No sé por donde empezar

Temas de Lapido y 091 se fueron intercalando en la noche vallisoletana, El Espantapájaros no faltó.

Tras la antesala del dolor nos encontramos con el primer bis de la noche, donde el curateto interpretó Nubes con forma de pistola. Hasta entonces amplio repaso a temas De sombras y sueños, último trabajo hasta la fecha del poeta électrico. Lapido tiene medio preparadas las canciones de su nuevo disco, falta terminarlas con la banda, hay planes para meterse en estudio en verano y así a final de año tener nuevo disco.

Hubo momento para un segundo bis en el que para poner broche final (y de lujo) a la noche con la interpretación del gran tema de 091, La Torre de la vela. Y claro que sabemos donde buscar al Maestro, sobre los escenarios y bien acompañado por su gran banda.

Gran concierto de 2 horas de duración, donde Lapido dio lo mejor de si y no brindó una gran noche. Lástima que tan solo algo más de un centenar de personas disfrutásemos de ello.

Hace un par de años que Eleanor pasó por la Moby con Fiery Furnaces, pero su nuevo trabajo obligaba a ver como se defendía fuera del entorno familiar, cómo se desenvuelve con sus propias armas, en una sala que fue alcanzando un tímido lleno y donde se metió en el bolsillo a los allí presentes desde los primeros acordes de una versionada ‘My Mistakes‘.

La de Brooklyn se separa de anteriores sonideros ( algo hay remanente, en su forma de interpretar) pero logra alcanzar un punto de inflexión en el papel de solista femenina , y la dota de una personalidad propia con la sobresale por encima de otras songwriters al uso.

La chiquilla va con ganas y tiene nuevo material que intercarlar entre las canciones de su primer trabajo, así nos mantuvo entretenidos con ‘I Don´t Want To Bother You’ , tema inédito que la acerca a raíces más country. Las letras y melodías tienen un papel fundamental en la nueva etapa de Eleanor, así se respaldó de su banda (batería,bajo y guitarra para la ocasión) para firmar un paraiso nocturno donde la cantante brillaba con luz propia . Eleanor cantaba a la tristeza con ‘I Will Never Be Happy Again‘ o nos introducía en su vertiente más funk con ‘Roosevelt Island‘ momentazo del directo sin lugar a dudas, donde el espíritu más bailongo afloraba en la banda.   Antes de ‘Glitter Gold Year‘ nos adelantaba otro nuevo corte, ‘Trying Not To Stare At The Sun‘ , mirada al infinito y bajista concentrado sobremanera . Cambio de ritmo y una cruda e impecable interpretación de ‘There Are Other Boys Too‘ . Movimientos tectónicos de bajo nivel que aumentaría con ‘Early Earthquake’. Cabe destacar la transformación en directo de la mayoría de temas de su álbum, donde toman vida y pueden mutar según los estados de ánimo, sonando mucho más intensos y despistando al espectador , demostrando una vez más la cuidada experimentación a la que somete sus temas .

‘Scenes from Bensonhurst’, que  se retroalimentaba en unas cuerdas embravecidas , acelerandose sobremanera, golpeándonos plácidamente, e ‘Inn Of The Seventh Ray’ daban paso a la despedida con  , ‘I Won´t Fall Apart On You’ .Un repertorio elegante, y enriquecido, para deleite de fans y para tapar bocas a los que pensaban iba a tocar 30 minutos escasos.

Volvió de manera solitaria a los bises, para después reunir a la banda e interpretar una versión de Bob Dylan , ‘ True Love Tends To Forget‘. Pero la guinda la puso un nuevo rescate de ‘My Mistakes’, coros remolones entre el público y una revitalización de la figura rockera femenina que salió engrandecida.

Admito mi desconocimiento de los franceses Mars Red Sky y haber escuchado puntualmente a Karma To Burn, fundamentalmente al principio cuando se trataba de un grupo vocal, pero debía ser el único ignorante porque el pequeño recinto estaba lleno hasta la puerta de gente venida de muchos puntos del norte de España (Gallegos, Asturianos…) y de toda la comunidad, que se entregaron desde el principio a esta experiencia de música del desierto.

Problemas sobre compartir el backline produjeron que el concierto empezara con algo de retraso, no muy habitual en el Belfast, así que con muy poco espacio para moverse los Mars Red Sky comenzaban a desgranar las canciones de su disco Emergence con un sonido muy etéreo y atmosférico, voces que parecían salir del coro de una catedral y un juego de efectos de sonido en la guitarra que obligaban al pequeño vocalista a hacer auténticos malabares con los pies para activar y desactivar varios al mismo tiempo. Su montaje sonoro es complejo pero se desenvuelven en él con aparente sencillez y consiguen transmitir una sensación de paz muy inquietante. Strong Reflection (que tiene un clip apropiadamente grabado en Las Bárdenas Reales) y Curse fueron los temas que más me gustaron, no se limitan a repetir patrones rítmicos sino que van incorporando cambios de dinámicas musicales y breaks que enriquecen la audición, además el contraste de las afinaciones ultra graves con la voz aguda y cristalina de Julien Pras forman un contrapunto diferenciador. Gran sorpresa y unos “invitados” de auténtico lujo.

Probablemente si Karma To Burn hubieran aceptado compartir backline hubieramos visto aún un concierto más potente. Pero tener que desmontar todo para instalar su sencillísimo equipo (dos amplis sin ningún pedal ni efecto y una batería sin grandes alardes) hizo que el sonido inicial no fuera de su gusto e incluso pararan tras la primera canción a cambiar alguno de los cables de la PA.

El volumen que ellos querían para tocar no era muy compatible con las características del local (Mars Red Sky con un equipo mucho más complicado sonaron muy bien) y su guitarrista Will Mecum estuvo de bastante mal humor por ello. Quizás fue este el motivo por el que apenas estuvieron tocando una hora muy justa (bis incluido) pero al menos desde los lugares en que me coloqué yo en primera fila el sonido fue demoledor.

Es impresionante la maestría de Karma To Burn para construir melodías y ritmos variados con tan pocos recursos, los temas se aceleran y frenan, cambian de dinámica, varían su intensidad y todo ello lo hacen con muy pocas modificaciones en sus patrones, probablemente se trata de talento. Además visualmente son arrebatadores. Cada uno con una estética completamente disonante sobre su compañero. Desde la imagen de motero Hell Angel de su bajista Rich Mullins al aspecto homeless del batería Rob Oswall. Todos ellos con un protagonismo equivalente en el resultado final,  mientras Mecum va iniciando canciones, no hay set lists, para que sus compañeros le sigan.

Eight sonó como un cuchillo con su ritmo roto y sus pentatónicas y los cuellos empezaron a moverse en las primeras filas para quebrarse cuando Thirty Four hizo acto de aparición y el ritmo se aceleró hasta un sonido cercano al Thrash Metal de los primeros Metallica, Fourty Seven se recibió con ovación y Thrity Six puso el punto final a un concierto en el que los que les han visto anteriormente comentaban que no lo habían dado todo mientra,s en mi primera vez, yo me llevaba la imagen de un grupo demoledor sobre el escenario. Esta banda en una sala con una audiencia más desatada podría abrir las aguas. Me los apunto en la agenda para futuras visitas. ¿Quien dijo que es necesario un cantante para transmitir la intensidad?.

Entramos en la sala. Espaciosa, perfecto. El escenario aún oscuro, en él se distingue una figura, Curro, la mascota de la Expo crucificada. La sala se empieza a llenar, se nota que son profetas en su tierra. Aparecen en el escenario Pablo, Daniel, Darío y Javier y comienza el espectáculo.

