Abre la obra una proyección de un tren que ocupa la parte trasera del un escenario. La música y los tonos grises de la proyección (como de la revolución industrial), proporcionan un aspecto siniestro y gris, más propio de las calles de chicago que de Nueva Orleans. El escenario exhibe una reproducción de una casa donde no falta detalle, todo bien cuidado y muy práctico teatralmente hablando.

Vicky Peña está espléndida. Al principio de la obra, me pareció que estaba excesiva, que exageraba demasiado y dejaba poco terreno para la sutileza pues no tardamos ni 30 segundos en descubrir su adicción a la bebida. Sin embargo con el transcurso de la narración me di cuenta de que no es Blanche la que está demasiado arriba, sino los demás los que no llegan a su altura. El personaje de Blanche es así, fascina con sus contradicciones, seduce con su feminidad, deslumbra con su exceso, es compleja y está desesperada. Y la señora Vicky Peña lo ha clavado.

Pero hay otro personaje muy interesante, Stanley. Es rudo, inteligente, sincero y con cierto encanto animal. Que lástima que viéramos a Roberto Álamo, grandísimo profesional, un poco descafeinado. Siendo un poco exquisitos, en los registros de fuerte tensión se convertía totalmente en Stanley, sin embargo en las de tono más distendido perdía un poco la esencia y relajaba la conversación a unos límites que Stanley no hubiera permitido. Así la escena donde toma a Blanche quedó más liviana que visceral.

Alex Casanovas está brillante como Mitch, así como Anabel Moreno como Eunice. Ariadna Gil se quedó un poco íntima (muy cinematográfica) incluso para el personaje de Stella. Supo captar el carácter sumiso y dulce de Stella sobre todo en la escena de la bajada por la escalera donde irradiaba una energía que se podía percibir desde las butacas. Pero nos desilusionó con las poco sinceras lágrimas del final.

El vestuario es impecable y muy apropiado, pero tengo que sacar una pequeña imperfección: Los trajes cliché de médico y enfermera siniestros. Es un final amargo y emocionalmente intenso, sin embargo la llegada de estos dos personajes saca un poco de contexto y parece que están “puestos por el ayuntamiento”.  Hay que cuidar esos detalles.

En rasgos generales es una muy buena producción, donde si consiguen perfilar un poquito más los personajes principales lograrán la excelencia.
Muy digna de ver, por supuesto.

UN TRANVIA LLAMADO DESEO de Tennessee Williams
Versión JOSE LUIS MIRANDA
Dirección: MARIO GAS

Reparto:
Vicky Peña
Roberto Álamo
Ariadna Gil
Alex Casanovas

Esta es la historia de una familia rota por la muerte contada a través de los ojos de esos gatos, unos gatos humanizados que hablan de la vida, y de la naturaleza que sigue su curso, con un paralelismo entre la vida animal felina y la humana, haciéndonos ver que no se diferencian tanto entre ambas. Pero esto no es lo único que sucede en escena; a la vez una pareja de jóvenes se ven envueltos en una historia al mas puro estilo shakespeariano: chica oculta bajo disfraz de chico que está secretamente enamorada del otro, hasta que se arma de valor para hacerle ver su real forma de mujer. La obra se carga de emociones y poesía escénica a través de la música de Mozart y las palabras de Marco Aurelio además de una delicada iluminación, movimientos y sonidos felinos y connotaciones circenses con toques de humor en medio de la decadente historia principal.

En cuanto al elenco actoral destacamos a Beatriz Bergamín, como gata vieja, y Héctor Colomé, como gato viejo. Puede que la presentación de los personajes en la primera escena, al principio no tuviera mucha fuerza por parte de Beatriz, pero poco a poco va cargándose del ambiente y la historia haciéndola suya. Por parte de Héctor Colomé, desde un primer momento se nota su seguridad en escena, esa impresionante voz y esos logrados movimientos achacosos de la edad, haciéndonos ver a ese gato castigado por la vida, que quiere un retiro espiritual, cazar a su ratón enemigo y vivir tranquilo sepultando los recuerdos, en que un día fueron jóvenes y felices.

La aparición de los muchachos que realizan la mudanza de la casa, muestra la historia de amor paralela a la felina, con abundante humor y una muy buena actuación por parte de los dos protagonistas: Roberto Pérez e Itxaso González. Aportan mucho movimiento a la escena y nos proporcionan esa vía de escape cuando los temas de la historia principal son tristes y desoladores. Una obra muy detallista y con una estética muy cuidada con vestuario muy llamativo recordándonos a las fábula de donde sacar muchas enseñanzas de la vida.

