Lo hizo por primera vez el pasado mes de diciembre en Tenerife y llega al Teatro Calderón de Valladolid del 15 al 21 de febrero.

De la mano de Jaime Azpilicueta aterriza en nuestro país una arriesgada apuesta: tres millones de euros de inversión en un despliegue técnico y artístico de enorme envergadura que ninguna productora española se había atrevido a afrontar hasta el momento. Trabajos como My Fair Lady, Cabaret, Jesucristo Superstar o Evita avalan el trabajo de este director que cuenta con un gigantesco equipo, tal y como los cánones de calidad de esta obra requieren.

Su objetivo: Divertir y deslumbrar con un gran trabajo teatral y conseguir del espectador una sonrisa y una lágrima (por lo menos). Si es así, todos estos años de trabajo estarán justificados, señala Azpilicueta.

En la página del Teatro Calderón tenéis toda la información práctica sobre el espectáculo.

www.youtube.com/watch?v=VHgYcQ_MKdA

Espectáculo: SONRISAS Y LÁGRIMAS (Drive Entertaiment, Vértigo Tours y Fluge, Grupo de Industrias Orquestales)
Dirección: Jaime Azpilicueta
Música y letra: Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II
Lugar: Teatro Calderón (Valladolid)
Funciones: 15 y 16 (20:30 horas.), 17 y 18 (18:00 y 22:00 horas) y 19, 20 y 21 (19:00 horas)
Precio adultos: de 25 a 50 euros. Niños: de 20 a 40 euros

El montaje de uno de los tres fragmentos del espectáculo, El lago de los cisnes, es una coproducción del teatro vallisoletano junto con el de Campoamor (Oviedo), el Auditori de Sant Cugat y la colaboración de Caja Segovia.

Las entradas pueden conseguirse aquí.

Espectáculo: BLACK SWAN (CORELLA BALLET): El Lago de los cisnes, Acto III (P. I. Tchaikovsky); Who cares? (G. Balanchine) y Suspended in time (Ángel Corella)
Lugar: Teatro Calderón (Valladolid)
Funciones: 13 (20:30h), 14 (18:00 y 22:00h.) y 15 de enero (19:30 h.)
Precio: de 15 a 35€

Resulta curioso cómo en medio de la tormenta, nunca mejor dicho, que hace tambalear la continuidad de muchas compañías de teatro, las grandes propuestas gozan de extraordinaria salud. Los musicales por ejemplo: Blancanieves Boulevard, El Mago de Oz, La Cenicienta, Sonrisas y Lágrimas… Parecen pasar por alto las dificultades y desafían a la temida crisis con apuestas muy fuertes.

El Teatro Calderón de Valladolid empieza el año alimentanto esta lluvia de espectáculos multidisciplinares de gran formato con STORM. Se estrenó el 6 de octubre en el Teatro Gimerá de Tenerife y viene a enriquecer la tradición en la última década de propuestas de circo en sala, abanderada por el Cirque du Soleil. Algunos de los artistas de STORM, precisamente, han trabajado en la compañía francesa.

Circo, teatro, humor, y una historia que asegura una “tormenta de emociones”, la de un padre y una hija que descubren durante un viaje muy particular el impacto de las fuerzas de la naturaleza cuando interactúan con las vibraciones humanas. La habilidad física, la estética y la grandeza del circo entrelazadas con la intimidad de una historia para contar al resguardo de un teatro.

www.youtube.com/watch?v=TFWr8_egCiA

Espectáculo: STORM (CIRQUE IMAGINAIRE)
Dirección artística: Tony Mercer
Dirección circense: Olga Sidorova
Luces y escenografía: Paul Lee
Música: Tim Duncan
Lugar: Teatro Calderón (Valladolid)
Funciones: 3 y 4 de enero (17:30 h.), 5 (12:30 h. y 17:30 h.), 6 (20:30 h.), y 7 y 8 de enero (12:30 h., 17:30 h. y 20:30 h.)
Entradas: 35 € (zona A), 32 € (zona B), 28 € (zona C), 19 € (zona D) y 15 € (zona E)

Para más información sobre entradas y descuentos, consultar la web del teatro

Sala de Museo la Pasión. MIRÓ. Su lucha contra la dictadura. Expuestas obras de la colección Serra. Hasta el 15 de enero.

Sala San Benito. Álbum JOAN COLOM. Exposición fotográfica. Hasta el 15 de Enero.

Sala del Teatro Calderón. XII CERTAMEN DE PINTURA ACOR Castilla y León. Del 1 de diciembre al 1 de enero.

Sala de la Casa Revilla. ARTESA. Una aventura de Vanguardia 1969-1985. Muestra sobre el grupo y la revista Artesa. Hasta el 15 de enero.

Sala de la Iglesia de las Francesas. BELÉN monumental. Con la colaboración de la Asociación de Belenistas de Valladolid. Hasta el 8 de enero.