Presentan al quinto sobre el escenario, el único en la sala inmóvil durante todo el concierto. Comentan desde el escenario que están nerviosos, tocar en su tierra les infunde un gran respeto y algo de presión.

La música lisérgica empieza a sonar con La Voz del Hacha y sigue con la impresionante versión Ninja de Fuego y el fandango Lo Más Difícil del Mundo. Salvo Daniel, los demás componentes se intercambian instrumentos. Los primeros acordes de Pumare-Ho! resuenan en la sala, último reducto de tranquilidad en el casco antiguo sevillano y homenaje en forma de Reggae que la banda hace a la conocida plaza de la capital andaluza. Comienza el Salmo, para ello se acompañan de Fran Torres, Raúl Perez y Javier Mora y Fernando Mansilla de Mansilla Y Los Espías.

Era una noche especial para ellos y nos tenían reservadas más de una sorpresa. Daniel entonces nos comenta que tiene un vídeo para mostrarnos, ideado y editado por él esa misma mañana, con el que potenciaría el turismo en la Semana Santa de la ciudad. Aparece entonces la controvertida Torre Pelli sevillana todavía en construcción. Su propuesta es muy simple: lanzar ‘cristos crucificados’ en ala delta desde la última planta, la 40. Las risas de todos los asistentes estallan en la sala.

Momento álgido de la noche, uno de los temas más conocidos de la banda, su Noche de Setas. Otro homenaje más, éste con un ligero toque de ironía a Teddy Bautista, Super-broker, a lo que responde el público de la sala, con no menos ironía, jaleando al protagonista de la canción, Teddy, Teddy, Teddy…. Suenan además, Mangosta, Hipnosis Groove y Fullero.

Aparecen imágenes del Papa en su visita a Madrid por la Jornada Mundial de la Juventud. Y ya sabemos lo que nos espera: el éxtasis, la locura. Pocas canciones tan adictivas como ésta, se te pega como un chicle. Intuíamos que ya quedaba poco. Con El Rayo, segunda canción de Si Bajo de Espalda No Me Da Miedo y El Campo Fui Yo se despiden.

Vuelven a salir al escenario para los bises, y suenan Trinchera y China Da Miedo. Como punto y final, otra sorpresa, la última, la presentación de una de las canciones de lo que será su tercer disco, Mi DNI, un rap, ya lo que les faltaba por incluir en su repertorio, ¡Qué máquinas!

Textos y Fotos: Sierra Ramos

Y es que ni siquiera el precio de las entradas (50 euros en Madrid y hasta 70 en Bilbao con merchandising a partir de 30 euros la camiseta) supusieron un obstáculo para que James Taylor colgara el cartel de “no hay billetes” en ambas citas y apabullara con su sencillo montaje y su timbre de voz suave a un público que ya acudía de antemano con la bandera blanca enarbolada.

Audiencias que nunca volverán a cumplir los 35, muchas parejas, fotógrafos y prensa situados a distancia del protagonista para no molestarle y silencio respetuoso (y reclamado vehementemente si alguien se atrevía a saltárselo)  solo interrumpido cuando terminaba cada interpretación y la ovación hacía aparición para un Taylor que acompañado por tres músicos (batería, bajo y un teclista que puntualmente agarraba tanto el acordeón como una flauta) permaneció sentado con su acústica en el frente del escenario salvo cuando se colgó una Telecaster que obró el milagro de levantarle de la misma para rockear (si señores, Taylor también rockea) en clave blues mientras cantaba Steamroller ,solo de armónica incluido, o en Slap Leather, únicas excepciones a un cancionero que se centró en sus piezas más conocidas y que en ningún momento se desmadró en velocidad o volumen.

Blossom y Sunny Skies abrieron la noche con Taylor en solitario en el escenario  entre las miradas de admiración de la concurrencia pero en cuanto sonó Carolina, ya con los músicos sobre el escenario, el primer estruendo de la velada hizo aparición y llevó de la mano a los presentes hasta Walking Man que demostró a la banda que aquí también se cantan sus canciones y que el protagonista de la noche era capaz de hacer responder a todos con mínimos estímulos visuales. La luz tenue y cálida de los focos, la pose relajada con la guitarra sobre las rodillas y el aspecto ligeramente desgarbado de James Taylor con su gorra calada hasta las orejas dejó momentos de comunión total entre público y banda como cuando toda la sala entonó el estribillo de Don´t Let Me Be Lonely o el éxtasis que supuso Sweet Baby James, de su lejano primer disco, que recogió la mayor ovacion de la noche, superior incluso que cuando sonó Country Road, con unos coros femeninos pregrabados que a punto estuvieron de tapar las voces de los presentes.

Recordó sus aventuras con The Beatles cuando presentó Something In The Way y México puso el toque más AOR. Your Smiling Face consiguió que nadie dejara de dar palmas mientras aparecían los tonos más altos del protagonista, demostrando que su voz no ha perdido un ápice de calidez ni color y personalmente creo que solo me sobró la aparición de su esposa para hacerle la réplica en la imprescindible You´ve Got A Friend, quizás porque aún tengo la esperanza de poder ver a Carole King sobre un escenario algún día.

En total algo más de hora y media de folk rock de calidad, de tradición musical americana con el country como telón de fondo y con la sencillez de quien no necesita grandes artificios para llevarse a casi 3000 personas por delante. No creo que a ninguno de los allí presentes, visto lo vivido, les pareciera cara la entrada a tenor de las caras de satisfacción que se veían mientras abandonaban La Riviera e incluso a mi me sentó bien este relajante muscular después de que apenas 20 horas antes los salvajes Karma To Burn casi hicieran que me dislocara varias vértebras en su concierto en el Belfast paramés. Imagino que en la variedad (de calidad) está el gusto.

Ya en la noche, en la sala MY WAY!, rodeado de un ambiente juvenil y tortolitos, comenzaba la velada con un artista local. Pasión Eventos había preparado un inicio especial con Bicycle Thief, el proyecto personal de David Vila. Durante aproximandamente tres cuartos de hora, David se entregó a la causa y nos deleitó con temas de su disco Notch como fueron  ‘The Light’, ‘Turtles&Birds’, ‘Grace’ y ‘I don´t know’ y alguna que otra versión interesante como ‘Ooh La’ de The Kooks. Esta vez no lo hacía solo. Le acompañaban batería(Diego Herrero) y bajo (David Martín ‘Dino’) aunque por momentos, se bastaba el propio David sobre el escenario acompañado de su guitarra o de su teclado. Alegre,  arreglado, con desparpajo y estilo podríamos calificar tanto a Bicycle Thief como a su música.

Tras el grupo inicial y ante aproximadamente doscientas personas, le tocaba el turno a Anni B. Sweet. No lo hacía sola, venía con la banda al completo. (Bajo, guitarra, teclado y batería) A la cabeza de todos ellos, se eregía un rostro conocido, Manuel Cabezalí (cantante de Havalina entre otras formaciones)

El concierto comenzó con dos canciones de corte íntimo y tranquilo desu nuevo disco, ‘Gone if i close my eyes’ y ‘Missing a strange’. Fue en la tercera canción, ‘Catastrophe of love‘ cuando cogió el microfono para presentarse e intercambiar charlas con el público. ‘A sarcastic hello’ y ‘Motorway’ fueron los primeros temas en aparecer del anterior disco. El siempre simpático tema ‘Oh i Oh Oh i’ fue otro de los  más coreados, pero en mi opinión, ‘Getting older’ se llevó el premio a la mejor canción de la noche, bordando casi la perfección con esos desgarros vocales. Y es que Anni tiene una afinación y un control vocal exquisito. ‘Monsters’, otro de los temas de su nuevo álbum, fue la última canción justo antes de retirarse al camerino. A su vuelta y ya en el momento de los bises, nos deleitó con temas como ‘Second hand‘, ‘Someone else’ y ‘Tumbado en mi moqueta azul’ uno de los temas con más sentimiento de su anterior disco. ‘Remember today’ y el acústico en solitario de ‘Shiny days’ sirvieron para cerrar una noche coqueta, dulce e intimista. Buen sonido, buen directo y buen setlist para la primera actuación de su nueva gira donde tocaron hasta doce de las catorce canciones que componen su nuevo álbum Oh, Monsters (Subterfuge).