En el oscuro corazón del bosque los protagonistas nos llevan de la mano haciéndonos partícipes de sus sentimientos, haciéndolo creíble, eso que cuesta tanto muchas veces, con sensaciones que van brotando de cada palabra y cada recuerdo. Paralelamente estamos ante dos historias de amor: una que cierra su curso ante la vejez y el cerco del horizonte de la vida, y otra que comienza al descubrirse y encontrar un nuevo sentido a sus mundos. Es merecido por ello el reconocimiento que se otorgó el mismo día del estreno de la obra en Valladolid a José Luís Alonso de Santos como Embajador del Teatro Calderón. Una bonita historia para salir con un dulce sabor de boca.

El musical escrito originalmente por Fred Ebb y Bob Fosse llega al Teatro Coliseum de Madrid de la mano de los directores asociados Scott Faris y Nigel West, y el coreógrafo Gary Chryst.

El trío principal de actores está compuesto por Natalia Millán en el papel de la vodevilista Velma Kelly, Marcela Paoli como Roxie Hart, ama de casa y bailarina en un club nocturno, que asesina con malicia a su amante cuando él amenaza con abandonarla, y por último Manuel Bandera, que dará vida al habilidoso abogado Billy Flynn, capaz de convertir el premeditado crimen en una cortina de humo de titulares sensacionalistas.

Aunque Marcela ya se encuentra familiarizada con su personaje, pues lo representó en Buenos Aires en 2001, para ella el mes y medio que lleva ensayando no ha sido otra cosa que una clase magistral. Por su parte, Gary afirma que no hay dos versiones iguales de Chicago, ya que la interpretación de cada actor es la que define de una forma u otra el resultado de la obra.
Natalia se siente muy orgullosa de poder tomar parte en el musical, y aunque reconoce la dureza de los ensayos a los que todos se ven sometidos, está satisfecha con el resultado. De hecho es la única de los tres protagonistas que ha tenido la oportunidad de ver la obra y a sus compañeros de reparto, sentada en la butaca como un espectador más. Manuel confesó la envidia que siente por tal hecho y que le encantaría poder sentir la misma experiencia que su amiga.

Los tres actores estuvieron de acuerdo en que la mayor dificultad no ha sido otra que lograr la capacidad para cantar, bailar e interpretar a su personaje, todo ello de forma simultánea. Manuel reconoció que hacia el final de la obra, cuando su personaje toma las riendas del espectáculo e interpreta una larga canción, ha sido la parte más difícil de todas.
Más de uno se preguntará la influencia que pueda tener el todavía reciente film que da también nombre a este musical. A esta reflexión, tanto Nigel como Gary opinan que es algo positivo, y que en ningún caso el largometraje perjudicará al musical. Afirman con seguridad que el uno complementará al otro.

En cuanto a la productora, pudimos saber por medio de su directora general, Julia Gómez Cora, que se encuentran más que satisfechos de haber invertido 2,5 millones de euros en esta réplica exacta de Broadway. Gracias a este proyecto, están seguros de haber logrado la calidad que la obra se merece, calidad que cada vez resulta más difícil de encontrar hoy en día, comentó Julia.

Ahora mismo, Stage Entertainment tiene 4 producciones en marcha, dos de ellas en gira, una en Barcelona, y la presente en Madrid. Afirman que no se trata de la crisis, sino de que buscan elegancia, clase, calidad frente a cantidad.
Poco se puede decir para elogiar esta obra que no se haya oído ya. La historia de éxito que la precede, el equipo creativo que ha hecho posible traer Chicago a España, la excelente actuación del reparto, las exquisitas canciones que podremos escuchar y la maravillosa música que nos introducirá directamente en la decadente extravagancia de los años 20. Cabe mencionar que el compositor de 83 años John Kander, asistirá por vez primera al día del estreno de la obra a la que tantas veces ha prestado su música.

En definitiva, tenemos ante nosotros una oportunidad única de presenciar uno de los mejores musicales de la historia. Tanto los amantes del teatro como los novicios que quieran iniciarse en el mundo, pasando por el espectador casual, todos ellos, quedarán sin duda satisfechos.

Así de directa se presenta esta arriesgada y, seguro, polémica obra que habla sobre el mundo de la prostitución.

