Admito mi desconocimiento de los franceses Mars Red Sky y haber escuchado puntualmente a Karma To Burn, fundamentalmente al principio cuando se trataba de un grupo vocal, pero debía ser el único ignorante porque el pequeño recinto estaba lleno hasta la puerta de gente venida de muchos puntos del norte de España (Gallegos, Asturianos…) y de toda la comunidad, que se entregaron desde el principio a esta experiencia de música del desierto.

Problemas sobre compartir el backline produjeron que el concierto empezara con algo de retraso, no muy habitual en el Belfast, así que con muy poco espacio para moverse los Mars Red Sky comenzaban a desgranar las canciones de su disco Emergence con un sonido muy etéreo y atmosférico, voces que parecían salir del coro de una catedral y un juego de efectos de sonido en la guitarra que obligaban al pequeño vocalista a hacer auténticos malabares con los pies para activar y desactivar varios al mismo tiempo. Su montaje sonoro es complejo pero se desenvuelven en él con aparente sencillez y consiguen transmitir una sensación de paz muy inquietante. Strong Reflection (que tiene un clip apropiadamente grabado en Las Bárdenas Reales) y Curse fueron los temas que más me gustaron, no se limitan a repetir patrones rítmicos sino que van incorporando cambios de dinámicas musicales y breaks que enriquecen la audición, además el contraste de las afinaciones ultra graves con la voz aguda y cristalina de Julien Pras forman un contrapunto diferenciador. Gran sorpresa y unos “invitados” de auténtico lujo.

Probablemente si Karma To Burn hubieran aceptado compartir backline hubieramos visto aún un concierto más potente. Pero tener que desmontar todo para instalar su sencillísimo equipo (dos amplis sin ningún pedal ni efecto y una batería sin grandes alardes) hizo que el sonido inicial no fuera de su gusto e incluso pararan tras la primera canción a cambiar alguno de los cables de la PA.

El volumen que ellos querían para tocar no era muy compatible con las características del local (Mars Red Sky con un equipo mucho más complicado sonaron muy bien) y su guitarrista Will Mecum estuvo de bastante mal humor por ello. Quizás fue este el motivo por el que apenas estuvieron tocando una hora muy justa (bis incluido) pero al menos desde los lugares en que me coloqué yo en primera fila el sonido fue demoledor.

Es impresionante la maestría de Karma To Burn para construir melodías y ritmos variados con tan pocos recursos, los temas se aceleran y frenan, cambian de dinámica, varían su intensidad y todo ello lo hacen con muy pocas modificaciones en sus patrones, probablemente se trata de talento. Además visualmente son arrebatadores. Cada uno con una estética completamente disonante sobre su compañero. Desde la imagen de motero Hell Angel de su bajista Rich Mullins al aspecto homeless del batería Rob Oswall. Todos ellos con un protagonismo equivalente en el resultado final,  mientras Mecum va iniciando canciones, no hay set lists, para que sus compañeros le sigan.

Eight sonó como un cuchillo con su ritmo roto y sus pentatónicas y los cuellos empezaron a moverse en las primeras filas para quebrarse cuando Thirty Four hizo acto de aparición y el ritmo se aceleró hasta un sonido cercano al Thrash Metal de los primeros Metallica, Fourty Seven se recibió con ovación y Thrity Six puso el punto final a un concierto en el que los que les han visto anteriormente comentaban que no lo habían dado todo mientra,s en mi primera vez, yo me llevaba la imagen de un grupo demoledor sobre el escenario. Esta banda en una sala con una audiencia más desatada podría abrir las aguas. Me los apunto en la agenda para futuras visitas. ¿Quien dijo que es necesario un cantante para transmitir la intensidad?.

Y es que ni siquiera el precio de las entradas (50 euros en Madrid y hasta 70 en Bilbao con merchandising a partir de 30 euros la camiseta) supusieron un obstáculo para que James Taylor colgara el cartel de “no hay billetes” en ambas citas y apabullara con su sencillo montaje y su timbre de voz suave a un público que ya acudía de antemano con la bandera blanca enarbolada.

Audiencias que nunca volverán a cumplir los 35, muchas parejas, fotógrafos y prensa situados a distancia del protagonista para no molestarle y silencio respetuoso (y reclamado vehementemente si alguien se atrevía a saltárselo)  solo interrumpido cuando terminaba cada interpretación y la ovación hacía aparición para un Taylor que acompañado por tres músicos (batería, bajo y un teclista que puntualmente agarraba tanto el acordeón como una flauta) permaneció sentado con su acústica en el frente del escenario salvo cuando se colgó una Telecaster que obró el milagro de levantarle de la misma para rockear (si señores, Taylor también rockea) en clave blues mientras cantaba Steamroller ,solo de armónica incluido, o en Slap Leather, únicas excepciones a un cancionero que se centró en sus piezas más conocidas y que en ningún momento se desmadró en velocidad o volumen.

Blossom y Sunny Skies abrieron la noche con Taylor en solitario en el escenario  entre las miradas de admiración de la concurrencia pero en cuanto sonó Carolina, ya con los músicos sobre el escenario, el primer estruendo de la velada hizo aparición y llevó de la mano a los presentes hasta Walking Man que demostró a la banda que aquí también se cantan sus canciones y que el protagonista de la noche era capaz de hacer responder a todos con mínimos estímulos visuales. La luz tenue y cálida de los focos, la pose relajada con la guitarra sobre las rodillas y el aspecto ligeramente desgarbado de James Taylor con su gorra calada hasta las orejas dejó momentos de comunión total entre público y banda como cuando toda la sala entonó el estribillo de Don´t Let Me Be Lonely o el éxtasis que supuso Sweet Baby James, de su lejano primer disco, que recogió la mayor ovacion de la noche, superior incluso que cuando sonó Country Road, con unos coros femeninos pregrabados que a punto estuvieron de tapar las voces de los presentes.

Recordó sus aventuras con The Beatles cuando presentó Something In The Way y México puso el toque más AOR. Your Smiling Face consiguió que nadie dejara de dar palmas mientras aparecían los tonos más altos del protagonista, demostrando que su voz no ha perdido un ápice de calidez ni color y personalmente creo que solo me sobró la aparición de su esposa para hacerle la réplica en la imprescindible You´ve Got A Friend, quizás porque aún tengo la esperanza de poder ver a Carole King sobre un escenario algún día.

En total algo más de hora y media de folk rock de calidad, de tradición musical americana con el country como telón de fondo y con la sencillez de quien no necesita grandes artificios para llevarse a casi 3000 personas por delante. No creo que a ninguno de los allí presentes, visto lo vivido, les pareciera cara la entrada a tenor de las caras de satisfacción que se veían mientras abandonaban La Riviera e incluso a mi me sentó bien este relajante muscular después de que apenas 20 horas antes los salvajes Karma To Burn casi hicieran que me dislocara varias vértebras en su concierto en el Belfast paramés. Imagino que en la variedad (de calidad) está el gusto.

Así que nos juntamos bastante pocos en la Sala Porta Caeli de Valladolid para mostrar nuestros respetos al músico de Alabama y escuchar las canciones de su fantástico nuevo trabajo Till The Wheels Fall Off pero, como me dijo el responsable de la Porta, “no se porque pero estos conciertos al final son los que mejor salen” y vaya si tenía razón el bueno de Carlos porque desde que Bob pisó el escenario con su chaleco de Pentagram y acercándose al micro nos dijo “me da igual que seáis cinco o quinientos, vamos a hacer el set completo” quedó claro que durante las casi dos horas siguientes nos trasladábamos todos al garito más duro del sur de los USA con la combinación de música y actitud punk rock con la tradición más pura de los Cash, Willie Nelson o Kris Kristofferson (con quién le compara de manera obvia la prensa).