En este nuevo disco, la cantante malagueña hace un guiño a la oscuridad, a la tristeza. Las letras de sus canciones así lo atestiguan, sin embargo, su dulce voz angelical la delata, ya que sigue emocionando y encandilando al personal más que nunca. Podrá tener más guitarra en directo, más distorsión, pero cuando Anni pone a trabajar a sus cuerdas vocales, no hacen falta más instrumentos sobre el escenario.

Quien más y quien menos ya sabe que Jero consiguío un mecenazgo que le permitió financiar su álbum en solitario en apenas 24 horas mediante crowdfunding , y eso tiene que calar muy hondo en una persona como es él.

Su puesta en largo en la capital vino de manos de Heineken Music Selector en el madrileño Teatro Kapital el pasado mes de Abril. Jero salió respaldado del incansable Charlie Bautista, fiel segundo de a bordo en directo y que llevó en su peso, apoyo, coros y percusión de modo impecable, así como del resto de la banda, Nacho García, Amable Rodríguez  y Alfonso Ferrer.

Y salió Jero, con su característico guitarréo…”Nadie hablaba de mí, no fui motivo de nada, te lo digo a la cara, te lo digo a la cara . Siempre me oigo decir, porque yo y porque a mí, pero nunca digo nada, nunca digo nada…he estado pensando y quizás fui yo… el que se lo buscó…” Con unas tímidas estrofas inéditas, la banda enlazaba con ‘Señor Gigante‘. Las primeras notas ya activaron a un público que se sabía (la mayoría ) al dedillo las canciones del toledano y compañía. Una sensación de compenetración que se hizo inminente para y con la banda, así la piel se te podía erizar mientras gritabas el estribillo de ‘Haciendo Eses’ y lo fundíamos acompañando a Jero en ‘Las Leves‘ , desenfundando un arsenal instrumental donde la belleza de lo simple esconde tantos ‘leves’ detalles que hacen de cada tema una delicada caricia en clave de sol.

Alguno pensaba que Jero se liquidaría el disco en un directo breve y calculado a raíz de los 12 temas que componen su debut, pues lejos de ello pudimos disfrutar de nuevas composiciones, como ‘Narciso’ o ‘Pensaba’ , tema éste último que dedico a sus mecenas, tema que además no está disponible en ‘Cabeza De León’ pero del que pudieron disfrutar los padrinos del señor Romero , detallazo con el corazón.

El ritmo volvío a su cauce esbozando sonrisas en la interpretación de ‘Reloj De Sol‘ o llevándonos a relajarnos en ‘Ya Te Lo Decía Yo’ , cabe volver a repetir la lógica imperante del bautismo de fuego de Jero en la Kapital, los coros por parte del público fueron en todo momento el sexto componente de la banda, aupando su éxito en todo momento.  ’Correcto‘ junto a ‘Cabeza De León‘  fueron unos de los temas más celebrados, y es que sus historias nos llevan a cualquiera de nosotros a compartir protagonismo, y durante su directo, a convertinos junto a la banda en esos trovadores de una agridulce melancolía.

‘Devolverte‘ volvío a meternos en el cuerpo el ritmillo que siguió con ‘No Hay‘ donde el resto de la banda acompañó precisamente a los coros, muy rancheros e infundiendo buen rollito. El fin del directo sucedió con el fundido del disco , formado por el combo ‘Desinhibida’ y una alargada ‘El As’ que desencadenó el aplauso masivo de los congregados.

Hubo ocasión de bises, y nos invitó a bailar arrejuntadicos su ‘Vals Equilibrado’, pero el más equilibrista de los hombres no se cayó, el día que con su legión de fans, se tropezó.  Para finalizar, tras ‘Túmbate’ , versionaza de Los Mitos, declaración de intenciones para todos en esta época, ‘Es Muy Fácil’. Es tan fácil hacernos salir con una sonrisa de un directo, como gritaban desde la multitud, ¡gracias caballero!

Fotos cortesía Heineken Pro. Fotógrafo : Marian Gumà

Así que nos juntamos bastante pocos en la Sala Porta Caeli de Valladolid para mostrar nuestros respetos al músico de Alabama y escuchar las canciones de su fantástico nuevo trabajo Till The Wheels Fall Off pero, como me dijo el responsable de la Porta, “no se porque pero estos conciertos al final son los que mejor salen” y vaya si tenía razón el bueno de Carlos porque desde que Bob pisó el escenario con su chaleco de Pentagram y acercándose al micro nos dijo “me da igual que seáis cinco o quinientos, vamos a hacer el set completo” quedó claro que durante las casi dos horas siguientes nos trasladábamos todos al garito más duro del sur de los USA con la combinación de música y actitud punk rock con la tradición más pura de los Cash, Willie Nelson o Kris Kristofferson (con quién le compara de manera obvia la prensa).

Arrancó con el tema título Till The Wheels Fall Out con su sonido de locomotora y esa fue precisamente la sensación que dejó una banda que fue la protagonista de la noche por su calidad, desde su joven y tatuado contrabajista punk Jared McGovern a sobre todo su violinista Liz Sloan, el dulce contrapunto de fragilidad en una banda con imagen de tipos duros, que a pesar de encontrarse enferma realizó un trabajo soberbio, y su increible guitarrista Ryan Clackner, un auténtico guitar hero que manejó su instrumento a una velocidad endiablada más propia de un amante del shred que de un músico country.

No tardaron en caer muchas de las canciones más esperadas como la espectacular Driven By Demons, un single perfecto, la más tradicional Devil´s Son, There Ain’t No Diesel Trucks in Heaven (un título glorioso para una canción), las más tranquilas Love Songs Suck, My Friends o Everything Is Legal In Alabama, donde a pesar de romper una cuerda el frenético ritmo no dio pausa para el cambio y continuó con solo cinco.

También estuvieron presentes el tema que hizo a dúo con su mentor Hank Williams III Workin Man y la más cañera Fuck The Law (middle finger incluido) para dejar claro que aunque su estilo se agarra al legado de Johnny Cash no es solo su estética la que deja fitrar otras maneras, desde el punk a la oscuridad rockera de Black Sabbath, sino que la manera de afrontar tanto las composiciones como su ritmo de vida le emparentan de manera más cercana al lado más oscuro de la música de la misma manera que ya nadie se extraña de que Hank III figure en la formación de Superjoint Ritual.

Spread My Ashes On The Highway fue uno de los momentos más especiales con la presentación de la banda y la manifestación de las últimas voluntades de cada uno de sus miembros. Obviamente Bob Wayne eligió para su final reposar en la carretera, el lugar en el que habita en su ritmo de conciertos infernal (además ejerce de chófer de la furgoneta de la banda)  y que es la fuente de inspiración de sus canciones. Seguro que su próxima gira por nuestro país, que la habrá, hará que consiga una repercusión mayor, como lo ha conseguido  con respecto a la del año pasado, ya que aunque su propuesta musical puede parecer lejana a nuestro país su arrebatadora actitud consigue granjearse el favor de los que le conocen. A Wayne le quedan muchas historias aún por contar. Como el mismo dice de manera incesante HELL YEAH!!