Esta microobra de teatro se representará en un puticlub okupado que ahora es una sala de exposiciones en la C/de la Ballesta 4 de Madrid. Una obra “políticamente bien incorrecta” con el objetivo de juntar en trece salas a directores, autores, actores y actrices para abordar el tema de la prostitución. El resultado, según indican, es muy heterogéneo, ya que cada uno viene de disciplinas y universos distintos, así que, promete un teatro a la carta lleno de jadeos disonantes.
En este viaje insólito y apasionante me acompañan en la interpretación: Roma Calderón y Ferrán Gadea. A la escenografía Julián Peinado y ayudándole: Josele Duro.

POR DINERO
Calle Ballesta, 4, Piso 1º. Madrid.
13, 14, 15, 20, 21 y 22 de noviembre.
Pases a las 19:00, 19:30, 20:00, 20:30 y 21:00.
Precio: 1 euro.

Este nuevo spot, que titulan RED, es mucho más serio y artístico que el anterior… por lo que la clave de humor que creímos seguirían impregnando en sus vídeos parace ser que no es tal… Eso sí, ¡esperamos el tercero con ansias!

Y para que acompañéis la visita fotográfica con algo buena música os dejamos de regalo un tema de Putumayo que le viene como anillo al dedo a esta colección:

También podéis visitar la colección completa en alta resolución en nuestra galería flickr dedicada a este evento.

En la línea del resto de espectáculos del Teatro Calderón de Valladolid, se encuentra esta producción dirigida por la británica Tamzin Townsend que pudimos disfrutar el viernes 19 de junio con la presencia y profesionalidad de cuatro actores de primera línea en nuestro país: Maribel Verdú encarnando a Ana; Aitana Sánchez-Gijón en el papel de Verónica, Pere Ponce como Alejandro y Antonio Molero como Miguel.
Un dios salvaje de Jasmina Reza es, como plantea su propia directora, una obra con varios niveles, siendo el más externo una comedia que se rie con situaciones incómodas de la vida cotidiana que van desembocando en escenarios divertidamente absurdos. La visión más profunda es un análisis de los modales, la hipocresía, la vanalidad y las relaciones personales de la sociedad de nuestro tiempo.

Con un agresivo ritmo africano y tras ocultar el escenario con un oscuro, aparecen los personajes en un ambiente enmarcado por una escenografía que recrea un ambiente doméstico urbano minimalista. Partiendo de una actitud civilizada abanderada por Verónica, un par de parejas discutirán cordialmente el encuentro violento de sus hijos pequeños. Pronto las conversaciones telefónicas de Alejandro sobre los no muy honestos negocios que se traen entre manos y otros altercados liberan a la persona real que hay bajo la falsa cara de amabilidad de cada uno de los personajes. Las risas se suceden ante las tan verídicas situaciones sociales incómodas.

Aunque en ocasiones el personaje de Miguel está demasiado cerca de su personaje en “Los Serrano”, Antonio Molero es, probablemente, el más cómico de los cuatro, sin menospreciar la calidad cómica de sus compañeros, que queda más que probada. La insoportable y remilgada Verónica juega el papel más importante en la acción, siendo a veces extremadamente repelente.
A medida que avanza la obra y aumenta el alcohol en escena copa tras copa, los actores despliegan sus armas interpretativas y nos recrean a la perfección la locura a la que llegan sus personajes con una total veracidad.

En definitiva una obra bastante divertida, excelentemente interpretada y recreada visual y sonoramente de una forma sencilla, correcta y elegante.

SÁBADO 11 – AULLIDOS (FESTIVAL DE ALMADA. AIRE LIBRE 22:00: PORTUGAL)
SÁBADO 18 – EL CABALLERO DE OLMEDO (FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE OLMEDO (VALLADOLID)) ESTRENO
DOMINGO 19 – EL CABALLERO DE OLMEDO (FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE OLMEDO (VALLADOLID))
LUNES 20 – EL CABALLERO DE OLMEDO (FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO (CIUDAD REAL))
MARTES 21 – EL CABALLERO DE OLMEDO (FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DEALMAGRO (CIUDAD REAL))
MIÉRCOLES 22 – EL CABALLERO DE OLMEDO (FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO (CIUDAD REAL))
SÁBADO 25 – EL CABALLERO DE OLMEDO (MOSTRA DE TEATRO DE RIBADAVIA (ORENSE) )
VIERNES 31 – EL CABALLERO DE OLMEDO (OLITE (NAVARRA), CLAUSTRO DE SAN PEDRO)