Arrancó con el tema título Till The Wheels Fall Out con su sonido de locomotora y esa fue precisamente la sensación que dejó una banda que fue la protagonista de la noche por su calidad, desde su joven y tatuado contrabajista punk Jared McGovern a sobre todo su violinista Liz Sloan, el dulce contrapunto de fragilidad en una banda con imagen de tipos duros, que a pesar de encontrarse enferma realizó un trabajo soberbio, y su increible guitarrista Ryan Clackner, un auténtico guitar hero que manejó su instrumento a una velocidad endiablada más propia de un amante del shred que de un músico country.

No tardaron en caer muchas de las canciones más esperadas como la espectacular Driven By Demons, un single perfecto, la más tradicional Devil´s Son, There Ain’t No Diesel Trucks in Heaven (un título glorioso para una canción), las más tranquilas Love Songs Suck, My Friends o Everything Is Legal In Alabama, donde a pesar de romper una cuerda el frenético ritmo no dio pausa para el cambio y continuó con solo cinco.

También estuvieron presentes el tema que hizo a dúo con su mentor Hank Williams III Workin Man y la más cañera Fuck The Law (middle finger incluido) para dejar claro que aunque su estilo se agarra al legado de Johnny Cash no es solo su estética la que deja fitrar otras maneras, desde el punk a la oscuridad rockera de Black Sabbath, sino que la manera de afrontar tanto las composiciones como su ritmo de vida le emparentan de manera más cercana al lado más oscuro de la música de la misma manera que ya nadie se extraña de que Hank III figure en la formación de Superjoint Ritual.

Spread My Ashes On The Highway fue uno de los momentos más especiales con la presentación de la banda y la manifestación de las últimas voluntades de cada uno de sus miembros. Obviamente Bob Wayne eligió para su final reposar en la carretera, el lugar en el que habita en su ritmo de conciertos infernal (además ejerce de chófer de la furgoneta de la banda)  y que es la fuente de inspiración de sus canciones. Seguro que su próxima gira por nuestro país, que la habrá, hará que consiga una repercusión mayor, como lo ha conseguido  con respecto a la del año pasado, ya que aunque su propuesta musical puede parecer lejana a nuestro país su arrebatadora actitud consigue granjearse el favor de los que le conocen. A Wayne le quedan muchas historias aún por contar. Como el mismo dice de manera incesante HELL YEAH!!

No os perdáis en las próximas semanas el acústico exclusivo que Bob Wayne grabó para www.acordesurbanos.com

Eleanor Friedberger, 50% de The Fiery Furnaces, despuntó con ‘Last Summer’ a finales del pasado año, desmarcándose por una temporada de su banda base, y creando melodías arrebatadoras dando cabida a un pop íntimo interpretado por una riot girl.En Mayo estará presentando este primer trabajo en tres fechas en nuestro país dentro del ciclo Heineken Music Selector, 10,11 y 12 de Mayo en Barcelona,Madrid y Valencia respectivamente.

Después de casi diez añitos dándole caña con su hermano, la señorita Eleanor decidió dejarse llevar por sus inquietudes y crear un LP con referencias setenteras y donde los toques electrónicos se cubren por mantos al piano , forjando así una carrera en solitario paralela que puede dar muchos frutos , esperemos así sea.

Para ‘Last Summer‘ Eleanor ha contado con Eric Broucek, productor de artistas de la talla de LCD Soundsystem, Cut Copy o Hercules & Love Affair, que incorpora un montón de efectos y arreglos no aptos para impávidos.

Gracias a Heineken Music Selector, desde Notedetengas sorteamos una entrada doble para cada uno de los directos que Eleanor dará dentro del ciclo HMS. Para ello debereis contestar en comentarios con vuestro nombre + apellido, ciudad en la que participais y dejando correo real para ponernos en contacto con los ganadores, a la siguiente pregunta : ¿qué os transmite la música de Eleanor y cuál es vuestro tema favorito de Last Summer? Cerraremos concurso para cada ciudad 2 días antes a las 23.59 de la noche.

Fechas con HMS.

10 MAYO – KGB – BARCELONA. Puertas 20.00h, show 21.oo h 12€+gastos Anticipada. 16€ Taquilla.
11 MAYO – EL SOL – MADRID Puertas 22.30h – show 23.00 h 12€+gastos Anticipada. 16€ Taquilla.
12 MAYO – SALA WAH WAH – VALENCIA Puertas 22.30h. show .23.00 h . 12€+gastos Anticipada. 16€ Taquilla.

Grises es otra de las bandas apadrinadas por Origami Records (menuda varita mágica se gastan) , quinteto que desborda energía y derrocha buen rollo en un directo que invita al zarandeo y al baile masivo. Como ya se les ha etiquetado en diversos medios, esa oscuridad grisace es justamente lo contrario que desprenden, el grupo forma a su alrededor una cúpula que radia música colorida y donde se entregaron al público madrileño que iba llenando la sala casi por completo, con la satisfacción que  a los de Zestoa les producía. ‘El Hombre Bolígrafo‘ es su primer LP y vaya si hicieron honor a su nombre, sudando tinta, temas como ‘Chicles Pegados’ , ‘El Hombre Bolígrafo’ o ‘Plástico Eléctrico’ fueron descargas electrónicas coloreadas con ese punto de inocencia pop y de travesuras musicales que derrochan. Si son uno de los grupos revelación de la temporada es por algo.

Tras ellos, unos  ansiados Summer Camp hacían escala en nuestro país, su álbum de debut ‘Welcome To Condale’ es uno de los trabajos teenager más celebrados el pasado año en Londres, el dueto formado por Elizabeth Sankey y  Jeremy Warmsley desprende un aroma a nostalgia y a vintage, a fotos gastadas y descoloridas, a películas de adolescentes ochenteras, a lo-fi encantador, un poco de todo ello tuvo cabida en su esperado directo.

El clima primaveral inundó la sala desde los primeros acordes de ‘Better Off Without You‘ , la pareja salió acompañada de un batería ( bastante transparente durante el show) y con proyecciones de esa mítica película adolescente ‘Todo En Un Día‘, con un inicio como ése ya podíamos hacernos una idea del regustillo que nos iba a ir quedando durante todo el directo.

Tras un inicio tan demoledor , dos retro-trallazos como son ‘Round The Moon’ y ‘Welcome To Condale’ se sucedieron, soltando el material potente desde el inicio, y demostrando que tras esa capa nerd , hay una inquietante creatividad y elegante puesta en escena , llevando al público a un estado de eterna adolescencia . Si había alguien que dudara de la pareja, así de buenas a primeras, se lanzaron en acústico entre la multitud para interpretar, mientras danzaban tranquilamente por la pista de la Joy, una versión con silbiditos incluida de ‘Losing My Mind’.

Con precisión quirúrjica fueron escindiendo los temas de su debut en largo, hilando y cicatrizando mediante visiones de fondo que nos trasladaban a clásicos como “Un Día En New York” o a las teen-movies , manteniendo en todo momento ese aire 80s, así pudimos ver de fondo bailar a Michael J. Fox en ‘Teen Wolf’ , rememorar ‘Dirty Dancing’ o inmiscuirnos en la maravillosa cinta ‘El Club De Los Cinco’.

Poco a poco  hicieron que todos quisieramos apuntarnos a su cálido campamento musical ‘Summer Camp‘ . Los alternes vocales se fueron sucediendo, así disfrutamos de su lado más electrónico en temas como ‘I Want You‘  y en la hot chip-niana ‘Done Forever’  , o reclamar el lado aguerrido de Jeremy en una vibrante versión de ‘Brian Krakow’.

¿qué mas se podía pedir? quizás algún que otro tema nuevo para comprobar que el hype les persigue pero con astucia no les devorará, y una deliciosa versión de ‘Everywhere’ de Fleetwod Mac con la que dejarnos el corazón en un puño , para cerrar un bolo con elegancia británica.