No os perdáis en las próximas semanas el acústico exclusivo que Bob Wayne grabó para www.acordesurbanos.com

Pasadas las diez de la noche, aquello de El Fin Del Mundo que We Are Standard habían predicado parecía lo menos importante. Que se fuera al carajo. Que nos fuéramos bailando. Por si acaso, Deu Txakartegi –el frontman de los de Getxo– apareció trajeado y desenfadado, por si a Los Mayas les diera por aparecer por allí, que pudiera recibirles con sus mejores galas. Como el chiste del amigo borracho en su funeral, We Are Standard querían acabar sus días de la mejor de las maneras posibles. Y para ello, además, contaron con acompañantes de lujo: el coro gospel The Afro Sisters y los vientos de Victory Trumpets. Por si fuera poco. El pistoletazo de salida lo dieron con ‘The Good Ones’ y ya no pararon. Y es que la carrera de los vascos está llena de hits y canciones redondas. Y por eso pueden lanzar ‘Other Lips, Other Kisses’, ‘Summer’, ‘Let’s Say I’m In Love’ o ‘Last Time’ sin dejar tiempo para respirar, una tras otra, minando las fuerzas del oponente.

Con los ánimos calientes, el punto álgido llegó con ’07:45 (Bring Me Back Home)’ –dichoso single de su último EP ‘Great State’ que aún no nos hemos sacado de la cabeza–, bañados de confeti, empapados y sudorosos. Aún habría tiempo para cuatro temas más, en ese apoteósico final con ‘Don’t Let The Children Play Around’ y ‘On The Floor’, dinamita para El Final De Nuestros Días. Entonces, vítores y silencio de Celebración. Todo había acabado allí pero, afortunadamente, pudimos contarlo. Y así hasta el próximo Fin Del Mundo. ¡Viva!

En esta ocasión la gira se debe a su recientísimo disco Long Black Cars (Moshi Moshi Records – 2012), que mantiene la tónica a la que nos tienen habituados: la voz rota y a veces estridente de David, canciones divertidas y que entran fácilmente tanto a la primera escucha como en la décima y guitarreos de quitarse el sombrero. Cinco discos marcando sin salirse de los bordes del camino que han venido marcando pero rellenándolo a más no poder. No es de extrañar que para su concierto en la sala El Sol les esperara una turba de seguidores ansiosos de probar una vez más las mieles de su directo.

Lunes por la noche, el concierto empieza tarde, pero no hay teloneros, tal vez no nos vayamos demasiado tarde a la cama, que al día siguiente toca madrugar. Eso es lo que se podía pensar en un principio, pero más adelante veremos que The Wave Pictures no están hechos para convencionalismos. Nada mejor que una sala a reventar para animarlos y que den lo mejor de sí mismos, ya sea interpretando sus antiguos temas como presentando los nuevos. Se les nota en la actitud que las distancias cortas es lo que les gusta, incluso Franic Rozycki, bajista, tímido comparado con sus compañeros. Su lugar está en un escenario a pocos metros del público, como dicen ellos, mucho mejor que actuar en festivales. Y así lo demostraron, con un show de dos horazas que podría hacerse eterno contando con que su repertorio no es muy variado, pero tal es la calidad y el buen hacer que demuestran en directo que aún con esa duración consiguen que quieras más al terminar.

Solo puedo reprochar que no sonasen ciertos cortes con los que los descubrimos, como la omnipresente Leave That Scene Behind o Kiss Me, pero gracias a gemas pulidas pero rugosas como Stay Here & Take Care Of The Chickens o Give Me A Second Chance, de su último disco, la morriña desaparece completamente. Especial mención a lo bien que suena en directo Spaguetti, con más cuerpo y alegría que en la grabación, a los incesantes y alargados solos de guitarra de David, que siempre consiguen dejarnos con la boca abierta. Dar las gracias al batería Jonny Helm, que no pierde ocasión de levantarse de sus percusiones y ponerse delante del micro para deleitarnos con una balada. Gracias a Franic por sorprendernos con solos de bajo (yeah), que no serán como los de su compañero de las seis cuerdas pero no tienen nada que envidiar. No voy a recitar todo el setlist, más que nada porque no me acuerdo, pero lo de estos simpáticos ingleses no tiene nombre, tanto en los momentos álgidos como Just Like A Drummer o Strange Fruit Of David, como en los pasajes calmados como American Boom, desprenden un halo de frescura y dinamismo que pocos pueden igualar. Solo faltó el regalo que suelen hacer en forma de canciones sin micro para hacerlo redondo.

Para 2013 nuevo disco y gira. La verdad es que no lo se, pero esa es la trayectoria que llevan, y que dure muchos muchos años.

Así, empapados por la lluvia, nos presentamos en la Sala Bikini de Barcelona, donde pasados unos minutos de las 21h salía al escenario Dani Poveda, de Gentle Music Men, que abría la noche con su guitarra acústica. Empezó tocando temas de su nuevo trabajo, incluso algunas novedades en las que alternó el inglés y el castellano con comodidad. Algunas veces se echaba en falta la compañía de su banda y las canciones, aunque redondas, perdían intención. Como él mismo dijo al tocar un tema totalmente nuevo “si os imagináis lo que yo imagino todo queda mucho mas bonito”.

Tras unos 25 minutos de actuación Dani se despedía y dejaba paso a Maika y su banda.

Empezó sonando como introducción These Boots Are Made For Walking de Nancy Sinatra, muy apropiado. Los músicos aparecieron y Maika tras ellos, una vez en sus puestos la primera canción fue Language del nuevo disco, con Maika al piano, JC Luque al bajo, David Martínez a la batería y Oskar Benas a la guitarra. La sala estaba casi llena y el sonido acompañaba.

La primera parte del concierto fue una sucesión de temas del disco nuevo impecablemente tocados. Causaron sorpresa en los que, como yo, no lo habíamos escuchado todavía. Es la otra cara de Maika Makovski, dejando a un lado la faceta oscura de su trabajo anterior nos presentó temas llenos de vida, alegres y divertidos. Como broma hablamos de Maika meets Bee Gees como título alternativo al disco, por algunos coros en falsete de Oskar Benas. Sigue siendo Maika, es inconfundible la calidad de las canciones, el sonido contundente y su voz, pero se ha renovado sin perder una gota de encanto.

Mediado el concierto (de aproximadamente hora y media de duración en total) se produjo un momento de esos que llaman “mágicos”. Maika se quedó sola en el escenario con su guitarra y cantó Song of distance, donde en absoluto silencio escuchamos atónitos una sencilla guitarra y su voz. Quien no haya visto un directo de Maika Makovski quizá no entienda de lo que hablo, pero yo no he visto muchas voces así fuera de los grandes teatros clásicos, mucho menos cantando Rock and Roll. Da gusto la perfección con la que canta, la intensidad y la potencia que genera con los agudos de “romper copas” pero perfectamente controlados. La ovación fue tan intensa como el tema.

A partir de aquí y con la banda de regreso en las tablas el concierto tomó un tinte mucho mas oscuro, venía la Maika anterior que tanto me gusta, con su guitarra y bastantes de esas canciones densas, casi violentas, que formaban su disco anterior. Empezó la guerra, momentos delicados y momentos de una intensidad casi mas propia de un grupo de garaje o de punk que se solapaban a la perfección, con la banda haciendo sonar todo perfecto y el guitarrista inspiradísimo con el slide.

En una pequeña pausa entre canciones el público se arrancó a cantar un “cumpleaños feliz” a la artista, que no pudo evitar reirse y agradecer el enorme ramo de flores que le regalaron, como ella dijo mas tarde fue una celebración de cumpleaños estupenda.

El concierto tocaba a su fin, en teoría, y con un inmenso Lava Love los Makovskis dejaron el escenario.