Por último añadir, para los que puedan estar interesados, que en estos momentos y hasta el día 19 de diciembre está abierta la convocatoria para artistas plásticos que deseen exponer en la Sala Municipal de Exposiciones del Teatro Calderón.  Podéis consultar las bases en la página web del Ayuntamiento de Valladolid.

Qué mejor forma de apoyar al grupo para su siguiente montaje que disfrutar de su mejor obra…

LA BARRACA DE COLÓN

Fecha: 16 Y 17 de diciembre 20:30 horas
Lugar: Teatro Calderón de Valladolid

EL GRAN VIAJE. HOMENAJE A FERNANDO URDIALES

Fecha: 18 de diciembre 19:30 horas
Lugar: Teatro Calderón de Valladolid

Producido por Jana Producciones bajo la dirección de Javier Muñoz, el montaje es un engranaje de muchos elementos cristalizados en el trabajo de 25 artistas que interpretan más de 120 personajes.

Un cuento clásico llevado al glamour de los años 20 con personajes de carne y hueso… o la historia de Bárbara Milton, una estrella de los escenarios en los felices 20 que ve peligrar su luz de diva por el talento de una joven bailarina a la que tratará de eliminar. Color, personajes dispares y, sobre todo, muchos y variados ritmos: charlestón, rock, pop, swing, dance, e incluso funky.

Pero que qué mejor que una muestra audiovisual para haceros una idea de lo que será el espectáculo:

www.youtube.com/watch?v=AkMUjI_eW4s

Espectáculo: BLANCANIEVES BOULEVARD (Jana Producciones)
Dirección: Javier Muñoz
Dirección artística: Rol Zaparaín
Coreografía: Inma Sáenz
Lugar: Teatro Calderón
Funciones:  9 (20:30 h.), 10 (17:30 h. y 20:30 h.) y 11 de diciembre (12:00 h. y 19:30 h.). La función del día 10 (17:30 h.) incluye un descuento del 50% para menores de 15 años.
Precio: 30 € (zona A), 26 € (zona B) , 23 € (zona C), 18 € (zona E) , 15 € (zona E)
Entradas, aquí.

Pobreza extrema y millones de analfabetos… Sin embargo, el movimiento social y cultural del momento, el Romanticismo pervive como una de las etapas más prolíficas de nuestra literatura: Larra, Espronceda, Bécquer, Zorrilla, Rosalía de Castro, y tantos otros cuya obra quiere resucitar este montaje dirigido por Laila Ripoll, una selección de textos realizada por Juan C. Plaza-Asperilla que recitan Blanca Portillo, José Coronado, José Luis Patiño y Marcial Álvarez los próximos días 26 y 27 de noviembre en la Sala Principal del Teatro Calderón.

UN PASEO ROMÁNTICO (La pasión española del siglo XIX) es una lección de literatura e historia dramatizadas con una puesta en escena sobria que permitirá disfrutar al desnudo de las obras literarias de grandes clásicos españoles en la voz de los profesionales de la escena.

Espectáculo: UN PASEO ROMÁNTICO
Versión y adaptación: Juan C. Plaza-Asperilla
Guion y dirección: Laila Ripoll
Interpretación: Blanca Portillo, José Coronado, José Luis Patiño, Marcial Álvarez
Músico: Marcos León
Lugar: Teatro Calderón (Valladolid)
Funciones: 26 y 27 de noviembre (20:30 y 19:30 horas, respectivamente)
Precio: 30 € (zona A), 26 € (zona B) , 23 € (zona C), 18 € (zona E) , 15 € (zona E)
Entradas, aquí.

Estos pensamientos rondaban mi cabeza durante la primera parte de la ópera de 3 horas de duración,  después de observar detalladamente la cuidada y explícita escenografía. Con un suelo inclinado de formas imposibles, una colorimetría basada en los grises, dedicaba la parte delantera al desarrollo de la acción mientras dejaba una gran ventana a un fondo que lejos de ser pintado representaba en tres dimensiones y fielmente los tejados parisinos.

Hacen su entrada Rodolfo (Ricardo Bernal), el poeta y Marcello (Gabriel Bermúdez), el pintor. Desde el primer momento se escuchó a la orquesta tapando a los cantantes, perdiéndose casi por completo la voz en los fortes de la orquesta. La buena dirección de escena permitió darle movimiento al primer cuadro pues los actores/cantantes se movían, bailaban y actuaban sin descanso haciendo así más ameno un acto un tanto sosegado.