+ info en la web del Teatro Corsario

Resto de fotografías en nuestra galería Flickr

‘El pintor y la modelo’ es un cuadro. Como un paisaje propicio para ser contemplado, y es la conexión entre la danza, la música y la pintura la que va dando forma al espectáculo y desarrollo a su dramaturgia; la cual se basa en la búsqueda de musas que proyecten recuerdos, vivencias y sobre todo inspiración…, para seguir pintando. Escenas que suceden en la soledad de un taller, momentos de búsqueda, de pruebas, en silencio y frente a un nuevo cuadro en blanco. Donde los amantes suelen disfrazarse de musas, donde se entrecruzan el arte, el morbo, la fantasía y el deseo, donde hay alma. Para esos pintores que plasman personas en sus cuadros, los modelos son habitualmente imprescindibles. Pero cuando un artista pinta en un cuadro su musa, cuidadosamente seleccionada de entre la sociedad, ¿es realmente una representación del modelo? ¿o es la del propio artista? Haciendo en este caso, de cada cuadro, un nuevo autorretrato. Un nuevo engaño. (Texto extraído del programa del TAC 2009)

Reportaje completo con las fotos a mayor resolución en nuestra galería flickr

En breve vídeo, fotos y reportaje especial de opinión.

Accede al reportaje gráfico completo en nuestra galería flickr dedicada al Cuervo

Entrevista a Javier Semprún – TAC 09: EL Cuervo (Teatro Corsario)

Teatro Victoria, Barcelona.
Dirección: Tricicle
Coreografía: Francesc Abós
Intérpretes: Jordi Bosh, Marta Ribera, Fernando Gil, Edu Soto, Julián Fontalvo, Josep Maria Gimeno, Jesús García, Xavi Duch, Sara Pérez, Toni Viñals, Ruben Yuste

Tras recibir tres premios Tony y un Grammy a la mejor banda sonora desde que se estrenó en Broadway en 2005, SPAMALOT llega a Barcelona, primera ciudad no anglosajona que puede disfrutar (hasta el dia 10 de mayo) de las disparatadas aventuras de este rey Arturo y sus caballeros imaginados por los Monty Python en ‘Monty Python & the Holy Grial’, película que inspiró el musical que por aquí conocemos como ‘Los Caballeros de la Tabla Cuadrada’.

Dirigidos por Tricicle, el musical más o menos inspirado en dicha pelicula, se adapta al género de forma elegante conservando el ambiente de humor absurdo tan característico de los Python. Este humor, a veces punzante, es el hilo conductor desde el saludo de “apaguen sus móviles…” hasta la salida del teatro, es más está presente en programas y carteles. Comienzan bromeando con el director de la orquesta, después malinterpretando al narrador deleitando al respetable con un maravilloso baile finlandés que deja a los espectadores totalmente desconcertados. Una vez metidos en materia, el absurdo y el humor van in crescendo conservando las mejores bromas del film y, aprovechando el género musical, llegan incluso a burlarse de ello con temas como: “En todo musical hay una canción de amor…”

Todos los personajes son muy caricaturescos, bien interpretados por los magníficos actores, la mayoría de ellos con un timbre hablado muy característico, con un estilo muy similar al de los doblajes y con una dicción perfecta. Impresionante Edu Soto en todas sus apariciones, asi como Fernando Gil (Sir Lancelot) y Jesus García (Principe Herbert) con el ya clásico amanerado personaje de musicales contemporáneos.

Las canciones, impecables, no son demasiado exigentes por lo que no hubo grandes alardes de grandeza vocal salvo por La Dama del Lago, que aún siendo en esta función la cover, demostró una técnica depurada y una voz bellísima. La Dama del Lago es quizá el personaje más musical y menos humorístico, muchas veces metido con calzador (de lo que se jalean en alguna ocasión) pero que a su vez aporta alguna de las partes más emocionantes a este divertido musical.

Las coreografías convierten las canciones en una fiesta llena de energía que elevan la escena a otro nivel de absurda locura junto con vivos decorados muy del estilo de musicales que llenan de color y de intensidad el escenario.