Tras un rato de merecidos aplausos llegó el turno de los primeros bises, dos temas mas que parecía que ponían el broche al concierto con Ruled by Mars, pero la gente estaba entregada, celebrábamos un cumpleaños y jugaban en casa. Había que hacer algo especial, y Maika quiso tocar un tema que estaba terminando de componer, novedad absoluta. Empezó con el piano y a media canción el batería se incorporó al ritmo. ¡El tema promete!

Como colofón The deadly potion of pasion y una sensación inmejorable tras el concierto. Hacen falta mas artistas de este calibre, cantantes que cantan y músicos que tocan.

Se ha dicho en esta web muchas veces, pero no va mal recordarlo. Si tenéis oportunidad id a ver a Maika Makovski en directo, no defrauda.

Pablo Giral.

El Centro Cultural Miguel Delibes se convirtió en la noche del sábado, en un auténtico hervidero de fans lesbianos. Había ganas de verles… sobre todo aquí. Fue el ciclo de Conciertos de Valladolindie, quien pudo brindar esa posiblidad a las más de 1.200 personas que abarrotaron el auditorio. (Sí, 1200 personas en un concierto de música alternativa en Valladolid. Sold out y Olé). La sala sinfónica, lugar culto y celestial por donde han pasado las grandes orquestas nacionales e internacionales, fue ultrajada por unos locos lesbianos que inciendiaron a las masas con su pócima musical.  A parte del sonido, que no fue todo lo bueno que se esperaba, el único ‘pero’ que podría ponerse al concierto, fueron las butacas que copaban todos y cada uno de los sitios del patio central. Era raro ver a tanta gente sentada esperando un concierto de Love of lesbian. El problema  se esfumó en los treinta primeros segundos de concierto. En cuanto aparecieron sobre el escenario el sexteto catalán, las masas se levantaron y corrieron a ocupar de pie las primeras filas donde poder cantar, bailar y saltar agusto todas las canciones.

Ahi estaban ya. Se apagaron los nervios y se encendieron las ilusiones en las caras de la gente al verlos tocar otra vez. Comenzaron con ‘Nadie por las calles’ un nuevo tema de su próximo disco que verá la luz en el mes de mayo. Tras esta primera canción desconocida para el público, Santi Balmes agarró el micrófono para dirigirse al público vallisoletano. Había expectación por sus palabras y efectivamente, no defraudaron a nadie. “Somos Love of Lesbian y teníamos una cuenta pendiente en Valladolid, teníamos muchas ganas de volver”. Con esta frase, Santi cerraba el capítulo amargo que se vivió el año pasado cuando tras su caída fortuita tras lanzarse al público en su concierto del sábado, tuvieron que cancelar el concierto programado para la jornada del domingo. Aplauso unánime del público y el concierto seguía su curso normal. ‘El hombre invisible’ en mi opinión,  la canción mas movida y que aporta algo diferente de las tres canciones elegida por la banda como adelanto público del disco, fue la siguiente en ser interpretada. Para sorpresa del que les narra y sobretodo del propio grupo, gran parte del público ya se sabía de ‘pe a pa’ la letra de la canción… ¡En menos de una semana!.  ‘Seres únicos’, otra de las canciones adelanto del disco, siguió a su compañera  y fue la siguiente en salir. Tras las novedades de la moda primavera-verano, la banda comenzó a tirar de temas de sus anteriores trabajos. ‘Noches reversibles’, ‘Niña imantada’, ‘Domingo astromántico’, ‘Segundo asalto’, ‘Los colores de una sombra’ y ‘Música de ascensores’ sirvieron para dos cosas, para que el público reviviera cuando realizaba ‘Maniobras de escapismo’(2005) mientras contaba ‘Cuentos chinos para niños del Japón’(2007) durante el año ’1999′ (2009) y para denotar que pase el tiempo que pase, estos chicos siguen en excelente forma.

Tras este regreso al pasado, volvieron a la carga con nuevos temas inéditos de su cuarto disco en castellano ‘La noche eterna.Los días no vividos’. ‘Wio’ y ‘Los días no vividos’ son dos canciones de sentimiento, lentas y muy intimistas como nos tienen acostumbrados, pero que puestas seguidas una de la otra en escena,  rompen la cadencia asecendente del concierto. ‘Saldremos de esta’ otra de las nuevas, contempla un poco más de ritmo, pero en mi opinión, es la más floja de todo el nuevo repertorio que trae la banda. LLegados a este punto, faltaba un toque especial y parece que los lesbianos lo intuyeron. Así, Santi Balmes convirtió el momento ‘Allí donde solíamos gritar’ en uno de los más mágicos de la noche. Tono suave, guitarra acústica y mucho sentimiento para poner los pelos como escarpias al público que los miraba sin pestañear.  ‘Las malas lenguas’ otro de los temas de éxito anteriores y ‘Belice’ un tema muy ‘eurovisivo’ con mucha electrónica de base, pusieron el colofón a esta fase del concierto.

Parón para coger fuerzas y vuelta al ruedo. En ese momento la sintonía entre público y grupo alcanzó un punto máximo cuando desde la banda, comenzaron a entonar un “Tirate de la moto… de la moto tirate…” que entre risas, fue respondido por su protagonista, Santi Balmes, con un ” Malditos seais, cabrones…” rompiendo así los resquicios  de hielo que aún pudieran quedar. Para sorpresa de todos, salieron Jordi y Santi solos al escenario. Tenía pinta de monólogo pero no lo fue. Fue algo más divertido y en sintonía con el grupo. Se marcaron un ‘Electoplasta’ estilo Rajoy donde repasaron la actualidad política nacional  sacando las carcajadas de todos los presentes. Estoy convencido que estos chicos como humoristas podrían ganarse la vida también.  Tras este impas, LOL volvió a la carga con toda su artillería pesada. Uno tras otro, fueron sacando los grandes éxitos de su carrera como ‘Incendios de nieve’, ‘John Boy’, ‘Me amo’, ‘Algunas plantas’ y ’1999′ haciendo las delicias de todos.

En las postrimerías del concierto, Santi Balmes volvió a recordar el incidente del año pasado haciendo hincapié en que repetían el cierre de ese concierto dedicando  así, la canción ’2009. Voy a romper las ventanas’ a todos aquellos que no pudieron asistir al concierto cancelado. Para terminar, de postre, los locos lesbianos nos regalaron la última canción de su nuevo disco. ‘Oniria’ es una canción pegadiza y de toque exquisito que gustó bastante al público.

Dos horas y cuarto después, Love of Lesbian se despedían felices del público de Valladolid. Habían cumplido y habían firmado las paces. De manera general, eché de menos sus disfraces, sus gracias sin sentido que tanto gustaban y ese desparpajo que les caracterizaba pero quizá, en esta nueva gira, hayan querido volverse más serios y dar una pequeña vuelta a su imagen. Lo iremos comprobando a lo largo de sus conciertos. A pesar de ello, Love of Lesbian en directo siguen siendo  cinematográficamente hablando, una película que toca todos los géneros, drama, comedia, acción y ciencia-ficción.  Sus nuevas canciones están ahí. Habrá a quien les guste más y a quien les guste menos pero lo que si dejaron claro estos chicos es que han vuelto con mas ganas que nunca y que van a seguir dando mucho de que hablar.

Buen concierto a pesar de las butacas, buen setlist a pesar del desconocimiento de las ocho nuevas canciones que cantaron, buena sintonía con el público a pesar del incidente del año pasado… creo que no se me olvida nada… ¡Ah si! Se tiró! Bueno, se arrimó y se dejó querer por los de las primeras filas… sin riesgos. A pesar de ello, él y su banda volaron muy alto en Valladolid.