La plazoleta del café Momus en el segundo cuadro era toda una fiesta en la que sorprendían magos y acróbatas con trucos y fuegos artificiales. Todo un detalle que el público supo valorar. El coro de niños aportó la dulzura e inocencia a esta escena multitudinaria que es sin duda lo mejor de la obra: por la agilidad, la vivacidad, el ritmo, la belleza de la música, la picardía del argumento, la épica de los coros y la espectacularidad de fuegos y coches clásicos en escena. Musetta (María Hinojosa) con una voz brillante, no dejo en ningún momento que la orquesta la sobrepasara y representó lo que para mí fue la mejor interpretación de la velada. Un cuadro prodigioso en el que el coro de los amigos del Calderón supo dar la talla.

A partir de la despedida del coro, la representación va decayendo como decae Mimí con su enfermedad. La soprano (Inva Mula) de voz luminosa y viva, que domina las agilidades y la afinación, pone su buen hacer al servicio de la música pero igual que sus compañeros tenores resulta sobrepasada por el volumen de la agrupación orquestal. A excepción del bajo, Colline (Rubén Amoretti) que también tiene su pequeño momento para destacar.

El último cuadro va perdiendo el interés como la soprano va alentando su último suspiro y termina sin gran emoción, dejando el recuerdo del segundo acto en nuestra memoria.

En general no hay mucha crítica que hacerle a la representación salvo el exceso de volumen de la orquesta o la falta de cuerpo de las voces solistas, pues se perdieron probablemente los detalles más interesantes e intensos del canto.

Teatro Calderón de Valladolid
9 de mayo de 2011

Director musical: Pietro Rizzo
Director de escena: José Luis Castro
Director del Coro Amigos del Teatro Calderón: Sergio Domínguez
Reparto: Ricardo Bernal, Inva Mula, Gabriel Bermúdez, María Hinojosa, Rubén Amoretti, José Manuel Díaz…

Ha influído fuertemente en otras historias y composiciones. La Zarzuela Bohemios tiene claras referencias a esta ópera, y el musical Rent representado en Broadway está basado en esta historia, musical que tiene además una horrenda versión cinematográfica.

Para esta ocasión se unen al coro Amigos del teatro Calderón- Intermezzo, profesionales de amplia experiencia en los papeles protagonistas y en la dirección.

REPARTO:
Rodolfo, poeta, amante de Mimí (tenor): Ricardo Bernal
Mimí, modistilla, amante de Rodolfo (soprano): Inva Mula
Marcello, pintor, amante de Musetta (barítono): Gabriel Bermúdez
Musetta, amante de Marcelo (soprano): María Hinojosa
Colline, filósofo (bajo): Rubén Amoretti
Schaunard, músico (barítono): José Manuel Díaz
Benoît, casero/Alcindoro, viejo protector de Musetta (bajo): Luís Álvarez

Director de escena: José Luís Castro
Director Musical: Pietro Rizzo
Director del coro Amigos del teatro Calderón: Sergio Domínguez

SE REPRESENTARÁ:
9, 11 y 13 mayo/20:30 h.
15 mayo/19:30 h.

PRECIOS: Precios de 25 a 70€.

Podemos ir abriendo boca con esta moderna versión alemana de una de las árias más famosas de La Bohème.

www.youtube.com/watch?v=rX8zRPAkJM0

Y como casi siempre, lleno el Calderón se llena hasta la bandera, y es que Shakespeare es un sello en sí mismo de la calidad de lo que va a acontecer. Aunque una versión de Ricardo III de 1 hora y 30 minutos hace sospechar que Mr. Shakespeare ha perdido algo de potestad sobre su obra y efectivamente se hace presente en la súbita y caótica introducción de la obra donde es casi imposible entender qué sucede sino conoces bien la hitoria. Sin embargo, en una obra de esta envergadura se agradece y se valora este esfuerzo por acelerarla y dinamizarla.

Música medieval y voces cantando en escena. Caimos en su bolsillo y más con la escenografía que aparece al hacerse la luz. Sobre las tablas surgieron  unas estructuras en forma de triángulo, simulando en principio asientos en la sala del trono y jugando después un importante papel durante toda la obra siendo metáfora y componentes de las atmósferas más diversas. De una forma brillante, debo decir.

El principio es trepidante pues la acción se condensa mucho como ya se ha comentado, pero hay amplios monólogos, lo cual desconcierta más de lo que introduce. El juego de luces es magistral y muy preciso dejando a veces sólo iluminada la cara de un actor. Es un elemento que dominan en la creación de ambientes. Por otra parte se queda la escena muy oscura sobre todo durante la primera parte, lo cual favorece al caos inicial.

El director Ricardo Iniesta ha sido especialmente efectivo creando espacios y atmósferas con luz, con las voces de los actores a capella cantando temas medievales, sonidos, música, juegos de sombras, de siluetas, efectos de humo y con elementos escenográficos mínimos y siempre triangulares. Muy simbólico. Estos ambientes tan siniestros a veces, unidos al ingenioso vestuario y caracterización dan una idea de época pero a la vez conforman un montaje claramente contemporáneo con unas soluciones cautivadoramente creativas y una puesta en escenal sobresaliente. Bien puedo decir que en este sentido es uno de las creaciones con mejor resolución escénica que he tenido el  placer de presenciar.