SPAMALOT, espectáculo de nivel, llevado con mucho cariño que no decepciona a fans de los musicales ni a fans de los Monty Python cierra sus puertas el 10 de mayo tras nueve meses de éxito en el Teatro Victoria de Barcelona pero tranquilos, estarán la próxima temporada en Madrid…

fotografías extraídas de la web oficial de SPAMALOT

Como cualquier espectáculo en el Calderón, no se veía ni una sola butaca vacía, eso si, para las óperas tampoco se ve un pelo despeinado, ni cabezas menores de 50 años. Una pena, teniendo en cuenta el carácter contemporáneo de la puesta en escena y la propia juventud de los cantantes.
Al abrir el telón nos vemos sorprendidos por un escenario desnudo, sin telón y sin patas donde tan solo hay 4 estructuras dificilmente identificables distribuidas por el escenario, una de ellas es de dos pisos. Esta distribución permitirá jugar con alturas y varias acciones simultáneas.

La música comienza y tras el preludio en el que van entrando los personajes, se encienden las luces y comienza la acción. Con la iluminación, las estructuras cobran sentido y se convierten en distintos espacios, que aunque no completamente definidos, son reconocibles y con múltiples opciones dando lugar a una escenografía original a la par que funcional muy del estilo de las representaciones europeas pero menos visto en España que permanecemos seguidores de la representación clásica.

Las voces de los solistas no son especialmente remarcables, en general, y no tienen demasiado cuerpo, quizá debido a su juventud o quizá tampoco se pueden apreciar bien pues las exigencias vocales de la ópera no son muy altas.

De todas formas, hay una clara focalización en la actuación y en el espectáculo visual sobre el sonoro, (impecable pero no impresionante) que ayuda al propio visionado de la ópera aligerando el peso que ya de por sí conlleva una ópera para el espectador. Siguiendo como he dicho, tendencias más europeas, la acción sobre el escenario es intensa y se evitan los largos momentos de árias dirigidas líricamente hacia el público. Para llenar algunos vacíos, se representan incluso, de manera onírica las ilusiones de ciertos personajes.

Dentro de esta línea se distinguen dos actitudes dentro de la propia obra: el acto primero más dramático, y el acto segundo más cómico. Es en este acto donde Vespina muestra sus habilidades tanto vocales como dramáticas al encarnar a varios personajes y resolviéndolos de forma admirable. También el vestuario toma protagonismo y se nos exhiben los más atemporales y abstractos y simbólicos atuendos que pudieron imaginar.

El resultado de todo esto es un espectáculo contemporáneo, digerible y ligero nacido a partir de una ópera clasicista.

En conmemoración de los 200 años de la muerte de su autor, la Academia Europea de Música pone en escena esta ópera de Joseph Haydn en el teatro Calderón de Valladolid los días 12, 14 y 15 de febrero.

La intriga de esta divertida obra basada en un texto de Marco Coltellini nos lleva a una aldea italiana de 1700 y nos muestra a Sandrina, joven campesina (soprano) que parece dispuesta a obedecer la voluntad de su padre Filippo (tenor) quien la quiere casar con Nencio (tenor) un rico aldeano. Con seguridad, Nencio ama a Sandrina, pero ésta prefiere al joven Nanni (bajo) mas pobre que él. Después de miles de peripecias burlescas, entre las que encontramos el camuflaje de Nanni y de su hermana Vespina (soprano) en varios personajes, la pieza acaba con un doble casamiento: Sandrina y Nanni, Vespina y Nencio.
La obra de Haydn anuncia de manera incuestionable las óperas de Mozart. El enmascaramiento de Vespina en notario prefigura el de Vespina en médico en Cosi fan tutte (26 de enero de 1790), y por otro lado sabemos que Mozart recordaba con frecuencia a Haydn, su antiguo profesor, al que dedicó seis cuartetos. Apreciaba todo de él y muy especialmente su facultad para conseguir que la gente riera y se emocionara: la auténtica intención de l’Infedeltà delusa.

La representación es en italiano con subtítulos en inglés y su duración es de 2 horas y 15 minutos con un entreacto.

Días 12 y 14 de febrero, 20:30 horas
Día 15 de febrero, 19:30 horas

El precio oscila entre los 25 y los 60€

Harriet es el nombre de la tortuga gigante que el científico Charles Darwin transportó desde las Islas Galápagos hasta Inglaterra. En esta obra, Harriet es Carmen Machi, una actriz que vuelve a demostrar todo su talento teatral con un texto de Juan Mayorga que parece hecho a su medida. Tortuga casi humana, la protagonista ha vivido durante casi doscientos años con todos los sucesos transcurridos en este tiempo. Bajo ese filtro ofrece una particular visión del mundo, que no deja indiferente a nadie.