Fotos: Juan Ignacio Sánchez (Flickr)

Zahara

El primer acto comenzó con canciones lentas como En la habitación, La mujer mayúscula y el mar, y El Universo. Entre chascarrillos y un buen rollo sobre el escenario envidiable, Zahara y Sergio continuaron con más canciones lentas como El lugar donde viene a morir el amor, Del invierno y General Sherman y cómo Sam Bell volvió de la luna, después de explicar, de forma extensa, cómo había surgido esta canción, con Sergio y ella “plagiándose”, componiendo una idea muy semejante de forma casual, ella, basándose en una historia real ya explotada, y él, huyendo más lejos, a la Luna. Así llegaron al final del bloque de canciones lentas con Camino, otro de los temas de su último disco.

Comenzó el segundo acto del concierto con Mariposas, Leñador y la mujer América, y una versión de You’re the one that I want, de Olivia Newton John en Grease; su inspiración para volverse rubia, por lo visto. Zahara no olvidó recuperar alguna de sus canciones de La fabulosa historia de… como Tú me llevas, o Funeral, para animar al público a cantar, ya que bailar era más complicado en las poco apropiadas butacas del teatro.

Sacó su lado más oscuro con Camino a L.A. -canción que nos recuerda de forma muy sospechosa a la gran colaboración Maika-Havalina en Heart Pieces Downtown, por lo que hubiera venido mejor un Manu Cabezalí que un Sergio Caffeina, que sólo toca la guitarra tímidamente-. Y después de la Z-oscura, venía la Z-indieclórica (*indieclórico: músico indie-popero que rescata una canción de algún folclórico de los 80 para su tracklist, como Niños Mutantes con Rocío Jurado o Miss Caffeina con Raphael) que lleva dentro, haciendo un cover de America de Nino Bravo.

Así llegamos al principio del final con el primer bis, elegido entre las canciones de su último disco: El caso de emergencia. Y, finalmente, el tema que la hizo famosa, Merezco, canción de la Vuelta Ciclista a España hace un par de años. Y así terminó un concierto más íntim… ¡Uy! Que se me olvida, terminó con Olor a mandarinas, una de sus antiguas –y de las mejores- canciones, ella sola, cuando ya algunos pensábamos que realmente había terminado el concierto. Y, ahora sí, así terminó un concierto más íntimo de lo habitual, sin banda, sólo Z con Sergio (aunque a más de uno nos sobraba, incluyendo también las sillas, la lámpara y el escenario). La hemos visto en la ciudad dando muy buenos conciertos tanto en solitario como con banda completa, pero el formato del concierto en la Sala Borja no es en el que más brilla, porque hay Zahara para dar y tomar.

Grises es otra de las bandas apadrinadas por Origami Records (menuda varita mágica se gastan) , quinteto que desborda energía y derrocha buen rollo en un directo que invita al zarandeo y al baile masivo. Como ya se les ha etiquetado en diversos medios, esa oscuridad grisace es justamente lo contrario que desprenden, el grupo forma a su alrededor una cúpula que radia música colorida y donde se entregaron al público madrileño que iba llenando la sala casi por completo, con la satisfacción que  a los de Zestoa les producía. ‘El Hombre Bolígrafo‘ es su primer LP y vaya si hicieron honor a su nombre, sudando tinta, temas como ‘Chicles Pegados’ , ‘El Hombre Bolígrafo’ o ‘Plástico Eléctrico’ fueron descargas electrónicas coloreadas con ese punto de inocencia pop y de travesuras musicales que derrochan. Si son uno de los grupos revelación de la temporada es por algo.

Tras ellos, unos  ansiados Summer Camp hacían escala en nuestro país, su álbum de debut ‘Welcome To Condale’ es uno de los trabajos teenager más celebrados el pasado año en Londres, el dueto formado por Elizabeth Sankey y  Jeremy Warmsley desprende un aroma a nostalgia y a vintage, a fotos gastadas y descoloridas, a películas de adolescentes ochenteras, a lo-fi encantador, un poco de todo ello tuvo cabida en su esperado directo.

El clima primaveral inundó la sala desde los primeros acordes de ‘Better Off Without You‘ , la pareja salió acompañada de un batería ( bastante transparente durante el show) y con proyecciones de esa mítica película adolescente ‘Todo En Un Día‘, con un inicio como ése ya podíamos hacernos una idea del regustillo que nos iba a ir quedando durante todo el directo.

Tras un inicio tan demoledor , dos retro-trallazos como son ‘Round The Moon’ y ‘Welcome To Condale’ se sucedieron, soltando el material potente desde el inicio, y demostrando que tras esa capa nerd , hay una inquietante creatividad y elegante puesta en escena , llevando al público a un estado de eterna adolescencia . Si había alguien que dudara de la pareja, así de buenas a primeras, se lanzaron en acústico entre la multitud para interpretar, mientras danzaban tranquilamente por la pista de la Joy, una versión con silbiditos incluida de ‘Losing My Mind’.

Con precisión quirúrjica fueron escindiendo los temas de su debut en largo, hilando y cicatrizando mediante visiones de fondo que nos trasladaban a clásicos como “Un Día En New York” o a las teen-movies , manteniendo en todo momento ese aire 80s, así pudimos ver de fondo bailar a Michael J. Fox en ‘Teen Wolf’ , rememorar ‘Dirty Dancing’ o inmiscuirnos en la maravillosa cinta ‘El Club De Los Cinco’.

Poco a poco  hicieron que todos quisieramos apuntarnos a su cálido campamento musical ‘Summer Camp‘ . Los alternes vocales se fueron sucediendo, así disfrutamos de su lado más electrónico en temas como ‘I Want You‘  y en la hot chip-niana ‘Done Forever’  , o reclamar el lado aguerrido de Jeremy en una vibrante versión de ‘Brian Krakow’.

¿qué mas se podía pedir? quizás algún que otro tema nuevo para comprobar que el hype les persigue pero con astucia no les devorará, y una deliciosa versión de ‘Everywhere’ de Fleetwod Mac con la que dejarnos el corazón en un puño , para cerrar un bolo con elegancia británica.

Para terminar, el fin de fiesta tuvo lugar con la propuesta de visuales y dj´s de Yall , un colectivo con sede en Barna  integrado por 2 djs (Nighty Max y Noise Up) y 2 vjs (Videoblasters) , los cuales se encargaron de meter zapatilla a la noche ( a la par que los porteros iban obstaculizando la sala con sofas cercando la pista), video (multi-pantallas y proyecciones) y audio mandanguero para poner fin a una fiesta de presentación de un festival de altura.

Pero aunque el ambiente no era precisamente festivo, The Cherry Boppers no se asustaron. Son vascos, después de todo. Poco a poco, consiguieron mover el frío del ambiente a unas temperaturas más cálidas. Todo gracias a su Soul-Funk instrumental, cargado de energía y con cierto toque de garage que a mi me parece genial. No bajaron el ritmo, consiguiendo que por fin la pista se llenará ya desde la segunda o tercera canción. De su actuación sobre todo hay que destacar el Saxo de Willy Kalambres Wallace y ese Hammond impecable de Ignatius Johnny. Personalmente me gustó mucho la versión que hicieron del Crosstown traffic de Jimi Hendrix o la canción que tocaron con Mayka Edjo, la cantante de The Sweet Vandals, uno de los mejores momentos de su actuación.