Pero obviamente algo no relucía tanto. Aunque es una opción elegida así por la propia compañia Atalaya con suspropias razones, esta humilde servidora no encuentra ninguna para utilizar un estilo interpretativo con tanta estilización y tanta falta de verdad. Todas las conversaciones, aunque sean vanales son interpretadas con intensidad de manera que cuando hay momentos realmente dramáticos se pierden en la línea de la frivolidad. Los personajes se convierten en portadores de futilidad ante las numerosas tragedias que se suceden y pierden todo signo de identidad y definición. Las mujeres están especialmente acertadas en alejarse de la verdad de la vivencia, salvo Carmen Gallardo que está magnífica en su papel de Margarita. El personaje de Ricardo (Jerónimo Arenal) era incoherente y carecía de la pasión y carisma suficiente para encarnar a un carácter como el que requiere esta obra.

Aunque supongo que también es intencionado, el tono de la obra se debate entre la absoluta tragedia y la épica y la improcedente comedia de una forma grotesca llegando a bajar el propio Ricardo a las butacas iluminadas por un foco como si de una cabaretera se tratase. Esto fue sin duda lo peor de la obra.

Y de esta manera cojea un magnífico montaje, que puede resultar francamente redondo si conoces y disfrutas el teatro de Shakespeare interpretado según las viejas formas.

Teatro Calderon de Valladolid 13 de febrero de 2011

Compañía: Teatro Atalaya
Director: Ricardo Iniesta
Reparto: Jerónimo Arenal, Carmen Gallardo, Joaquín Galán, Aurora Casado, Lidia Mauduit, Silvia Garzón, Manuel Asensio, Raúl Vera, María Sanz, Nazario Díaz…

www.youtube.com/watch?v=wwfDhOMOB2U

Abre la obra una proyección de un tren que ocupa la parte trasera del un escenario. La música y los tonos grises de la proyección (como de la revolución industrial), proporcionan un aspecto siniestro y gris, más propio de las calles de chicago que de Nueva Orleans. El escenario exhibe una reproducción de una casa donde no falta detalle, todo bien cuidado y muy práctico teatralmente hablando.

Vicky Peña está espléndida. Al principio de la obra, me pareció que estaba excesiva, que exageraba demasiado y dejaba poco terreno para la sutileza pues no tardamos ni 30 segundos en descubrir su adicción a la bebida. Sin embargo con el transcurso de la narración me di cuenta de que no es Blanche la que está demasiado arriba, sino los demás los que no llegan a su altura. El personaje de Blanche es así, fascina con sus contradicciones, seduce con su feminidad, deslumbra con su exceso, es compleja y está desesperada. Y la señora Vicky Peña lo ha clavado.

Pero hay otro personaje muy interesante, Stanley. Es rudo, inteligente, sincero y con cierto encanto animal. Que lástima que viéramos a Roberto Álamo, grandísimo profesional, un poco descafeinado. Siendo un poco exquisitos, en los registros de fuerte tensión se convertía totalmente en Stanley, sin embargo en las de tono más distendido perdía un poco la esencia y relajaba la conversación a unos límites que Stanley no hubiera permitido. Así la escena donde toma a Blanche quedó más liviana que visceral.

Alex Casanovas está brillante como Mitch, así como Anabel Moreno como Eunice. Ariadna Gil se quedó un poco íntima (muy cinematográfica) incluso para el personaje de Stella. Supo captar el carácter sumiso y dulce de Stella sobre todo en la escena de la bajada por la escalera donde irradiaba una energía que se podía percibir desde las butacas. Pero nos desilusionó con las poco sinceras lágrimas del final.

El vestuario es impecable y muy apropiado, pero tengo que sacar una pequeña imperfección: Los trajes cliché de médico y enfermera siniestros. Es un final amargo y emocionalmente intenso, sin embargo la llegada de estos dos personajes saca un poco de contexto y parece que están “puestos por el ayuntamiento”.  Hay que cuidar esos detalles.

En rasgos generales es una muy buena producción, donde si consiguen perfilar un poquito más los personajes principales lograrán la excelencia.
Muy digna de ver, por supuesto.

UN TRANVIA LLAMADO DESEO de Tennessee Williams
Versión JOSE LUIS MIRANDA
Dirección: MARIO GAS

Reparto:
Vicky Peña
Roberto Álamo
Ariadna Gil
Alex Casanovas

En este caso “El avaro”, nos cuenta la historia de “la avaricia” en sí misma, como una enfermedad incurable que Harpagón intenta ocultar pero que florece  sola, mostrando las miserias más internas del hombre. El encargado de tan jugoso personaje es Juan Luis Galiardo, quien llevaba bastante tiempo planteándose este proyecto, hasta que contactó con Jorge Lavelli que junto a José Ramón Fernández, realizó la versión y adaptación de la conocida obra del dramaturgo francés.