Para terminar, el fin de fiesta tuvo lugar con la propuesta de visuales y dj´s de Yall , un colectivo con sede en Barna  integrado por 2 djs (Nighty Max y Noise Up) y 2 vjs (Videoblasters) , los cuales se encargaron de meter zapatilla a la noche ( a la par que los porteros iban obstaculizando la sala con sofas cercando la pista), video (multi-pantallas y proyecciones) y audio mandanguero para poner fin a una fiesta de presentación de un festival de altura.

Diamond Dogs llevan ya veinte años en la carretera y les quedan aún bastantes más por el simple hecho de que el rock macarra, sentido y chulesco (que no exento de clase) no va a pasar de moda, y aunque a la audiencia que llenó la Sala Moby Dick de Madrid le costó perder los papeles, tanto que Sulo hasta en tres ocasiones les increpó con frases del tipo ¿no os recordaba tan educados? o ¿no habeis bebido lo suficiente? haciendo una vez más gala de la apatía del público de la capital, ellos echaron leña a un fuego, valga de metáfora por el  calor del recinto, que al menos por su parte no parece se vaya a extinguir.

Para esta ocasión su formación se componía de tan solo un guitarrista que por desgracia no fue Stevie Klasson (hubiera sido la leche) sino Lars Karlsson y que estuvo impresionante a las seis cuerdas aunque si que se echó en falta en determinadas ocasiones un poco de ayuda en el ataque de las canciones. Menos mal que el teclado de Duke Of Honk , esta vez haciéndose acompañar de un precioso órgano suplió muchos de los huecos musicales de las canciones  y que aunque el volumen de Magic Sunnarsson al saxo tenor (y maracas, cencerro etc…) no tuvo la relevancia necesaria si que conjuntamente se pudo disfrutar de un show en el que la presencia y carisma de Sulo llenó todo el escenario y nos hizo navegar desde el rock de la inicial Set Fire To It All (su sonido más característico) al honky tonk On The Sunny Side Again (ambas de su nueva obra) pasando por  sus clásicos Charity Song (el primer punto fuerte de la velada), Honked (que sonó tan primitiva y macarra como hace 20 años) o un stoniano  Lift It Up, solo de guitarra tras la cabeza incluido, que pareció por momentos despertar a los presentes con sus coros

El festival comenzó pasadas las 12.30h con la actuación del grupo más novel de todos, Cosmic Birds, quienes pusieron la nota más divertida con sus esperpénticos atuendos recordando que nos encontrábamos en pleno periodo carnavalesco. Ellos mismos fueron los encargados de hacer público el nombre de la candidatura más votada dentro de la categoría del premio al mejor álbum Internacional (que fue para el grupo Black keys con su álbum ‘El camino’) dentro de la entrega de premios de la música Notedetengas 2011.

Mientras se retiraba un grupo y se subía el siguiente,la tanda de Djs y Vdjs se encargaba de amenizar la espera a base de buena música y audiovisuales de las grabaciones de Acordes Urbanos. El siguiente grupo que subió a la palestra fueron ‘The Jackets’ quienes nos ofrecieron temas de su último trabajo ‘Landscapes’ recién sacado del horno musical. Ellos mismos fueron los encargados de hacer público los ganadores de los premios a la mejor canción 2011 (‘Run to the River’ de Corizonas) donde su cantante Javi Vielva recogió el premio feliz y contento dedicándoselo a sus compañeros de bonanza. The Jackets también se encargaron de dar a conocer el  premio al mejor concierto celebrado en Valladolid 2011 que recayó en el concierto triple de Nudozurdo+The Wave Pictures + La Débil.

Siguiendo con la fiesta de la música y ya adentrados en la hora del ‘papeo’, se vivió uno de los momentos más entrañables y graciosos del festival. Y nadie mejor para protagonizarlo que uno de los personajes más influyentes y barbudos del panorama alternativo vallisoletano, El Meister. Con  su guitarra, para finalizar su actuación, se sacó de la manga la versión de Marisol ‘Tengo el corazón contento’ que hizo que el bar al unísono coreara cada estrofa del tema,  entre risas y bailes de los allí presentes. El Meister fue el encargado de hacer públicos los premios a la mejor banda revelación nacional 2011 que recayó en la banda de Zestoa, Grises y el premio a la mejor banda revelación vallisoletana 2011 que recayó en la joven banda Cosmic Birds, quienes recogieron el premio bastante sorprendidos y alagados a la vez,  por la pronta repercusión que han tenido.

Tras un breve parón donde la gente aprovechó para disfrutar del solecito que ofrecía la Plaza Cantarranas, una de las sorpresas de este festival fue contar con la presencia de Paracaidas, que se estrenaban como  proyecto. Nacidos de la unión de 3 bandas Madrileñas: Miguel Bellas de Atención Tsunami, Pablo Palomo de Autumn Comets y Rodrigo Sancho y su alter-ego Dol, Paracaidas fueron los encargados de entregar el premio a la mejor iniciativa cultural vallisoletana 2011 que recayó en el Colectivo Laika. Esta actuación supuso el punto y seguido al festival donde pudimos aprovechar para darnos un homenaje gastronómico a cargo de las tortillas, pinchos caseros, embutidos y demás alimentos que tan gustosamente habíamos preparado para  poder charlar sin prisas y amenizar así, el tránsito hacia los conciertos de la tarde.

Pasadas las 16.30h, llegaba el  turno de la segunda tanda de actuaciones. Esta vez el elegido para la ocasión fue Bravo Fisher!. Recién llegado de Madrid, cogió su ukelele y nos tocó un par de temas de su disco Overnighters (2011) para acabar con una versión de la siempre polémica Lana del Rey. Guille fue el encargado de dar a conocer el premio al mejor álbum nacional 2011 que recayó en las manos de los madrileños Vetusta Morla.

La siguiente actuación fue una de las más esperadas dentro del festival, y es que llegaban uno de los pesos pesados del panorama vallisoletano, My Friendly Ghost. El grupo de Medina llegaba al Notelopierdas para tocarnos unos temas de  su disco homónimo.  Sama y los suyos fueron los encargados de repartir el premio a la mejor Gira Nacional 2011, que recayó en la unión de ‘Dos Bandas y un destino’. Javi Vielva, que hacía doblete, fue el encargado de recoger el premio en nombre de toda la banda.

Los Autumn Comets, procedentes de Madrid, fueron los encargados de amenizar la siguiente actuación con 5 temas acústicos de ‘A perfect trampoline jump’ y quienes tras su actuación, se encargaron de cerrar la entrega de premios Notedetengas 2011 entregando el premio a la mejor sala de conciertos 2011 al mítico bar llamado ‘Café Teatro’.

Parecía que aquí ibamos a poner el acorde final al festival, pero como de sorpresas iba el día, tuvimos la actuación relámpago de una joven banda que está teniendo bastante repercursión dentro del panorama independiente de Valladolid.  Estoy hablando de Cellar Bird, quienes de manera improvisada, se encargaron de echar el telón a una de las jornadas más musicales jamás vividas en Valladolid.

A juzgar por los rostros y las miradas de la gente durante todo el festival, considero poder asegurar que se fue contenta a casa tras vivir esta experiencia innovadora, entrañable y divertida. Pero ahí no acababa todo no… Quedaba la sesión DJ a cargo de los chicos de Notedentegas. Y es que la noche del sábado no podría acabar de otra manera tras las actuaciones a los platos de Blue Tropic Dj quien se marcó una sesión recordando los grandes éxitos Dance de los 90, Morla Marzo Dj, Sideburns junto a Anindie y Sixto Sentido Dj en la Rua además de Toñoski Dj, Vernon et Electronique, las Physical Sisters y Surfin Birds Djs en el Wild Thing quienes hicieron disfrutar al público asistente que incluso tuvo momentos de desfase colectivo.

