculo donde los madrileños vuelven a combinar sus tres mejores armas: el humor, el teatro y la música en directo, un cocktail infalible que genera fieles en cada nuevo acto.

Después de obras como “Si dentro de un limón metes un gorrión el limón vuela”, “Mi misterio del interior” o “Mundo y final” (que incluye la nominación a un Premio Max como espectáculo revelación en 2009), el nuevo montaje de este gran quinteto, propone un viaje a través del tiempo lleno de sketches y números con mucho humor crítico y cítrico (como a ellos les gusta decir), y con música de todos los estilos y para todos los gustos a cargo de la Big Bang Band.

A través del flamenco, el jazz, el hip-hop o el rock, los textos de las canciones y de los gags nos hacen pensar sobre la relatividad y la fugacidad del tiempo, sobre las diferentes visiones de lo mismo que se van sucediendo a lo largo de la vida, pero sobre todo, de lo importante que es aprovechar el momento sin ponernos excusas, sin dejarlo todo para un futuro que cada día es más incierto.

Decía Woody Allen que le interesaba el futuro porque es el sitio donde va a pasar el resto de su vida, pero realmente el futuro no es más que lo que vamos construyendo cada día, por lo que parece razonable hacer todo lo posible para timar al tiempo de modo que juegue a nuestro favor.

Estos chicos nos tienen más que acostumbrados a que en sus creaciones podamos disfrutar de textos muy locos y llenos de humor, de todos los instrumentos que uno pueda imaginar con unas interpretaciones magistrales, y de una riqueza gestual y de interpretación sobresalientes, pero consiguen reinventarse en cada nuevo espectáculo paara elevarse y superar las expectativas de un público predispuesto a la risa.

Con una gran ovación y un público puesto en pie, el estreno del nuevo espectáculo de Ron Lalá en Madrid ha concluido en todo lo alto, convirtiéndose en el presagio de una gran temporada llena de éxitos allá donde el destino les lleve.

Divertidos, originales, ingeniosos y llenos de talento. Ron Lalá, simplemente sublimes.

www.youtube.com/watch?v=jKp4OxxLAKc

EL JUEGO DE VERSALLES, ¿CONMOVEDOR O MEZQUINO?

La compañía valenciana Arden Producciones afrontaba el pasado día 12 de junio la tercera representación de EL IDIOTA EN VERSALLES, ante apenas cinco decenas de espectadores en el patio de butacas del Teatro Zorrilla (¿la gente ávida de terrazas ante el buen tiempo?).

La obra, escrita y dirigida por el fundador de la compañía (también actor de la misma), Chema Cardeña (comparte dirección en esta ocasión con Carme Portaceli), forma parte de la Trilogía del Teatro Clásico Europeo, junto a La estancia y La puta enamorada. Estrenada en 1999, Cardeña la hace renacer con una firme declaración de intenciones: contar el presente desde episodios del pasado dada la atemporalidad de ciertas tendencias humanas. Un objetivo que se hace notar también en el aspecto estético al mezclar en la escenografía y atrezzo elementos contemporáneos y clásicos. Se trata de una trama circular que tiene lugar en el palacio de Versalles en construcción. Se recrea un espacio minimalista en tonos plata y dorados con una luz efectista en consonancia con el barroquismo de un vestuario muy logrado diseñado por Sergio Peris. Esta combinación de elementos y un trabajo actoral de solvencia indudable (cuesta decantarse por uno de los cuatro actores en escena) son los mayores logros de este montaje.

Cardeña crea un pasaje ficticio inspirado en personajes históricos: Luis XIV de Francia (ausente en escena pero artífice de enredos grotescos), su esposa, María Teresa de Austria que rivaliza con la amante del Rey Sol, la pizpireta Louise de La Vallière, Jean Baptiste Lully (compositor de la corte de origen florentino) y el autor de comedias Jean Baptiste Poquelin, Molière. El capricho del rey de Francia de ver una representación de Medea cuyas protagonistas sean su esposa y su amante, es la excusa para el desarrollo de una trama de enredos cortesanos, equívocos sentimentales y lenguaje vulgar, trasladando el ambiente de ligereza moral, convencionalismos y actitudes hipócritas que el propio Molière, esta vez convertido en personaje que se ve envuelto en el embrollo contra su voluntad, denunció en sus comedias.