La obra en general gira en torno al actor principal, que como protagonista que es, intenta mostrar lo mejor de su actuación, sobretodo siendo una persona ya consagrada y respaldada por multitud de trabajos teatrales. Leyendo varias entrevistas del director Jorge Lavelli, nos cuenta que trabajando con Galiardo ha intentado mostrarlo diferente, distinto a lo que todos podemos recordar. Cuando un actor tiene una formación tan característica, es muy difícil dejar eso atrás y zambullirte en una nueva aventura. En un primer instante, parecía que realmente estaba conseguido, pero a medida que avanzaba la trama, esos encasillamientos florecían, puede ser, que sin ni siquiera darse cuenta. Esto provocaba una interpretación muchas veces descuidada, llena de “gracias” propias del actor, y no muy ceñidas al personaje de Molière. Ante esto, claro está, las señoras con visón del teatro se deshacían en sus butacas… Pero para muchos de los restantes con abrigos más modestos, nos pareció mas bien una actuación bastante “arturofernandiana”.

La obra en general está bien, y el hecho de que la mayoría del público fuese a ver al actor estrella en cuestión, no interfirió en que otros personajes despuntaran, en mi opinión, incluso mucho más que el protagonista. Cabe resaltar la magnífica actuación de Palmira Ferrer como “Frosina”, la mejor actriz del montaje.

La propuesta estética que nos traían era además muy interesante, divertida y dinámica, ya que las escenografías móviles dan mucho juego y entretienen al espectador. Además todos los cambios, iban ligados a la perfección, dando una aspecto de limpieza en el escenario y trabajo de coro excelente, que merece mucho la pena el ver.

Este grupo vallisoletano formado por Javier Vielba, Rubén Marrón y Marcos Úbeda interpretarán los temas de su aclamado disco “Second to none”. Arizona Baby, ha recibido grandes críticas por su espectacular directo. Este trío de rock acústico, con una imagen que impone, como sus congéneres americanos, Fleet Foxes, Two Gallants, Devendra Banhart, hará las delicias del público con su música rock. De la importancia de Arizona Baby da prueba que fueron los encargados de abrir los conciertos del artista norteamericano Chris Isaak durante su gira española.

Teatro Calderón de Valladolid, el 6 de octubre de 2010, 21:00

Venta de entradas www.ticketcyl.com y centros asociados ticketcyl, www.cajaduero.es y en la taquilla de la calle Santiago, 28 de 17:00h a 19:30h.

Precios:

Zona A: 15€
Zona B: 15€
Zona C: 12,5€
Zona D: 10,5 €
Zona E: 8,5 €

Nos sentamos entre señoras ataviadas con sus abrigos de pieles, todos idénticos así como el maquillaje con que cada una había camuflado su rostro haciendo lo que mucho nos temimos: se dedicaron a narrar obviedades sobre el desarrollo de la obra o lo guapa o fea que estaba la señora concha. Recordándome que a lo mejor alguna vez soy así, sonreí, les pedí silencio y me predispuse para presenciar una obra que realmente va más dirigida a ellos que a mi.

Tras un apagón, se abre la puerta central del ático y dejando ver una silueta de una mujer mayor, exhausta, con una botella en la mano y evidentemente ebria; es Madame Rosa acompañada de música en francés que parece extradiegética pero luego se convierte en la música de la radio.

El segundo personaje principal no se hace esperar, Momo, encarnado por el joven actor Rubén de Eguia, es un niño árabe que tras vivir más años educados en castellano no entendemos muy bien a que viene el remarcado y poco logrado acento del que hace gala toda la obra. Momo es realmente el narrador de la obra, a veces hace incisos y habla al público explicando situaciones que no se muestran o sus propias reflexiones. Los cambios de escena los realizan abruptos con ligeros apagones o simples cambios de actividad; al principio es un poco confuso.

La entrada del niño en escena rompe con lo dramático de la entrada de Rosa y comienzan interpretaciones en calidad de comedia con un tono agridulce por las circunstancias que rodean a la acción y sin llegar a la comedia propiamente dicha pues los diálogos no son tan ingeniosos. Es una extraña combinación que no acaba de cuajar en ningún género y que consigue en el mejor de los momentos transmitir una atmósfera entrañable sin alcanzar la potencia que creo que pretende. Hay sin embargo determinados despuntes acertados hacia un género u otro como la entrada en acción de otro personaje árabe (con acento mejor conseguido, hay que decir) siendo claramente cómico o un final de lo más dramático.