Los siguientes en entrar en escena fueron The Sweet Vandals. Antes de seguir lo voy a dejar claro, para mi fueron los grandes triunfadores de la noche. The Sweet Vandals consiguen equilibrar la elegancia más fina del Soul con el ritmo más festivo del funk. Un equilibrio que llevan cada uno de los miembros de la banda de forma impecable. La banda está perfectamente compenetrada. No hay lugar para el error. Los madrileños dieron una lección de un concierto de Soul y Funk que consiguió animar aún más al personal. Si tuviese que quedarme con un solo miembro de la banda, elegiría sin dudas al bajista Santi “Sweetfingers” Martín, probablemente uno de los mejores ejemplos de a lo que un bajista de sonidos negros tiene que aspirar. Elegancia pura. Move It On fue una de las grandes canciones de su actuación, junto con ese tema instrumental (juraría que fue Tiger) que sirvió para mostrarnos lo bien que se desenvuelven sin Mayka al frente. Los dicho, The Sweet Vandals tienen un directo para quitarse el sombrero, demostrando que su último álbum, So Clear, suena aún mejor en vivo.

Teniendo en cuenta que el último concierto de esta caravana del Soul fue en Barcelona, no es de extrañar que los catalanes The Pepper Pots salieran a cerrar la noche. Si habéis visto alguna vez vídeo de actuaciones clásicas de grupos de la Motown, os podéis hacer una idea de la actuación de esta banda. Lo suyo es el Soul clásico y elegante, de libro. Y sobre todo, la puesta en escena, con sus tres cantantes de blanco inmaculado, casi angelicales, acompañadas en todo momento por la banda que les marcaba el ritmo. Hay que admitir que el ritmo de la noche bajo un poco con respecto a los grupos anteriores, sobre todo porque nos encontramos frente a un tipo de concierto mucho más sensible, como el buen Soul marca. Que el ritmo de la noche se hiciese más melódico solo puede significar que tienes que buscar a la pareja más cercana. Todos sabemos que eso no puede ser malo. Las tres cantantes (Adriana Prunell, Aya Sima y Marina Torres) fueron intercambiando el rol de cantante principal en cada una de las canciones y uno no podía dejar de mirarlas, pensando únicamente que necesitaba aprenderse sus coreografías. Este concierto fue un pequeño viaje en el tiempo a aquellas actuaciones en las que todo tenía que ser perfecto, desde el sonido hasta la puesta en escena. Donde ser elegante lo era todo. Los amantes de estos sonidos negros adorarán a The Pepper Pots por su buen hacer.

Pero vamos a ver, ¿entonces estuvo bien este experimento de festival de Soul/Funk? Sí, y mil veces sí. Que la gente de Buenritmo me diga donde hay que firmar para repetir, por favor.

Trabajar en una discográfica y ver pasar bandas a mansalva, parece que fue el detonante para que estos amigos  ex-trabajadores de EMI decidieran probar suerte en eso de la música .Los británicos ya pasaron dos años atrás presentando su álbum homónimo (We Have Band.2010), la revancha era necesaria , con un show de mayor duración, y sin teloneros, donde poder explayarse a su manera haciendo un equilibrado recorrido entre ambos LPs.

Una tímida entrada algo antes de la hora prevista fue saciada con una sala prácticamente abarrotada justo antes de que la banda comenzara su enérgico show. El cuarteto en directo, cumplió como mandan los cánones con la máxima  del viernes noche, fiesta, bailoteo, despiporre y descarga de adrenalina en la pista. Con cierto retraso los de Madchester tomaron posiciones marcándose su electro-punk danzarín abriendo con uno de los primeros repasos por ‘Ternion’ , una bacanal de sonidos sintetizados dando forma a  ‘Steel In The Groove’. Los intensos movimientos de Dede nos incitaban a darlo todo en temas como el vibrante ‘Visionary‘, una de las aristas fuertes de su último trabajo a la que unirían con ‘Love ,What You Doing‘ , un poco de volumen en las voces habría reforzado la ejecución de su ejercicio de presentación.

Su primera triada de temas terminaba, y saludaban a Madrid, con un tímido ¿qué tal? mostrándose contentos por volver de nuevo a la capital.  Y es que desde la primera fila del escenario, Thomas, Darren y Dede consiguieron contagiar energía y entusiasmo, haciéndonos sudar la gota gorda y poniendo la Caracol del revés con su electro-funk gamberro que bien puede recordanos a los Bloc Party más cañeros o a los The Presets y Hot Chip más rompepistas.

La alternancia en la voz protagonista puede recaer en cualquiera de ellos sin que por ello decaiga la tensión, la alternancia de ritmos les lleva a una electrónica más canibal en ‘After All’ o en ‘WHB’ , y seguir con su oscura rave tribal en ‘Rivers Of Blood’ o ‘Watertight‘. Pero fue en la recta final donde soltaron su mayor tralla con ‘Tired Of Running’ o ‘You Came Out’ con Dede como sacerdotisa suma de la pista de baile  y ‘Honeytrap’ , donde salieron engrandecidos en directo y nos dejaron con la miel en los labios para los bises.

Poco tardaron en salir los ingleses de nuevo a dar cera, y vaya si la dieron , de la buena, ‘Where Are Your People‘ ‘Time After Time‘ y uno de sus éxitos por excelencia ‘Oh’ dieron por concluida la segunda visita a Madrid de la banda. Show que se nos hizo realmente corto, poco más de una hora, pero donde las agujetas durarían largo y tendido.

Para calentar el terreno a los californianos se presentaba Lenticular Clouds, proyecto conducido por Albert Zaragoza Gas, que nos paseó por un relato electrónico repleto de matices y recovecos que requerirá mucho tiempo de análisis escucha a escucha en un futuro, pero que en aquel momento, con un teatro a medio llenar (siendo demasiado generoso) y sentado, resultó poco atractiva y no despertó apenas entusiasmo entre el respetable que, en parte, decidió prescindir de su respeto y empezar a hablar como si de bar de esquina se tratase. Poco a poco, sumergiéndose en la sonoridad de la guitarra y los sintetizadores de Albert, uno conseguía hacerse un hueco y apreciar el buen hacer del artista. Disfrutable pero poco adecuado para el momento.

No tardando saltó a la escena el cuarteto que forma Xiu Xiu, con Jamie Stewart a la cabeza debajo de su gorra, y sin más dilación abrieron con Fabulous Muscles, calmada y serena, una pequeña sorpresa ya que uno se imagina que reventarán con Hi, que abre su último trabajo, pero de ellos no nos podemos esperar convencionalidades. Aún así el setlist estuvo plagado de temas de Always, perfectamente interpretados, que se extendieron y se amoldaron al teatro como un recinto así se merece. Angela y Jamie se turnaron las vocales en Smear The Queen, con su atrayente estribillo, para después dejar paso a la potente base de Beauty Towne y que Jamie empezase a soltar todo lo que lleva dentro. Es difícil de explicar la sensación que desprende al cantar en directo, y al poner los caretos que pone, pero puedo decantarme por sobrecogedor. Dentro de su extravagancia, que se extiende al sonido general de toda la banda, es donde reside el secreto de Xiu Xiu, aparte por supuesto de las letras dolorosas, que suelen tratar de momentos duros de la vida, pero en directo lo que prima es la sensación sonora.

Dentro del último disco tengo que destacar el segundo corte del mismo, Joey’s Song, que mantuvo en concierto los coros estilo coral de iglesia, que le dan el toque tétrico que la hace tan grande, además de Honey Suckle y Hi. Esta última se reservó para el penúltimo lugar, pero tuvo la consistencia de pelotazo como hubiera sonado la primera. No descansaban entre corte y corte más que para que Jamie hiciera gárgaras (toque elegante) o para que batiera el récord de rapidez en cambiar una cuerda rota. Y de esta manera se desarrolló el corto pero intenso concierto que nos regaló la versión del Ceremony de Joy Division y del Suha de WarBucks, gloriosas ambas dos, aunque más resultona la primera de ellas sobre todo por el chirrío que tan bien saben interpretar. Muy escuetamente se despidieron (gracias y adiós) y no volvieron. No hubo bises, y no hicieron falta.