Y hasta aquí fue lo que dio de sí la primera edición del Notelopierdas Festival. Una vez más, dar las gracias por el apoyo de tanta gente. Desde la propia organización queremos agradecer a todos los que habéis movido un dedo porque esta idea saliera adelante, a todos los que os habéis cogido un coche, un autobús o un avión para poder estar aquí echando una mano. Además, continuando con nuestra proactividad y como todos hemos acabado muy contentos,  querido lector, vete estando al loro en nuestra web porque los chicos de Notedetengas seguro que pronto te volvemos a sorprender!!! Así que… Notelovuelvasaperder!!!

Así que aprovechando que la cita se retrasaría no estaba de más honrar la visita con unas cervezas y pinchos nocturnos antes del concierto y así entre tapa y tapa plantearme una apuesta personal, ¿cuanto tardarían los de Peter Zaremba en desatar la locura?.

Vuelta a la sala, ahora con una parroquia más numerosa y empiezan a sonar los primeros acordes cuando la banda ni tan siquiera ha pisado el escenario, se dirigen a él en fila tocando sus instrumentos y la duda es resuelta, antes de que acabe su primera canción, la fantástica Hard Lovin Man, Keith Streng ya ha lanzado varios puntapies a la cara de las primeras filas y ha abandonado el escenario para tocar su guitarra plateada y brillante entre la audiencia, mientras Zaremba, después de unos bailes alucinógenos se ha subido a las mesas que soportan los monitores a hacer un solo con su armónica.

¿Furor juvenil? se preguntarán quienes no los conozcan. Así es, pero con la salvedad de que sus integrantes son casi sexagenarios y que hace cuatro décadas que sacaron su primer disco, pero es que a pesar de todo The Fleshtones siguen siendo la banda amateur más experimentada del universo musical. Mientras cualquier grupillo nuevo del tres al cuarto pretende ofrecer una imagen calculada e impoluta cuando interpreta sus tres acordes desafinados The Fleshtones demuestran que lo suyo es divertirse y contagiar por empatía su sentimiento a todos los presentes. Por esa razón siguen utilizando un volumen atronador (me siguen pitando los oídos), desmadrándose desde la primera nota, tocando de manera acelerada y por momentos inconexa y saltándose todos los guiones, lo que incluye que pasen más tiempo fuera del escenario que en él, que presten sus instrumentos a alguien del público, que salgan a tocar a la calle algún tema, que se vistan con la ropa de alguna integrante de las primeras filas, se turnen las labores vocales, que acaben haciendo gimnásticas flexiones sobre la barra del bar al ritmo de Push Up Man o que pasen por su filtro alocado una versión del Break On Throug de The Doors hasta hacerla casi irreconocible, todo ello basando su show en la inexistencia de una barrera física que separe a la banda de su audiencia, aquí todos somos uno y los papeles se intercambian con absoluta naturalidad.

Y todo ello en 65 minutos de vorágine musical donde se funden el soul, el garage y el rhythm and blues con el sonido punk de Brooklyn y en los que les da tiempo a tocar un par de temas de su nuevo trabajo Brooklyn Sound Solution, (You Give Me Nothing To Go On y Come Home Baby), el número 22 de su discografía y centrarse en sus canciones fetiche como Hitsburg USA (Ramones a toda velocidad), Feels Good To Feel, Push Up…y los bailes con más savoir affair del bigotudo “teenager” Peter Zaremba, con unos giros de micrófono escuela James Brown incluidos.

Al final todos para casa con una sonrisa de oreja a oreja y yo reafirmándome en lo que un día escribí “The Fleshtones anoche salvaron el mundo”…Pero no tiene importancia, lo hacen a diario.

Fue una suerte para los presentes que se cayera su fecha de Ponferrada y buscaran una salida de urgencia para tocar porque los asistentes al concierto de la Sala Porta Caeli no olvidaremos la descarga de velocidad que los de Peter Van Elderen insuflaron. ¿Que la gente está inicialmente a la expectativa? ¿Que un martes no es el mejor día para el rock?. Como el propio Peter proclamó con su voz rota desde las tablas “que más da todo eso si probablemente mañana todos estaremos muertos.

Con un batería hipertatuado (Bart Nederhand)  con una pegada capaz de arrancar un bulldozer triunfaron cuando se aproximaron más a los ritmos de Motorhead (We want blood, Dead End) o la vertiente más Ramoniana (pasada por un empacho de speed) de Go Satan Go y naufragaron cuando en la segunda parte de su corto set (poco más de una hora) se enfrascaron en ritmos hardcorianos que al menos a los presentes nos dejaron algo decaídos.

Pero es que más de 1500 conciertos a sus espaldas (!!!!) les sirven para saber insuflar su amor por la velocidad desmedida (y descontrolada) y sonar con la contundencia que pocos trios se pueden permitir. No son virtuosos (si exceptuamos a su batería) ni pretenden serlo (de eso se trataba el punk rock) pero la actitud es la adecuada y si no que se lo pregunten a su gigantesco bajista con aspecto de clon de Zack Wylde y una fantástica gorra del nuevo ídolo del country Bob Wayne (que visitará esta misma sala dentro de un par de meses).

Faltó algo de público para que los pogos surgieran y los huesos crujieran pero aún así es de agradecer que en la cada vez más rica programación local tengan cabida las bandas de punk rock más desenfrenado y de calidad entre tanto producto español algo trasnochado y un poco casposo.

Letras sobre mujeres, coches a toda hostia, violencia, fiestas y borracheras…Al fin y al cabo una banda cuya nota promocional termina con la frase “el infierno se nos está quedando pequeño” tienen todo mi interés y el beneficio de la duda. Realmente las llamas no llegaron a quemar a nadie pero no hay duda de que el calor nos llegó al menos en los setenta minutos que estuvieron sobre el escenario. Y en una noche con los termómetros tan bajos en la calle es meritorio, al menos yo me marché a casa entonando su himno We Want Blood.

The Answer han logrado devolver el rock de sabor más añejo a las masas y lo han conseguido gracias a su maestría en combinar diferentes elementos musicales, conocidos de sobra por cualquier melómano, y darle un toque de frescura necesario. Es cierto que por momentos te pueden recordar a unos primerizos, y desenfrenados, The Black Crowes, que sus riffs de guitarra beben directamente de Led Zeppelin y que el toque blues rock de  bandas como Bad Co. están presentes en primer término, pero gracias a la voz de un sobresaliente Cormac Neeson, elemento sobre el que gira toda la maquinaria The Answer, han conseguido hacerse un hueco en las discotecas de de los aficionados al rock.

Nuevamente un sonido espectacular en la Caracol, quizás el bajo demasiado alto en la mezcla pero no molestaba, una escenografía sencilla en la que destacaba un gran telón con el nombre de la banda, y Cormac moviéndose sin descanso durante los 85 minutos de show (único lunar de la velada) mientras entonaba hasta ocho cortes de su reciente Revival, en mi opinión su mejor obra hasta la fecha, y dejando tan solo algunas pinceladas de su disco de debut como la imprescindible Under The Sky o Come Follow Me que recibió una acogida atronadora.

Apenas pausas entre las canciones, tan solo para algún pequeño comentario de agradecimiento de su vocalista o los mini solos del final de Tornado, y temas alargados para el lucimiento de sus miembros, como en Preacher donde Corman bajó del escenario para cantar entre una audiencia a la que pidió sentarse en el suelo o One More Revival cuyo ritmo soul/gospel se desenfrenó en su parte final.

Me gustó mucho que ralentizaran Nowhere Freeway hasta casi convertirla en balada aunque en mi cabeza seguía sonando la versión cd con la colaboración de Lynne Jackaman de Saint Jude (probablemente la mejor voz femenina del rock en la actualidad), Vida (I Want You) demostró ser un single perfecto con sus coros y estribillo y Faith One Down, tema menos conocido ya que aparece en la edición especial de Revival, aunque sorprendente quedó un poco deslucida.