A pesar de su entrada donde parecía tan degradada, el personaje de Rosa es activo y aunque se mueve con la dificultad propia de una persona que ha llevado una vida dura está continuamente laboriosa, sin parar de hacer cosas. Es a veces un personaje incoherente en cuanto a expresión corporal, pareciendo a veces más joven y más viva y otras más desgastada y en cuanto a bagaje emocional que en ocasiones es más sencillo y en otras como una losa. Como podíamos prever es unpersonaje chabacano, bondadoso, que ha  aprendido de la vida, que vive en continua agitación y nerviosismo por determinados sucesos de su pasado que se comentan en la obra pero que nunca adquieren el peso y la relevancia que cabe esperar en el personaje. Durante toda la obra se hace entrañable pero nunca llega a adquirir la profundidad que merece.

Momo es un personaje dulce y aniñado hasta tal extremo que todavía me estoy preguntando si me querían transmitir un deficiente mental o simplemente tenía un acento raro al que se le sumaban las dificultades del lenguaje. Es sin embargo coherente su desarrollo desde el principio hasta el final y su consiguiente madurez. Muestra en un momento dado, casi al final, un enfado muy digno y muy bien llevado que es quizá la parte más emocionante de la obra.

El experimentado Carles Canut en su papel de Doctor Katz hizo gala de su buen hacer y su presencia sobre las tablas.

En cuanto a la temática de la obra, se tocan distintos temas de más o menos controversia o actualidad como puede ser la eutanasia, las drogas, las diferencias culturales y religiosas, incluso la prostitución. Se tratan de una forma excesivamente demagógica y didáctica cayendo en los clichés de siempre, sin analizar la bondad, maldad, carácter humano, ético de acciones ni conductas, prácticamente aporta el punto de vista del autor de manera imparcial que ha llevado su argumentación bien o mal defendida a la boca de sus personajes. “No te drogues…” dice en un momento dado Madamme rosa… El único recurso loable que ha utilizado es el humor y tampoco de manera extremadamente magistral. Hay auténticos
dramas personales en lo que nos cuentan Momo y Rosa, historias duras que encogen el corazón flotan por el aire pero no hay atmósfera que lo traspire, ni dramatismo que lo muestre. La sustancia de la obra se vislumbra pero la esencia no llega a las butacas.

Sin embargo encuentro la obra interesante para ancianos pues algunas de las ideas que aquí se manifiestan parecen básicas a la gente de nuestra generación pero los ancianos por tener arraigadas las ideas más tradicionalistas no las tienen tan claras como puede parecer y en la obra se tratan muy clarito. Conseguir que el castellano jubilado se identifique con el drama de una mujer judía y un niño abandonado árabe es un pequeño triunfo.

Y para terminar con la función Concha Velasco dijo unas palabras tras los aplausos a sus paisanos de Valladolid y dió las gracias al teatro Calderón por nombrarla embajadora esa misma mañana.

Teatro Calderón de La Barca de Valladolid- 10 de marzo de 2010

Dirección: José María Pou
Reparto: Concha Velasco, Rubén de Eguia, Carles Canut, José Luis Fernández

A pesar de sus 70 años, la afamada actriz Vallisoletana luce impecable e ideal (como ella misma comenta) y sigue siendo la estrella de la escena. Los actores hablan sobre la obra y sus procesos de creación. Concha nos cuenta como eligió la obra y se la propuso a Jose María Pou por ser un profesional que la había impresionado con montajes como “La Cabra”, por la gran admiración que siente por él y porque los directores-actores dirigen con más sensibilidad.

Comenta que es una de las mejores obras que ha representado quizá por su dificultad para entrar en un papel tan alejado a su forma de ser siempre en conflicto con maquilladores y estilistas. Hablan de sus frustraciones y recuerdan entrañables las regañinas de Pou cuando empezaron con los ensayos y cómo transformó esas reprimendas en imitaciones para mostrarles lo que hacían mal; dicen que tras 230 representaciones siguen acordándose de las imitaciones del director en los ensayos. Los actores se deshacen en elogios los unos con los otros como profesionales y como personas. Se vislumbra una relación muy especial entre el joven Rubén y la experimentada Concha, una relación de admiración mutua nacida de la experiencia y la pasión por la escena respectivamente. Rubén acaba de llegar de recibir su primer premio por este papel de Momo y según augura Concha todavía le quedan muchos premios que ganar.

Con el profundo respeto que le supone estar en el Calderón declara que siempre está un poquito más nerviosa sobre estas tablas, que le devuelven ese cariño con su nombramiento como Embajadora del Teatro Calderón de la Barca de Valladolid; homenaje que recibe con el entusiasmo y la naturalidad que la caracterizan.

El Circo de los Horrores llegó a Valladolid en plenas navidades contraponiéndose a las luces, papas noeles y toda la parafernalia de la época del año ultrapublicitado gracias a decenas de carteles vistos días antes en la ciudad que, aparentemente, parecían presagiar un fenomenal espectáculo lleno de terror.