Se pretende elevar el tono argumental arrojando una reflexión sobre la perdurabilidad del arte, la alianza entre música y palabra, la integridad del artista frente al poder o su mezquindad frente a la tentación del dinero…Representan los polos opuestos de esta dualidad las personalidades de Lully (Chema Cardeña), mujeriego de moral floja, fácilmente sobornable, y Molière (Juan Carlos Garés, ¿“el idiota en Versalles”?), atormentado por la idea de tener que someterse a los designios reales con tal de que su Tartufo, pudiera ver la luz (reflejo real de las dificultades que Moliére vivió antes de poder representarla íntegramente en la corte francesa). Aunque este propósito no convierte este montaje en algo más allá de un trabajo esmerado y correcto, adecuado para espectadores que buscan una tarde de entretenimiento sin grandes exigencias mentales.

Espectáculo: EL IDIOTA EN VERSALLES
Género: Comedia
Compañía: Arden Producciones
Autor: Chema Cardeña
Dirección: Carme Portaceli y Chema Cardeña
Interpretación: Chema Cardeña, Juan Carlos Garés García, Amparo Vayá, Jerónimo Cornelles
Día y lugar: 12 de junio, Teatro Zorrilla

EL RUEGO DEL MONSTRUO

Cuarteto Teatro cerraba  para siempre el pasado día 5 de junio la puerta de la Sala Ambigú con PEDRO Y EL CAPITÁN.

He escrito para siempre cuando en realidad el contundente adverbio es aplicable a muy pocas cosas en la vida. Lo cierto es que esta vez es así: la Fundación Municipal de Cultura traslada definitivamente la programación teatral que venía acogiendo la mítica Ambigú al nuevo espacio habilitado en las estancias del Antiguo Matadero de Valladolid, el Laboratorio de las Artes (no sin poca controversia, dedicado a Concha Velasco)

Pero la citada mudanza será objeto de otro texto. Volvamos, pues, a PEDRO Y EL CAPITÁN. O Raúl y Pedro recreando la obra de Benedetti de la mano de Xiqui Rodríguez (Drácula, El último viaje).

Antes de comenzar la función los dos actores ya se encuentran dentro de un espacio trapezoidal blanco que absorbe el sonido obstinado de una máquina de escribir de dueño invisible tecleando nombres. Pueden ser los nombres cuya negación conducen a Pedro a la muerte física pero a la gloria de la integridad personal, victoriosa frente a la miseria moral. Las paredes blancas son las de un hospital, un psiquiátrico o una pesadilla donde el tiempo no existe y la angustia lo embadurna todo. No, es una sala de torturas. Así, se concibe un espacio que concentra el peso de la interpretación en una dosis de efectos brutales para el espectador. El monólogo inicial del capitán es sólo el camino preparatorio para una acción dramática que va provocando sin tregua estados de ánimo que están en la vida y en nosotros mismos pero que a menudo obviamos por destructivos: rabia, traición, odio, resentimiento, venganza, inseguridad, miedo. Miedo en la víctima y miedo en el monstruo que luego resulta no serlo tanto porque víctima y verdugo son en realidad uno solo o cualquiera de nosotros en otro lugar, en otras circunstancias: la maldad sin límites habita al lado de la debilidad enmascarada de fanatismo, en cualquier país, en cualquier tiempo.

Los distintos elementos conforman un lenguaje escénico combinando sobriedad con recursos multimedia que enriquecen los puntos de pista sin desviar la atención del trabajo actoral descarnado, el eje principal de la obra. Como aquel cubismo analítico que jugaba con la esencia de la realidad descomponiéndola en todos sus planos, la escenografía ideada para este montaje desdobla las vidas de los personajes, los disecciona para que el espectador pueda compadecerse y odiar y llorar a un tiempo.

Quizás Benedetti hubiera soñado una puesta en escena en la que la fuerza omnipotente de la palabra hiciera innecesaria la explicitud del deterioro físico del preso que angustia profundamente. Pero no está fuera de lugar la rotundidad de las formas cuando la contundencia del contenido se concibió para arañar por dentro, para arrastrar su mensaje por siempre.