Para los bises se guardaron dos temas especialmente cañeros la setentera Evil Man, de su anterior disco y donde destacó el apoyo en los coros de Micky Waters (bajista de la banda), y Waste Your Tears, más acelerada y un broche perfecto para un concierto en el que tan solo la corta duración (les hubieran entrado sin problemas un par de temas más) y la sensación de regular fuerzas para la gira que acaban de comenzar, sobre todo la voz de Corman que aunque se movió en el filo de la ruptura siempre daba la sensación de guardarse un pequeño as en la manga, fueron los puntos débiles.

De todas maneras The Answer demuestran ser una banda en un estado de forma e inspiración sorprendente, sus giras teloneando a AC/DC les han enseñado como comportarse ante una audiencia ávida de sonidos duros, aunque convenientemente matizados, y su repertorio tiene un nivel que augura un futuro más que prometedor convirtiendo cada concierto en una auténtica fiesta. Al fin y al cabo ¿no trata de eso el rock and roll?.

Por cierto no querría dejar de destacar los asequibles precios de su puesto de merchandising (cds y vinilos a 10€) que fue generosamente visitado por todos los presentes, así si que da gusto pasar por caja.

Set List Madrid:

- New Day Rising

- Come Follow Me

- Under The Sky

- Vida (I Want You)

- Faith One Down

- Riverbed

- Trouble

- Nowhere Freeway

- Preachin´

- Tornado

- Too Far Gone

- One More Revival

- Evilman

- Waste Your Tears

¿Quereís conocer un poquito más de la vida dentro del grupo, de sus inquietudes musicales, de sus opiniones sobre el panorama indie nacional y muchas cosas más? Aquí os dejamos  la entrevista que tan amablemente nos han respondido los miembros de HATEM.  Ahora bien, si realmente quereis conocer de cerca al grupo y escuchar sus grandes temas en directo, no os podéis perder el concierto que organizamos desde Notedetengas mgzine en la Sala Porta Caeli de Valladolid este viernes 16 a partir de las 21.30h.

(Entradas anticipadas 10€ en el Café España. Entrada en taquilla el día del concierto 13€)

1.- Tras cuatro años en la escena musical española, imaginamos que tendréis muchos recuerdos y muchas anécdotas para contar, pero a nosotros nos gustaría saber cual es ese momento en que os parasteis a pensar y dijisteis, “Chicos, esto va en serio”.

En realidad somos muy serios para los temas HATEM desde el principio, sin dejar de que sea divertido y en el mejor plan posible. Tocar cada vez para más público y ver que hay gente que te sigue, te hace ver todo desde otra perspectiva. Además de esto cuando hay gente fuera del grupo que pone su trabajo, su ilusión y su sustento en lo que tu haces, empiezas a pensar de otro modo e intentas que todo siga creciendo.

2.- Vuestra música encierra algo que va mas allá de lo terrenal. Una mezcla de sensaciones místicas trasladadas a un puñado de acordes y letras. ¿Qué parte de vuestro ‘yo interior’ se ve reflejado en este nuevo trabajo?

Para todos es la actividad creativa principal de nuestra vida. Todo lo que plasmamos en el grupo; las canciones, las pintas, el estilo…. son un reflejo de lo que nos gusta y nos esta pasando emocional y estéticamente. HATEM es una exposición a puertas abiertas de la parte visitable de nuestros interiores.

3.- Aunque no habéis cambiado vuestro estilo característico de mezcla de estilos pop y folk anglosajón y vuestro productor sigue siendo el de vuestro anterior trabajo (Luca Petrica), habéis realizado muchos cambios en vuestro nuevo EP Estela Castiza (HATEM Prayer Team, 2011) empezando por el giro hacia la letra en castellano y pasando por la fuerza y la energía de las nuevas canciones. ¿Ha sido un ejercicio planificado de renovarse o morir?

Los cambios estilísticos en HATEM los entendemos como algo muy natural, hacemos lo que nos pide el cuerpo. Vemos el grupo como algo dinámico a este respecto. Los referentes cambian, fueron unos para el LP, cambiaron en el EP y para el 2º LP que estamos haciendo ya, son otros muy distintos. HATEM es un todo formado por 5, los cambios como conjunto e individuos se notan. Nunca nos planteamos ser un grupo de un estilo concreto y cerrado. Cambiar de estilo nos hace aprender nuevas formas de tocar, instrumentos que manejar, tipos de sonido con los que jugar….., pese a ello creo que la esencia de las canciones es la misma, 100% HATEM.

4.- De todos es sabido el ‘buenrrollismo’ y la unión que engloba a la familia HATEM. Vamos a hacer un ejercicio de similitudes con uno de los equipos más famosos del mundo, el equipo A. Aunque ellos eran solo cuatro y vosotros sois cinco, ¿Qué rol de los personajes del equipo A se refleja en cada uno de los miembros de HATEM? Dentro de HATEM, quién sería…

Hannibal Smith.- (Planifica, toma decisiones, marca la estrategia)

M.A. Barracus.- (El músculo del grupo, el experto en trabajos manuales, la acción)

Murdock.- (Ideas chifladas, el loco del grupo, el gamberro)

Fenix.- (Relaciones sociales, visión de conjunto, sabe poner la pausa)

Los 5 encarnamos alguno de esos estereotipos en algún momento, pero a ratos, no somos uno de ellos todo el tiempo. En términos generales, siempre nos cayo mejor Murdock, sería un quinto HATEM perfecto.

5.- Conocemos la disparidad de profesiones que ejercéis en vuestra vida ‘de 8 a 3’ pero nos gustaría adentrarnos un poco más y saber lo sacrificado que es optar por una vida dedicada enteramente a la música. ¿Estaríais dispuestos a pasar esa línea? ¿Qué es a lo que tendríais que renunciar?

El sacrificio actual esta en compaginar ambos aspectos. Tener trabajo extraHATEM hace que el tiempo que todo el mundo dedica a descansar, pasear, beber o estar con la novia, lo ocupe el grupo. Salvo nuestro batería, todos hemos desarrollado carreras profesionales que aparentemente garantizan más fácilmente el sustento. Más fácilmente, pero no más placenteramente, por eso siempre nos gustará más el HATEM way of life.

Actualmente no es posible vivir de la música para nosotros. Si hubiese posibilidad y fuese sostenible, elegiríamos ese camino. Los sacrificios vendrían de renunciar a esa estabilidad económica que pueden dar otros trabajos.

6.- Una mezcla muy dispar de instrumentos de diferente naturaleza y de estilos musicales, una puesta en escena peculiar y llamativa y la autoedición como medida para salir adelante…        ¿Satisfacción personal o ejercicio de creatividad constante?

Hasta ahora hemos intentado hacer todo según creíamos y según lo que nos apetecía tanto en el escenario como en las grabaciones y según ese momento. No analizamos demasiado como hemos hecho las cosas, lo importante es como lo haremos en el futuro. Hasta ahora sabemos que hemos conseguido cosas maravillosas haciéndolo a nuestro modo, quien sabe como será en adelante. Como resumen podemos decir que nos gusta satisfacernos inmersos en una creatividad constante.

7.- De las canciones que forman parte de vuestra vida, aquellas que llenan el setlist de vuestro mp3 ¿Cuál os gustaría que hubiera sido compuesta por HATEM?.

Siempre se descubren canciones nuevas o antiguas que son temazos, demasiadas para enumerar. Canciones que realmente son genialidades. Esas canciones son las que te hacen pararte a pensar como surgieron, donde se hicieron grandes, que le pasaba por la cabeza al que las compuso. Son todo un ejercicio de análisis desde la envidia.

8.- ‘Hola a todo el mundo’ es el título de un poema de Walt Whitman. Si nos trasladamos al mundo de los libros y nos ponemos literarios, ¿Qué título le pondríais al panorama indie nacional?