Nada mas entrar en el teatro Calderón todo estaba fantásticamente preparado para que nos metiésemos en el ambiente que proponían: personajes aterradores dando sustos a los espectadores pululando a sus anchas con motosierras a todo volumen y grandes cuchillos, toneladas de sangre, tumbas, telarañas y ataudes iluminados tétricamente. La cosa realmente prometía… Quasimodo nos introducía con un monólogo muy atrayente, buena interpretación y una expresión corporal realmente bien lograda en el Circo de los Horrores y, tras unas puertas enormes por las que se atravesaba al infierno, aparecía un enorme círculo central que cubría todo el escenario con una cruz demoniaca en su interior, unas tumbas con tétricas calaveras, máquinas de niebla, fuego y una cuidada iluminación, con todo esto se metieron a todos los asistentes en el bolsillo…

Pero, una vez metidos, fue relativamente fácil salir de su cuidado embrujo al comprobar según avanzó la tarde que la mayor parte del espectáculo se nutría de una serie de iconexos números sin ningún tipo de hilo argumental olvidándose por completo de ‘Los Horrores’ que nos vendieron el inicio. Números basados en un humor burdo, sencillo y hasta chabacano (referencias a Belén Esteban incluídas), mas propios de un programa de “Noche de Fiesta” que de un espectáculo alojado en un teatro con renombre como es el Calderón. Si bien es cierto que palabra circo ya predecía de antemano lo que íbamos a ver, unoespera recibir algo “más” al acudir a tan ambicioso montaje. Por citar algunos, los números de acrobacia no eran demasiado espectaculares, el de los cuchillos a lo Jack el Destripador más de lo mismo, el humor antes citado cada vez iba a peor y se distanciaba años luz del esperado humor adulto, macrabo, sarcástico y ácido y las actuaciones del resto de los personajes dejaban mucho que desear… pero claro, es el circo señores, el circo de toda la vida en un teatro… Especialmente decepcionantes fueron los personajes principales, la “vampira sexy-jamona” con serpiente incluída (¿se creía Salma Hayek?) que menos miedo daba de todo con ese número de “la stripper y el ciego” digno de José Luis Moreno, y Suso Clown como Nosferatu (vale, destacamos el logrado maquillaje), muy poco misterioso y menos carismático que repitió papel con el mimo final salvando un poco el show gracias a los simpáticos espectadores en escena.

De todos modos, como era de esperar, la mayoría del público se levantó con gran fervor de sus asientos para ponerse en pie ante el final del que todo el mérito podemos atribuírlo a los espectadores voluntarios que se ofrecieron para la realización del show final.

En definitiva, muchas obras de teatro del Calderón puede que se mereciesen una dura crítica al igual que ésta, pero sin duda éste no es un espectáculo propio de un teatro si no de una feria o carpa de circo.

“Dos menos” es un texto de Samuel Benchetrit, versionado por Fernando Masllorens y Federico González del Pino y dirigido por Oscar Martínez.

Este espectáculo lo podremos ver en el mencionado Teatro Calderón el viernes 27 y sábado 28 de noviembre a las 20:30 h. y el domingo 29 a las 19.30 h.

Tendrá una duración aproximada de 1 h. y 20 min.

¡Bienaventurados los imaginativos, porque ellos heredarán el reino de las tablas!

Hacía mucho tiempo (pero “MUCHO” subrayado y en mayúsculas…) que no presenciábamos en el fastuoso Teatro Calderón un espectáculo de tal envergadura. Magnífica exhibición de creatividad, inteligencia, sensibilidad y buen gusto.

Un espectáculo donde los niños se hacen mayores y los adultos vuelven a su infancia; donde nos empapamos de su originalidad, reímos en la adversidad y lloramos de emoción con cada una de las imágenes oníricas y mágicas que Slava nos dibuja.

A través de unos entrañables clowns, viajamos en el tren imaginario del maquinista ruso hacia ese mundo blanco y helado, hacia el mundo de la nieve. Esa nieve, que es la protagonista en la vida del artista, será la actriz invitada y hará gala de su particular hacer a lo largo y ancho del viaje. La nieve será utilizada como pretexto, para expresar las diferentes emociones e ideas de esos maravillosos seres.

En una escenografía minimalista, pero efectiva y efectista y con pocos elementos y simples todos ellos, se dibujan historias llenas de sensibilidad, que hacen conmoverse al más seco de los mortales. El público asistente pasa de un estado de ánimo a otro, sintiendo una enorme nostalgia en unos momentos, tensión en otros y alegría en la mayoría.

La clave del éxito reside, no sólo en la preciosista fotografía que nos presentan, sino en la comunión entre actor y público, una interacción constante con el espectador que hace mucho más cercana cada una de las vivencias de estos particulares clowns.