Gran texto bien llevado, actores con mayúsculas, equipo cohesionado…Familia artística la de Cuarteto Teatro que ha creado un producto excepcional. Resultado: ovación de unas cuantas decenas de espectadores entregados a la emoción en grado sumo. Broche de platino como fin de una etapa entrañable para el teatro alternativo de Valladolid. En nuestra memoria queda el recuerdo de quienes dejaron inolvidables horas de trabajo y sueños sobre las tablas gastadas de la Ambigú.

Espectáculo: PEDRO Y EL CAPITÁN
Compañía: Cuarteto Teatro.
Género: drama
Dirección y Dramaturgia: Xiqui Rodríguez
Interpretación: Raúl Escudero, Pablo Rodríguez
Lugar y fecha: Sala Ambigú, 5 de junio de 2011

El corazón de este espectáculo late en el mundo poético que evoca los textos de León Felipe…Una mezcla de circo, danza y teatro…Así se ha descrito repetidas veces LOS GIRASOLES ROTOS en la prensa regional, que viene reseñando las representaciones de este montaje en los últimos meses desde que abrió la última edición de la Feria de Teatro de Ciudad Rodrigo. La última función de esta obra tuvo lugar en la Casa de las Artes de Laguna de Duero el pasado 6 de mayo.

El Ballet Contemporáneo de Burgos (Raíces, 1492), de la mano de la coreógrafa Sabine Dahrendorf (Danat Danza, La Atlántida para la Fura dels Baus) creó en 2010 este espectáculo enormemente delicado, cargado de lirismo desde el minuto cero. Como molde que aglutina diferentes disciplinas escénicas, la directora rescata la poesía de León Felipe. Adecuada elección los versos del zamorano de la Generación del 27 por lo místico de buena parte de su obra. Bien podría haber sido León el personaje oscuro que interpreta Javier Semprún (Teatro Corsario, último Premio a la Mejor Interpretación de la Unión de Actores), soberbio en el papel de anciano que arrastra su decrepitud y se compadece del ineludible paso de un tiempo yermo de vitalismo, vacío de esperanza, cargado de vivencias anheladas que nunca existieron.

No es lo que me trae cansado/ este camino de ahora/ no cansa/ una vuelta sola/ cansa el estar todo un día/ hora tras hora/ y día tras día un año/ y año tras año una vida/ dando vueltas a la noria. Los versos iniciales son el hilo conductor de un sueño contemplado a través de un espejo que es una ventana a la irrealidad materializada con gran sensibilidad por la escenografía de Silvia Kuchinow. La acción transcurre en tres subespacios paralelos: los lamentos del viejo que parece estar soñando sus desventuras, la danza incansable de los bailarines (Sara Sáiz, Carlota de Luis, Ana Ódena, Maruxa Salas y Erick Patrick Jiménez) y un enorme libro semiabierto del que se desprenden pasajes oníricos surrealistas, siguiendo pautas estéticas del neoexpresionista alemán Anselm Kiefer. La trapecista, Cristina Calleja, juega entre sus páginas con movimientos limpios.

Se mantiene en todo momento la intensidad emocional gracias a los versos en boca de un Semprún de voz profunda y rota, arropados por la expresividad de la coreografía al ritmo de la música envolvente de Sanou. Sin embargo, por encima de todo, destacan instantes estéticamente brillantes. Para recordar, la gigantesca tela de araña con la que se debate una de las bailarinas entre las páginas del enorme libro o la luz de las estrellas, motivo recurrente durante toda la obra: el viejo las moldea con sus manos, son lanzadas al firmamento o se colocan cuidadosamente sobre barcos de papel.

Con pocas palabras: una fábula fantástica, un cuento surrealista, poesía en movimiento.

En definitiva, un espectáculo digno de reconocimiento por varios motivos: no solo por las cualidades técnicas y estéticas que, objetivamente, lo convierten en un trabajo de calidad, sino por su condición de producto regional, tanto en la labor de producción como en la interpretación. El apoyo de la Red de Teatros a las producciones locales resulta fundamental para que este tipo de montajes puedan llegar lejos, más allá de los auditorios de las capitales de provincia. Pero también es importante la mirada de todos hacia dentro, hacia lo nuestro que es mucho y bueno. Valga este espectáculo como digno ejemplo.