Tal vez por no haber bises, y porque había un piano tan perfectamente colocado en el hall del teatro, el batería de la banda nos dedicó como añadido una pequeña sesión al instrumento mientras el escaso público que asistió le hacía corrillo. En resumen, son una gran banda, pocas se les pueden comparar, y en directo transmiten lo que no está escrito y se dejan la piel. La imagen de Jamie Stewart cantando no deja dudas.

Rauelsson es el proyecto en el que Raúl Pastor Medall, explaya sus sentimientos y sus experimentos folk en probetas sonoras, en cuyo manejo le acompañó en directo Peter Broderick. El duó acarició  guitarra,teclado , violín y serrucho con arco durante algo más de media hora , repasando temas de su segundo trabajo ‘Réplica’ así como despachando tema inédito y volviendo a los inicios de ‘Debutantes’. Pasajes serenos e influencias de su estancia en Portland, quedan patentes en un directo , sobrio, cálido y donde el sentimiento minimalista gana la batalla al ruido innecesario.

Low volvían de Minnesota con nuevo trabajo en su equipaje, ‘C’mon’ (Sub Pop.2011) , Lp que ha vuelto a trasladar al grupo a la posición incombustible de quien firma su noveno trabajo como si fuera el primero, con mimo, delicadeza y esmero, con diez cortes que emocionan y desgarran a la par, al igual que hicieron con su directo en la sala But.

Así se hizo el silencio absoluto en la sala, un respeto cuasi-total para que Alan Sparhawk, Steve Garrington y Mimi Parker tomaran posiciones en escenario, y todo se parara a su alrededor para  arrancar con la epicidad creciente de ‘Nothing But Heart’ , elegancia con leves aromas country flotaban por la sala para comenzar la cerca de hora y media de perfección low-istica.

Los ojos más abiertos que nunca, comiendo techo como diríamos, mientras ‘Try To Sleep‘ sonaba con los coros de Mimi sobreponiéndose a la personalidad impecable de la voz de Sparhawk,  un tranquimazin de prospecto pop, más estilizado que en disco, más elegante si cabe.  ’You See Everything‘ era el relevo para Mimi, que ejerciendo a la percusión en pie durante todo el concierto, mantenía impoluta su voz angelical , en primer plano en este caso, con el apoyo coral de su esposo ; ‘C’mon‘ acaparó el grueso inicial de su directo, susurros, pellizcos y caricias a una guitarra que sangraba sentimientos esparcidos a un público que aplaudía a rabiar al final de cada tema.

Alan se dirigió al público y saludo a la sala  antes de emprender su caza de brujas a golpe de guitarra con ‘Witches’ , las idas y venidas Parker – Sparhwak volvían a la carga con la rabia contenida de ‘Especially Me‘ que toma forma poco a poco hasta estallar en su semi-final, una de las más celebradas de este último álbum en directo.

El hipnotismo de la banda se rompía para adentrarse en  el inmenso ‘The Great Destroyer‘ y regalarnos los oídos con una interpretación visceral de ‘Monkey’ y una lección de rock minimalista  llevándonos una década atrás con ‘Sunflower’,las muecas y movimientos de Alan se compentraban con los balanceos que Garrington interpretaba a un bajo demoledor.

Al trío le gusta viajar, ya dieron incluso sus agradecimientos a su conductor casi al final del concierto, y nos llevaron con ellos a ‘California’ en uno de los momentos álgidos de su directo, junto a ‘Everybody´s song‘ , cómo saben lo que nos apasiona ‘The Great Destroyer’ a muchos ..tras un pelotazo como tal, la mesura volvía con una  de sus nuevas canciones de cuna para adultos,  ‘Done’ y volviendo a sus inicios 20 años atrás , como comentaba Alan emocionado tras clavarnos alfileres en el corazón con ‘Words’, o tras agitarnos de nuevo comiéndose la sala con sabor a ‘Canada’ antes de volver a su particular slowcore con ‘Last Snowstorm Of The Year’. Dos bises, inmensos, ‘When I Go Deaf’  , y la majestuosidad de  ‘$20‘ saliendo asi  invictos en un combate contra una sala repleta de un público agradecido y respetuoso. La madurez, en ocasiones como ésta, sienta tan bien…

Fotos: HeinekenPro. Carla Mir.

La historia del neoyorkino Wille Nile (Robert Noonan, su nombre real) ha sido desigual, un comienzo con dos discos donde empezó a despuntar, granjeándose buenas críticas, pero algunos problemas legales lo apartan de la vida activa como compositor, 10 años más tarde arrancaría su segunda etapa y reanudaría su carrera, destacando de esta etapa dos magníficos álbumes como “Beautiful Wreck of the World” (1999) y “Streets of New York” (2006).

Willie no es muy alto, es delgado y a no ser por ese enorme moldeado (envidiable) pasaria bastante desapercibido, sólo cuando sube al escenario demuestra realmente su talla.
El miércoles nos demostró con creces lo que es derrochar energía, simpatía y a la vez nos regaló momentos muy intensos de los que solo la gente está acostumbrado a ver en grandes recintos y ante miles de personas, pero ese día no llegábamos a 60 personas, incluidos seguidores venidos desde otras ciudades incondicionales de Bruce Springsteen (gran amigo) y todo lo que le rodea, en un escenario casi familiar, con un excelente sonido “Carlos sound is Great” subrayaba Willie.

El concierto se iniciaba con temas de su último álbum “The Innocent Ones” o “Rich And Broken” , “Heaven Help The Lonely” (Beatiful Wreck Of the World) y nos sorprende con un cover de los Stones “Fade Away”, continuaría con dedicatorias a amigos entre los que nos cuenta su relación con Jeff Bucley , “Game o fools”, “Substitute”, “Give tomorrow”… y ya en los bises en “On The Road To Calvary” , “House of Thousand Guitars” y “One Guitar” para cerrar.
Destacar el momento sobre el piano interpretando “Love is a Train“ o la impresionante “Streets of New York“, donde la silla y el micro acabarían por los suelos.

Casi 2 horas de concierto con posterior “meet and greet”, una persona muy cercana, que me deja en la retina un gesto de Willie, cada vez que finaliza una canción, esa satisfacción por la ejecución bien realizada la demuestra levantando el puño de una manera entre provocativa y victoriosa, mirándonos y recordándonos que el rock es cuestión de actitud y de sencillez, no importa la edad.

A la excepcional guitarra, Jorge Otero, un joven asturiano que lleva 10 años tocando con Willie, y que tiene esa mirada, que habla por sí sola de haber vivido grandes momentos sobre un escenario. Sin olvidar que forma parte de la formación Stormy Mondays.

Willie Nile forma parte de un pequeño grupo de músicos (Joe Grushecky, Gary US Bonds, Southside Johnny o Willie Nile… por citar algunos) desconocidos por una amplia mayoría, cuyo estilo y amistad les sitúa alrededor de Bruce Springsteen y la E-Street Band.
Bruce nunca ha escatimado en elogios y en apoyo consciente de que él podría haber estado de ese otro lado de la fama.

A veces sabes que algo es bueno cuando lo tienes delante, a veces lo puedes reconocer… y eso sin duda pasó con Willie Nile y su banda. Wille Nile es como volver a los 80, rock&roll de acordes pegadizos y básicos, que añadidos a esas pinceladas de folk invitan a cantar y transmiten buenas vibraciones, esperanza,…y muchas ganas de vivir.

Gracias y adelante Willie. Go Willie Go¡¡¡