Depende… ¡¡¡¡jajajaja!!!. Desde “Requiem por un sueño”, “La hoguera de las vanidades”, “Rebelión en la granja”, “El sueño de una noche de verano”…..

9.- En estas fechas, estamos viendo ya las primeras confirmaciones de los festivales de música independiente de nuestro país. Dentro de estas confirmaciones, observamos la carrera por conseguir los grupos más de moda pagando cifras astronómicas más propias del mundo del futbol que de la música. (Se rumorea que el BBK Live ha pagado una cifra cercana al millón de euros por traer a Radiohead a Bilbao). ¿Hemos superado la barrera de lo moral en este supuesto panorama independiente?

Alguien dijo que el indie es el nuevo mainstream. Actualmente es solo una forma de definir una amplia gama de músicas, no una forma de hacer las cosas, eso ya queda para cada grupo en concreto. El indie bajo esa definición es otro producto de mercado y por ello esta sometido a sus leyes. Si se paga ese caché es porque alguien ha considerado que lo merece y tal vez por razones alejadas de la música. Como en todo, el problema son las desigualdades que genera. Grupos sin pasta tocando gratis y megaestrellas cobrando millones. Algo tristemente común en todo lo que nos rodea.

10.- ¿Qué nos tiene preparado HATEM para este 2012? ¿Nuevo disco a la vista?

Nuevo LP para mayo/junio en el que ya estamos trabajando a tope. Más conciertos y más aventuras tipo HATEM. Esperamos que mucha más gente se apunte al plan, quedan plazas.

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Viernes 16 de Diciembre – Sala Porta Caeli global music
HOLA A TODO EL MUNDO + BRAVO FISHER!
10€ anticipada | 13€ taquilla – entradas YA a la venta en Café España
+ info en http://conciertos.notedetengas.es/

En el caso de Valladolid y a pesar de que tanto en la actuación del grupo invitado como apenas unos minutos antes de comenzar no parecía que se fuera a llenar si se consiguió y más de 4000 personas disfrutaron de un concierto de dos horas de duración en la que repasaron de manera concienzuda su último disco y en la que no faltaron las revisiones de sus clásicos (Duerme Conmigo, Corazón de Mimbre, Ciudad de los Gitanos..) ante los cánticos enfervorecidos de sus fieles que se dejaron la garganta toda la noche compensando un sonido que una vez más en este recinto volvió a ser muy mediocre.

Un éxito de la banda de Kutxi Romero de la que acompañamos unas fotos como testimonio.

Para este vídeo de Catpeople empleamos aproximádamente un cuarto de hora en hacerlo todo.  En ese breve espacio de tiempo, los minutos  parecían que se estiraban ya que pudimos realizar una prueba de sonido con un pequeño ensayo, ubicar a los protagonistas en nuestra ‘selva’ particular y charlar durante unos instantes con Adrián y Raúl sobre la actualidad del grupo antes de que nos abandonaran para meterse de lleno en la preparación del concierto con el que nos deleitaron horas más tarde.

Aquí está el resultado fotográfico del ‘making off’ del video de AU! que nos dejó el grupo gallego-catalán a su paso por nuestra ciudad.

Para lo que todavía no hayais podido ver el video,  aquí os dejamos el vídeo AU! que grabamos con Catpeople.

Leí recientemente una entrevista con Eilen en una revista en la que la cantante afirmaba perseguir la máxima desnudez musical en post de la mayor claridad en el mensaje a trasmitir y realmente la menuda vocalista consigue crear un halo de simplicidad que conmueve.

De un humor excepcional y vestida con un elegante traje negro que contrastaba con sus botas de cowboy (cowgirl en este caso) saltó al escenario de La Sol tras la introducción musical de una banda sobresaliente en la que si todos sus componentes intentan cumplir con el axioma de menos es más su guitarrista Jerry Miller dinamitaba la propuesta conjunta con una exhibición impresionante de notas, punteos y melodías extraídos de una guitarra Gretch que engulló literalmente el espectáculo no conformándose con ser colchón de lucimiento para una Eilen que sin embargo sacó un rendimiento sublime a su hilo de voz y supo transmitir la tristeza que emanan sus canciones.

Queen Of  The Minor Key es su última obra y de ella fueron cayendo una tras otras sus mejores composiciones, desde la inicial y melancólica I Remember You al ritmo vivo de Bang Bang Bang, la fronteriza Santa Fe, el toque new soul de Warning Sings (apuntate esta Imelda!) o en la fase final del show el tema título del disco y Kalimotxo (por aclamación popular) como homenaje a su bebida favorita.

Y además muchas canciones de su anterior disco, homenaje a Loretta Lynn de la que destacaron Fist City, Deep As Your Pocket o la alegre I´m A Honky Tonk Girl, todas ellas precedidas de introducciones realizadas en un castellano más que competente que demostraban las ganas de agradar de la cantante que parapetada tras su guitarra acústica (autografiada por Wanda Jackson), una armónica, un par de maracas (se ofreció a realizar un solo de tan simple instrumento en un momento dado del concierto) o simplemente bailando de manera comedida sobre el escenario supo arroparse por el contrabajo de Johnny Sciascia y Jason Beek (marido y batería del combo) y traspasar la aparente fragilidad de su físico.

En la parte final de la hora y media de show solicitó a los presentes sus preferencias musicales para crear una jukebox personal en la que sonaban obras pretéritas como Fading Memory, mientras Jerry Miller improvisaba solos en las canciones y atisbaba melodías conocidas de Tito Tarántula o los Stones (sublime ese apunte del Paint It Black).

No creo que Eilen Jewell tenga problemas para volver a tener éxito de público en una nueva visita, incluso aseguro que los que se aventuran a sus conciertos se irán multiplicando ya que el componente de autenticidad que desprende y la fusión tan natural del rockabilly, folk, country o blues que destilan sus composiciones son una baza más que segura. Allí estaremos para contarlo.

Sin embargo se sigue echando de menos dentro de este abanico musical conciertos de la vertiente más clásica del Rock And Roll, que si tienen cabida en otras capitales (y no solo en Madrid donde Kim Lenz o Imelda May agotan el billetaje de las salas sino en ciudades como Gijón o Bilbao) y el concierto del trio holandes The Bellhops el pasado jueves fue un ejemplo de que hay un público ávido de escuchar los ritmos más bailables y originales del género.

Pero antes de los Bellhops fue el turno de Jane Canalla una banda local de rock con influencias del estilo “urbano” de los 80s y que alternaron varios blues (Urban Blues)  atacados con pericia con temas de sabor americano (a mi me recordaron a otra banda mítica de la ciudad llamada Los Miembros como en No Lo Pude Remediar) y que destacaron por lo trabajados que tenían los temas tanto a nivel de ejecución como de arreglos.  Muy buena banda para directo y muy diferente estilísticamente de lo que vendría a continuación.

The Bellhops no son unos recien llegados, tienen a sus espaldas una carrera espectacular tanto como banda con siete albums publicados en los mas de 20 años de trayectoria que les contemplan, como por sus grabaciones junto a grandes artistas norteamericanos en sus giras por Europa, como Billy Lee Riley o Ray Campi con los que han llegado a grabar en estudio como banda de acompañamiento.

Uno de los grupos más reputados de la escena Rock´n´Roll y los encargados de confeccionar esta gira homenaje a uno de los rockers más importantes de la historia, el muchas veces infravalorado Gene Vicent (en el 40 aniversario de su muerte) y que se presentaron en formato trío (contrabajo, guitarra y batería) y con un repertorio de casi cuarenta canciones que interpretaron en las casi dos horas que estuvieron sobre las tablas.

Desde la inicial Red Hot, de la época con los Blue Caps pasando por el archiconocido Be Bop A Lua o el ritmo desenfrenado de Double Talkin Baby que puso a bailar a varias parejas que vestían inmaculadamente para esta celebración de Rock and Roll.