Espectáculo: LOS GIRASOLES ROTOS
Compañía: Ballet Contemporáneo de Burgos
Coreografía y dirección: Sabine Dahrendorf
Música original: Josep Sanou
Interpretación: Javier Semprún
Bailarines: Sara Sáiz, Carlota de Luis, Ana Ódena, Erick Patrick Jiménez, Maruxa Salas
Trapecista: Cristina Calleja
Escenografía: Silvia Kuchinow
Día y lugar: 6 de mayo, Casa de las Artes (Laguna de Duero, Valladolid)

Desde el 5 de mayo y hasta el 19 de junio, los geniales e incomparables Santiago Molero y Rulo Pardo (o viceversa) acamparán en el Teatro Lara de Madrid para representar “El título de este espectáculo no es mi madre”.

Dicho así, el título resulta cuanto menos distinto y desconcertante y, en ese sentido, refleja fielmente el resultado final del espectáculo, algo diferente de principio a fin, desternillante, alocado, estimulante, lleno de efectos visuales imposibles, cambios vertiginosos de personajes y toques de humor inteligente y absurdo en cada frase (a partes iguales, diría yo).

Este espectáculo (porque llamarlo obra no describe todo lo que se siente y se cuenta) narra la historia de Marco, un hombre que acaba de morir y que se encuentra inmerso en el proceso de la reencarnación. Para ello, deberá despojarse de lo más valioso que tiene, el recuerdo del gran amor de su vida, su querida Michelle.

Pero Marco, el vagabundo del ultra mundo, atraviesa desesperado el limbo de punta a punta buscando una salida, una puerta que le devuelva con su amada. En lugar de eso, se topará con un elenco de personajes de lo más extravagante y se enfrentará a innumerables situaciones bastante surrealistas de las que sale más o menos airoso, mientras el tiempo se le va agotando.

Una puerta parlante, una rata muy particular que todos conoceréis, unos muertos muy vivos que deambulan buscando no se sabe qué, y el propio Marco, que es en sí mismo el más surrealista de los personajes, una especie de zombie a lo “thriller” que protagoniza un texto magnífico y tremendamente paranoico (por eso nos gustan).

Si a esto le sumamos una banda sonora muy bien escogida, algún elemento de musical muy bien salvado por Sexpeare, algo de mimo, algún homenaje emotivo, y dos actores que se dejan el aliento en cada escena, el resultado es inverosímil pero increíblemente potente.

Tal y como dice la voz en off después de la hora y media de risas constantes y sonoras: No sabemos si la muerte es así, si la vida no es asá, si el limbo existe o si tan solo es un baile…pero de lo único que estamos totalmente seguros es que “El título de este espectáculo no es mi madre.”

A los amantes del absurdo, a los seguidores de los grandes del humor, a todo aquel que quiera una buena dosis de risas y sorpresas, a todos, muy recomendable.

Sexpeare en el Teatro Lara

• Del 5 de mayo al 19 de junio
• Corredera Baja de San Pablo, 15 (Madrid)
• Entradas en Ticketea.com

www.youtube.com/watch?v=B7amaIigpw8

Cirque du Soleil es una empresa de entretenimiento canadiense creada en 1984 por los ex artistas callejeros Guy Laliberté y Daniel Gauthier. Sus peculiaridades residen en su enfoque teatral basado en personajes, y en que no incluyen animales en sus espectáculos, por lo que se ha definido como ‘circo contemporáneo’. Con el lema Invocar-Provocar-Evocar, cada representación ofrece un repertorio de distintos estilos circenses de todo el mundo, y busca conectar al público con el arte escénico a través de recursos como los artistas y la música en vivo.

Sus espectáculos han recibido diversos reconocimientos, el más significativo el del público que los abarrota. Y es que disfrutar de un espectáculo del Circo del Sol es una experiencia única. Pocas propuestas tienen su majestuosidad y producen un embelesamiento casi absoluto en la audiencia. Hace años que lo vi por primera vez, cuando trajeron a España Alegría, una propuesta creada para conmemorar su décimo aniversario, y no puedo negar que, si bien estaba deseando volver a verlo, tenía el presentimiento de que no me impresionaría tanto. Pues bien, me equivoqué de todas, todas, y de nuevo hubo momentos de la representación en los que la emoción se agarró a mi estómago.