El precio de las entradas oscila entre los 10 y los 20 €. y se pueden comprar en el 901 201 000, www.cajaduero.es y la taquilla de la calle Santiago, 28.

de Tomaz Pandur y Darko Lukic

Dirección de Tomaz Pandur
Intérpretes: Blanca Portillo, Asier Etxeandía, Chema León
Coreografía: Nacho Duato
Música original: Silence
Orquesta escuela sinfónica de Madrid
Director musical: José Antonio Montaño

El pasado 18 de octubre asistimos en el teatro Calderón de Valladolid, a uno de los mejores espectáculos que han pasado por dicho recinto en mucho tiempo. “Barroco” de Tomaz Pandur, se estrenó en Madrid de 2007 con gran éxito de público y crítica y muchos estábamos expectantes e inquietos, para que este magno espectáculo se pudiera ver en nuestra ciudad. No nos ha defraudado, más bien al contrario.

El que suscribe ya conocía las virtudes del director Tomaz Pandur; ya en “Inferno” estrenada en el María Guerrero de Madrid en 2005, nos demostró el por qué de su reconocimiento en Europa; por qué es uno de los directores más innovadores y originales del panorama teatral; uno de los enfant terrible de la escena contemporánea, no sólo un director de escena sino un creador de sensaciones.

El espacio escénico es una escenografía corpórea móvil, con unas paredes de hormigón simulando un bunker, que se van moviendo con los actores a modo de danza. Un laberinto gélido (brillante la iluminación) que refleja la soledad de los personajes. La prisión en la que habitan y su incapacidad para la comunicación. Es a la vez el tocador de señoras, donde el juego de la seducción estalla una y otra vez convirtiéndose en una guerra sin cuartel. Es en este salón/refugio donde la marquesa de Merteuill y el vizconde de Valmont, se seducen, se aman, se vilipendian, se retan y se matan de amor/odio. La obra está basada en las “Amistades peligrosas” de Choderlos de Laclos y en “Cuarteto” de Heiner Müller. Aquí es donde más coja está la obra, pues la mezcolanza de estos dos magníficos textos no lleva a buen puerto; aun bien llevado por el navegante, que se esfuerza en unirlos como bisagra, se hace un poco cuesta arriba pues quiere llegar a una conclusión y lo hace al final demasiado forzado. La obra queda como una sucesión de momentos plásticos muy bellos, pero con una laguna dramatúrgica.

Un vestuario espléndido con una mezcla dieciochesca y sado-maso, ayuda y adorna en las composiciones escénicas de los brillantes momentos de danza, recreados por Nacho Duato. La música compuesta por Silence es brillante, manteniendo la tensión de las escenas, estallando con ellas y siendo un elemento esencial en todo el espectáculo. Dos canciones canta Asier Etxeandía muy sentidas y muy bien llevadas por el actor, donde la dificultad de la postura hacía que fuera más sobrecogeodor este momento.

Chema León hacía bien de engranaje en la partitura de Pandur, relatando, describiendo y fotografiando los pasajes vividos por los dos descarnados amantes y advirtiendo al público de los desmanes causados.

Y por supuesto Blanca Portillo y Asier Etxeandía. ¡Qué actores! Dos animales de escena. Blanca está maravillosa, llena de connotaciones, sensual cuando tiene que estarlo y atroz y descarnada en sus momentos más tensos y violentos. Pulcra en el movimiento, cuidando hasta lo enfermizo sus poses. La palabra tiene su importancia pero el lenguaje corporal lo es aún más y Blanca habla y expresa con todo su cuerpo.

Asier Etxeandía nos da, por físico, un vizconde Valmont más joven de lo que tendría que ser, pero que se sobrepone a ello con la madurez de su actuación. Con un maravilloso registro de voz, hace que sigamos hipnotizados todos sus parlamentos, respirando, sufriendo y sintiendo con él. No interpreta su personaje (al igual que Blanca) “ES el personaje” (como decía el personaje central de “El veneno del teatro” de Sirera). Existe un influjo mimético en los actores que han conseguido ser los auténticos protagonistas de lo vivido, causando un verdadero estallido emocional en los privilegiados que hemos asistido, no a esta obra de teatro, sino a esta obra de arte.

Dice el personaje de Blanca Portillo en un susurro perturbador y desgarrado: “¡Ya basta, basta ! ¡Qué echen las cortinas!” Muy lejos de nuestros deseos, que no queríamos que tal sublime ejercicio visual terminara nunca.

Algunas veces el arte se hace realidad.

por Carlos Burguillo