Tuvieron más éxito cuando aceleraron los ritmos y se mantuvieron en los patrones más puristas y bajo la intensidad con los acercamientos a estilos más country folk, latinos e incluso bluseros aunque hay que reconocer que las contadas veces que se aproximaron al soul, sobre todo en la voz cálida de su contrabajista Martin Ubahgs que se encargó de la mayor parte del repertorio vocal,  dejando su oportunidad de lucimiento al guitarra Emilio García (de ascendencia española) que demostró su pericia a las seis cuerdas sacando un sonido afilado a su Telecaster y su hijo Enrico a la batería que se atrevió con una versión rockabilly del clásico Rock And Roll de Led Zeppelin!!:

Intercalaron muchas canciones de su último trabajo de estudio como Surfin Mania o You Burn My Head y se dejaron en el tintero alguna cover que tenían preparada como Suspicious Mind con la que habrían tocado la fibra de algún presente.

Noche de zapatos de plataforma, faldas de vuelo, camisetas ajustadas y tupés centelleantes y sobre todo de buena música y mucha diversión. Que no sea la última

Nueva peregrinación a la localidad leonesa de Santa María del Páramo, en concreto a la estupenda Taberna Belfast, para disfrutar de otro de los conciertos “imperdibles” de la temporada musical con el lujo añadido de poder ver a bandas internacionales que en ciudades como Madrid o Barcelona actúan para audiencias de varios centenares pero en este caso en un recinto de pequeñas dimensiones (y una acústica privilegiada) donde raramente nos juntamos más de medio centenar de asistentes.

En este caso la cita era con los emergentes The Delta Saints, una de las bandas que más polvareda están levantando entre la prensa musical sin tan siquiera tener editada aún su primera obra completa (tan solo han publicado dos Eps que han recopilado en un cd especial para Europa y que se puede comprar en esta gira) y que se están llevando alabanzas unánimes y el reconocimiento de que nos encontramos ante una de las bandas que puede reinar dentro del panorama del “rock de raices” internacional, y de paso dar una patada en el culo a unos acomodados Drive By Truckers, en tan solo unos años.

Cinco jovenzuelos (apenas superan los veinte años) procedentes de Nashville y que atesoran en su bagage la sabiduría musical de auténticos veteranos del género.

Para hacerte una idea de a que suenan es como si capturaras a los Screamin Cheetah Wheelies del Magnolia (exijo que todo el mundo se ponga en pie al escuchar pronunciar este nombre) te los llevaras una temporada a un pantano a capturar las sonoridades más añejas y después de la sobreexposición a las raices les trasladaras al delta del Mississippi a convivir con los bluesmen más puros del género. La mezcolanza resultante es una fusión de soul, blues, funk y rock, de dobros centelleantes sobre un colchón de harmónica, de bases rítmicas negroides tejidas y entremezcladas a punteos de guitarra de rithmt and blues y de voces que delatan personalidad y crudeza muy por encima de la edad que sus pasaportes delatan.

Es como presenciar el pacto del cruce de la carretera 66 donde el diablo acuerda con un bluesman la eterna juventud a cambio del secreto del blues pero sin perder la personalidad propia, porque si exceptuamos a los citados Screamin Cheetah (de nuevo todos en pie) o a los Blues Travellers más puristas todo lo demás que el oyente percibe es familiar pero a la vez nuevo.

Así que estos imberbes tatuados con cruces y citas bíblicas, será por mantenerse alejados del diablo del cruce, con un look (excepto su bajista) sacado de cualquier pandillero de la peli de Erase Una Vez En América, con camisas blancas, tirantes y descalzos nos ofrecieron a algo más de 40 asistentes una ceremonia musical que dificilmente podremos olvidar.

Desde que abrieron fuego con Cigarrette hasta el final, casi dos horas después, con la versión de James Brown de Sex Machine pudimos asistir al orgasmo gospel, pasado por guitarra eléctrica,  de Company Of Thieves, al folk rural exacerbado de A Bird Called Angola (mi tema favorito de este año con el permiso del Codeine de Jason Isbell) o el blues puro y sentido de Momma que nos puso la carne de gallina al ritmo cadencioso de la harmónica de Greg Hommert (que sopló como un virtuoso) cuando el Belfast se convirtió en una ceremonia de la que los presentes participábamos con los coros.

Pero es que hubo más porque nos regalaron una versión del Hard To Candle de Ottis Redding que hizo palidecer a la adaptación de los “Cuervos Negros” y un aceleradísimo Johnny B Good que demostró que también pueden rockear como los que más.

Pero donde se encuentran más a gusto es cuando la lucha entre el blues y el folk se debate en duelo y surgen canciones como Pray On donde el sonido metálico y profundo del dobro te trae a la cabeza a Muddy Waters o cuando Ben Ringel se deja la voz y las pelotas cantando Voodoo Walk con la garganta rota y el ritmo se acelera y se percibe el calor del infierno saliendo de las manos de un bajista privilegiado, por no mencionar cuando Swamp Groove nos taladró el alma con su cadencia espiritual o 300 Miles nos situó en una carretera a ninguna parte propia de una road movie country.

Un concierto mayúsculo, impresionante, de una calidad que dificilmente será igualado este año y la antesala a la gira del 2012, prometieron volver el año próximo y los presentes les dejamos claro que si no lo hacían iríamos por ellos, en las que con el disco bajo el brazo seguro llenarán salas de mayor aforo y algún crítico lumbreras hablará de ellos como la nueva banda que salvará al rock de este siglo.

Mientras tanto unos cuantos privilegiados recordaremos esta fecha en la que les tuvimos cara a cara, compartimos cervezas (y algunos tipos con suerte como los miembros de esta web desplazados al evento  incluso mantel y anécdotas de la gira) y descubrimos que lo más profundo de los Estados Unidos es perfectamente trasladable al Páramo leones y que cuando alguien pregunte por la capital de alguno de los estados más rednecks de los USA mentalmente todos mencionaremos Belfast y no será precisamente por la verde irlanda sino por el rojo escenario de una taberna en la que algunos tenemos previsto pedir asilo (musical que no político) en breve.

Sin embargo Soul Gestapo, que venían de hacer un gran concierto dentro de festival Turbo Rock, comenzaron con ganas y presentaron casi de manera exclusiva las canciones de su último trabajo, el sobresaliente Just One Day, que un año después de su publicación ha demostrado ser el punto de partida que les ha llevado desde los sonidos más garajeros a su actual estado hard rockero, más cercano a las bandas de los años setenta pero sin prescindir de sus coqueteos con el power pop, el funk, el soul e incluso los tonos bluseros.

Arrancaron con Breaking You Down y ya pudimos apreciar que el sonido sería sobresaliente a pesar de la falta de espectadores que amortiguaran los vatios, y aunque  Soul Gestapo lo intentaron sinceramente el concierto fue de más a menos probablemente por el contagio del frío ambiente, con algunos instantes geniales como la interpretación de Just One Day con un ritmo mucho más melódico y americano, con ese aroma campestre que les emparenta con el lado más salvaje de Jayhawks, una auténtica delicia sonora.

Además Aitor tuvo grandes momentos en su ejecución vocal, de sus dotes guitarreras con una antigua GIbson no es necesario hablar ya que  son sobradamente conocidas, como en la country A Lie o sobre todo en By Your Side con un sonido americano más relajado que en sus obras más antiguas. Quizás en este aspecto la producción que ha realizado en su último trabajo Hendrik Rover, alma de Los Del Tonos cuyo batería Iñaki García figura en esta formación, se ha filtrado también al desarrollo en directo de las canciones.

Otra de las características de la banda es su gusto por las versiones y en la parte final de la noche sonaron clásicos de la Creedence y Neil Young (estupendo Fuckin´Up) y es una pena que abortaran la parte final del set list y nos dejaran con ganas de más a pesar de la casi hora y media de show.