Corteo, ‘cortejo’ en italiano, es un desfile con tono festivo, carnavalesco, producto de la imaginación de un payaso, que representa su propio funeral. A través de una sucesión de contrastes (lo grande y lo pequeño, la diversión y la tragedia, la perfección y la imperfección…), la propuesta habla de un tema atemporal y recurrente, la fuerza y la debilidad del hombre, a través de las emotivas y polifónicas voces de los artistas y de los espectaculares y aparentemente imposibles movimientos de los acróbatas. La música, a ratos lírica y a ratos pícara, nos brinda una celebración atemporal en la que lo ilusorio se burla de lo real.

Todo el espacio está dividido en dos por una soberbia cortina semitransparente de Jean Rabasse en la que se representa la procesión de Corteo, inspirada en un cuadro de Adolphe Willette, con influencias de Picasso, Tiepolo, Pelez y Knight. Cuando esta desaparece se produce un efecto curioso, el público se enfrenta como en un espejo, con el escenario en medio; escenario que, además, gracias a su movimiento rotatorio favorece la visibilidad desde todos los ángulos. Particularmente llamativos en escena fueron los enormes candelabros en los que antiguas enamoradas del fallecido realizaron acrobacias recién comenzado el espectáculo. Del conjunto de números resulta difícil resaltar unos sobre otros, sino es atendiendo al gusto personal. En general, todos sobresalieron por su planteamiento y su desarrollo y en ellos destacó la coordinación, la delicadeza y la armonía, con una intensidad in crescendo.

Poco puedo añadir de este espectáculo más que animar a ir a los que todavía no lo habéis visto. Todos los detalles se pueden consultar en su web: Espectáculo en gira del Cirque du Soleil.

Desde la prehistoria hasta la actualidad, los textos han ido poco a poco mutando sus soportes, adecuándose a los diferentes momentos y circunstancias de la historia. Su historia es la nuestra, de ahí que la propuesta de Spasmo Teatro de mostrar su evolución en el día a día en la vida del hombre resultara un acierto. La obra dio comienzo con un vídeo en el que un personaje narrador que daba vida a un ebook puso en situación al espectador.

Después comenzaron los diferentes sketches: el hombre prehistórico, los egipcios, los romanos, el hombre medieval… y así hasta la actualidad se fueron sucediendo en escena y ofrecieron distintas informaciones en relación con el libro y sus suportes pero, sobre todo, protagonizaron escenas de vida cotidiana cargadas de ironía y humor, muchas veces buscados en la incorporación de elementos de otras épocas que provocaban anacronismos.

En una propuesta que, en conjunto, está bien planteada y cumple su objetivo con grandes dosis de humor, me parecieron especialmente acertados y divertidos los sketches situados en el Egipto y la Roma antiguos y en la Edad Media. A lo largo de las diferentes escenas pudimos también ver homenajes a grandes películas como Tiburón (que en este caso lo encarnaba un cocodrilo) o Star Wars; también a canciones míticas como el ‘New York, New York’ de Sinatra o ‘Born to be wild’ de Easy Rider; incluso a obras magnas de la literatura como El Quijote.

Los actores Jesús Martín, Vicente Martín, Álvaro Sánchez, José G. Sánchez e Isaac Tapia utilizaron gran variedad de recursos dramáticos y escénicos para meterse en la piel de multitud de personajes; se mostraron muy cómplices y atrevidos, en ocasiones, incluso, irreverentes; y tengo la impresión de que, en algunos momentos, tuvieron que hacer maravillas para el algo escaso escenario no desmereciera el resultado. Por todo ello, recibieron un sincero y cálido reconocimiento del público asistente al final de la representación.

El estreno no pudo tener mejor escenario que Urueña, Villa del Libro; en concreto, la maravillosa Ermita de Nuestra Señora de la Anunciada del primer románico, situada fuera del recinto amurallado de la población, abajo, en el valle. En la producción, enmarcada en el Programa Territorio ebook de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, han colaborado el Ayuntamiento de Salamanca a través de la Fundación Salamanca Ciudad de Saberes, la Diputación de Salamanca a través del Departamento de Cultura, la Junta de Castilla y León y USAL TV.

Fotografías cedidas por Olga Sánchez Pérez.