Desde que ingresamos en el patio de butacas, ya sentimos el contacto de los elementos, pisamos esa nieve tan especial, visionamos su blanco brillo y sentimos hasta algún escalofrío provocado por su particular frío. Según se suceden las historias, participamos más en ellas; sentimos el calor de los protagonistas al darles la mano y ayudarles en su huída, les damos el cariño que necesitan, nos envuelven en su tela de araña, nos cala el agua de la nieve y hasta vivimos in situ una ventisca cegadora que hace que nuestros ojos lloren y disimulen que esas lágrimas son producidas por el vendaval, en vez de la tristeza que nos provocan las penurias de nuestros amigos en esas heladas tierras.

Por algo este espectáculo lleva 15 años de recorrido, por algo han hecho más de 4000 representaciones, por algo lo han visto más de 3 millones de espectadores y recorrido más de 30 países.

Todo ello está refrendado, porque es más que un espectáculo, es un estado de ánimo, un verdadero poema visual que sorprende a cada instante. Es el cuento que todo niño escucha y que le gustaría vivir. Y eso es lo que sucede, no sólo lo vemos, sino que lo vivimos, que llega al corazón por la melancolía y alegría del clown.

Lo mágico del montaje es que cada función será diferente en base a la respuesta del público asistente, pero que al final conseguirá su objetivo: el desborde de una energía juguetona, el juego como vehículo de expresión y recuperar la inocencia para ser más felices y disfrutar jugando.

Gracias señor Slava por devolvernos la sonrisa, por sacarnos al niño que todos llevamos dentro y que nunca debió desaparecer.

“Slava’s snowshow” de Slava Polunin
Teatro Calderón, 4 de noviembre de 2009
Elenco: Artem Zhhimolokhov, Veste Aelita, Oleg Lugovskoy, West Bradford, Yuri Musatov, Fyodor Makarov, Alexandre Frish, Christopher Lynam, Francesco Bifano
Dirección: Víctor Kramer

Enseguida engancharon con el público del Calderón, bajo un intenso y violento sonar de tambores, interactuaron con los espectadores allí presentes y les contagiaron con su griterío y poder visual. Como imanes, ya no pudimos despegarnos de su magnetismo y seguimos con deleite toda clase de ritmos salvajes, desenfrenados y catárticos, de los que hicieron gala, no sólo realizados con los más diversos objetos, sino incluso con sus propias voces.

Con una presencia escénica abrumadora todos ellos; no sólo sobresalen como gimnastas, sino que acompañan a ese control del cuerpo y del ritmo, una disciplina del actor brutal, marcando posturas y gesticulando sin perder un ápice la disciplina del ritmo en toda su extensión.

Sobresaliente la puesta en escena con un magnífico juego de luces, que acompañó en armonía al ritmo, mimetizándose con él.

Por fin dentro del programa de ferias, pudimos ver algo de nuestros días y no teatro trasnochado, como nos tenían acostumbrados. Un espectáculo fresco, vivo, lleno de colorido y connotaciones poéticas. Con un poder visual tal, que sobran las palabras. La historia ya está contada, no se necesita nada más.

Una bocanada de aire fresco que necesitaba el público acomodado del Calderón, aunque la mayoría del público era gente joven que ya sabía a lo que iba. El otro estaría haciendo cola para comprar el abono de la temporada que viene, para convertir el patio de butacas en su particular pasarela Cibeles y aplaudirse a sí mismos, no lo que están viendo. Aquellos que se quedaron con las ganas de asistir a Momentum, aún podrán disfrutar de Mayumana en el Teatro Coliseum de Barcelona.

Por nuestra parte, en Valladolid, y después de fuertes aplausos a la conclusión del espectáculo, nos fuimos a degustar el vino y el pincho de ferias pertinente, que gracias al bálsamo que acabábamos de ver, no nos produjo el ardor de estómago al que nos tiene acostumbrados.

¡Salud!

Mr. Burg

“Momentum” de Mayumana
Creación y dirección: Nylon Nuphar y Boaz Bermen
11 de septiembre de 2009: Temporada de ferias de 2009 de Valladolid
Teatro Calderón de la Barca (Valladolid)

En la mansión de los Hailsham Brown, acomodada familia inglesa, la señora de la casa descubre el cadáver de un conocido personaje que, aparentemente, ha sido asesinado. En la trama entran en juego una serie de personajes que, en principio, no hay razón alguna para sospechar de ellos, pues casi todos son personas de reconocido prestigio y respetabilidad en el pueblo y que, por tanto, están por encima de cualquier sospecha. Solamente la pericia e intuición permiten encontrar el hilo conductor que nos lleva a descubrir al asesino. La acción transcurre en la casa de una acomodada familia inglesa, cerca de Londres. Las entradas ya se pueden comprar a un precio de 18, 15, 12, y 9 € dependiendo de la zona del teatro.