En resumen un gran concierto para abrir la temporada de la Porta Caeli y un anticipo para todo lo que se nos viene encima. Es curioso comprobar como a pesar de la calidad del show que presenciamos la mayoría de los “rockeros” pucelanos prefirieran acudir a la plaza Mayor y asistir a un festival de grupos de versiones. El gusto por el sucedáneo contra el original… completamente respetable pero para mi, y visto lo visto, del todo incomprensible.

Se trata para quien no los conozca de una joven banda del delta del Mississippi que están recogiendo unas excelentes críticas por parte de los medios especializados, quien ya les señalan como el próximo gran “hype”, por su original fusión del rock de raices americana con el soul, el blues rural y el blues rock que evocan a bandas del calibre de Screamin´Cheetah Wheelies, Blues Traveler o Zach Williams & The Reformation.

La gira será extensa por toda Europa y tendrá múltiples paradas en nuestro pais, como no podía ser de otra manera notedetengas estará presente en alguno de sus conciertos.

1 de octubre de 2011:  Bilbao, El Balcón de la Lola
2 de octubre de 2011:  Santa María Paramo, Taberna Belfast
4 de octubre de 2011:  Liérganes, Los Picos
5 de octubre de 2011:  Madrid, La Boite
6 de octubre de 2011:  Orihuela, La Gramola
7 de octubre de 2011:  Valencia, Sala Durango
8 de octubre de 2011:  Barcelona, Rocksound
9 de octubre de 2011:  Monzón, Zona Rock

Y es que Younger demostró en su concierto en la burgalesa Estudio 27, que cerraba con este evento una programación de grandísima calidad, que el espíritu del sonido Detroit sigue vivo y con ganas de abrir un nuevo camino en el que no se olvida de su trayectoria (Radio Birdman, The Rats, Other Side, New Race...)  y que ha buscado en la reedición de su disco de 1997 Lower Youself el pretexto para realizar una nueva gira mundial (la enésima) en la que repasar cañonazos como la inicial We Have Landed con la que nos demostraron que habían “aterrizado” para inundarnos de melodías tarareables, bailes epilépticos en la mejor tradición Iggy Pop y sobre todo dejar patente la potencia y calidad de una formación que después de cinco años juntos sonó compacta y precisa (¿quien dijo que no hay grandes virtuosos dentro del punk rock?) en la que su bajista Jim Dickson’s (ex Barracudas) se llevó el gato al agua en cuanto actitud y pegada robándole en muchos momentos el protagonismo al propio Younger.

Por su parte los guitarristas Dave Kettley y Brent Williams (ex-Zambian Goat Herders), que alternó las seis cuerdas con los teclados (Jenny, The Burning Of  Rome) estuvieron sobrios y solventes, sin pisarse el protagonismo uno a otro e intercalando pequeños solos entre la maraña de acordes rítmicos.

Fueron ochenta minutos de sudor, espasmos viscerales  y cerveza para cerca de un centenar de asistentes que bailamos al ritmo de I Come Cheap, Headin´South (brutal), Jenny, Reasons, Coming Appart, Party Time o una furiosa Like A Curse antes de soltarnos, sobre todo en el tramo final, varios trallazos de su banda madre como Fire Flame o Bonsoir a Vous con la que finalizaron su set list antes de regresar para sorprendernos con una adrenalítica versión del Fire de Hendrix.

Es curioso ver la intensidad con la que gente de la generación de Younger, que lleva 37 años de carrera musical, son capaces de afrontar una gira con tantas fechas consecutivas como esta, muy por encima de muchas bandas jóvenes y desmotivadas, y como descargan con intensidad ante audiencias poco numerosas. Ignoro si hablamos de profesionalidad, pasión o simplemente amor por el rock pero no todas las semanas tenemos la oportunidad de enfrentarnos a unos punks sexagenarios que nos barran con sus canciones de tres minutos. Lo de New Christs fue tocar la gloria (musicalmente) y el punto y final perfecto para la serie de conciertos de esta temporada de Estudio 27 junto a The Cynics, Stacie Collins, Dwarves...que la racha siga después del verano…y nosotros que lo veamos

Y es que Sober son probablemente el grupo más plagiado de la historia reciente de la música popular en España, aunque ellos también se “inspiraron” de manera evidente en sonidos que venían de fuera, y tras su separación dejaron una retaila de clones, la mayoría de ellos con las horas contadas, que retorcieron una y otra vez una fórmula que a los protagonistas de esta velada les resultó efectiva y que ellos mismos se ocuparon de amputar, en mayor o menor medida de su trayectoria, mediante proyectos paralelos (Skizoo y Savia los más exitosos) que evocando el espíritu de la banda madre si aportaban trazos de originalidad, o al menos lo intentaban, mientras que todos los discos que parían, a veces como churros, los estudios Cube de Alberto Seara se aferraban con vehemencia al patrón original.

Pero Sober no solo han demostrado ser capaces de regresar con un cd a la altura de su discografía, un Superbia tan efectivo como conservador, sino que su poder de convocatoria sigue a salvo y aunque en Valladolid no consiguieron el taquillazo que han logrado en lugares como Barcelona o Valencia si que contaron con cerca de medio aforo de fans, en la treintena en su mayoría, que recibieron con entusiamo la salida de la banda y que durante las dos horas de duración del show no dudaron en mostrar su pleitesía hacia las nuevas composiciones, que se llevaron casi la mitad del repertorio, y en rozar el delirio cuando alguno de los clásicos (La Prisión del Placer, Paradiysso, Cubos, Oxígeno, Cubos, Loco…)  asomaba en el set lists.

Con una escenografía sencilla (aquí no aparecieron ni los lasers de otras fechas de la gira) compuesta por el logo de la banda y un juego de luces efectivo que los hizo permanecer ”entre tinieblas” durante toda la velada Sober dieron rienda a su descarga de distorsión y vatios encauzados dentro de uno de los mejores montajes de sonido que se pueden ver en las bandas de este pais, ya que sus técnicos consiguieron domar el estratosférico equipo que llevan sus dos guitarristas (con menos tecnología de la que acarrean sus roadies se podría mandar un satélite al espacio) y resaltar la voz de un Carlos Escobedo, cada vez mas seguro de sus facultades, por encima de la base rítmica que marcaba su nuevo componente, el batería Manu Reyes que fue el “sacrificado” de toda esta vorágine sónica y quedó algo más oculto que en la versión enlatada.

De riguroso negro y deslizando su mensaje oscuro y en cierta manera depresivo salieron a escena acompañados de los pregrabados orquestales de Suberbia y a partir de aquí  fueron sucediendose una a una las canciones en un espectáculo bien definido y preparado, plagado de clichés rockeros y en que la interpretación acústica por parte de Escobedo de “Naufrago” y un set en el que su nuevo batería “atacaba” unos timbales en el centro del escenario mientras el vocalista se ocupaba de la batería y Antonio Bernandini realizaba un solo desde la mesa de mezclas, relajaron el ambiente antes de la traca final donde el repaso de los temas de Morfología tomaron el protagonismo.

Contundencia en la formación y satisfacción en los presentes son las notas generales de un concierto en el que Sober se aseguraron revalidar su hegemonía en el panorama de “rock contemporaneo” y mucho me temo que futuros trabajos con los que seguir engrandeciendo su trayectoria. Para que todo sea perfecto solo nos queda rezar para que sus imitadores acudan a ver esta gira y se convenzan de que la superioridad del original no merece ser expoliada por la mediocridad de las copias.

- Suberbia

- 10 Años

- Caida Libre

- Eternidad

- Umbilical

- La Prisión del Placer

- La Nube

- La Araña

- Blanco y Negro

- Paradysso

- Fantasma

- Hombre de Hielo

- Set de Percusion y solos

- Naufrago

- Cubos

- Oxigeno

- Arrepentido

- Tic Tac

- Loco

- Sombras