La escena indie británica está de celebración. Callum Beattie, el artista escocés que ha construido su imperio desde la cercanía —de pubs a 14.000 personas en el OVO Hydro de Glasgow—, presenta en mayo en España ‘INDI’, el álbum que ha posicionado al indie rock real como la alternativa auténtica en Reino Unido durante 2026.

Un disco que se ha fermentado sin prisa

Lanzado el 23 de enero de 2026 bajo sello independiente Cooking Vinyl, INDI no es un experimento artístico: es el punto de quiebre donde Callum Beattie finalmente se olvida de complacer discográficas y escribe para sí mismo. El productor Joe Cross (que ha trabajado con Courteeners, The LaFontaines y Louis Tomlinson) capturó una narrativa profundamente personal sobre lucha interna, autodescubrimiento y la búsqueda obsesiva del amor genuino.

Las comparaciones ya llueven: Bruce Springsteen, Arcade Fire y The War on Drugs aparecen como influencias naturales de su sonido. Esto se transparenta en un álbum orgánico, sucio y profundamente elegante. El minimalismo es intencional, dejando aire suficiente para que la narrativa respire. Los momentos de mayor impacto —’Red’ y ‘Fireproof‘ detonan con fuerza real, mientras que ‘Eyes On You‘ subraya el dominio de Callum de la dinámica pop. Pero este disco también respira: ‘Lanterns‘ es una balada en penumbra, y ‘Birthday‘ es una pieza lúdica de influencias años 60, un oda veraniega cercana a The Kinks.

La gira española: siete salas en mayo

Callum trae INDI de gira a Granada, Benidorm, Valencia, Madrid, Zaragoza, Barcelona y Lleida durante mayo. Es un formato de sala diseñado para lo que el propio artista describe como «una experiencia íntima, especial y difícilmente repetible». No habrá festivales grandes. Aquí, el directo recupera la intensidad que los escenarios pequeños exigen.

Después de lograr dos discos consecutivos en el número 1 de las listas escocesas, un breakthrough en UK Albums Chart con ‘Vandals’ (2023), superar 50 millones de reproducciones y vender más de 100.000 entradas solo en Escocia el año pasado Callum Beattie está listo para el salto definitivo a nivel internacional. Y España es su primera parada.

Entradas disponibles aquí.

]]> https://notedetengas.es/liquido-ruvenruven-toma-la-modernidad-liquida-como-acto-de-rebeldia-creativa/ Sat, 18 Apr 2026 11:23:41 +0000 https://notedetengas.es/?p=147705 ‘Líquido’, RUVENRUVEN toma la modernidad líquida como acto de rebeldía creativa

Hay un momento en la carrera de un artista donde el éxito inicial se convierte en pregunta existencial. Rubén Segovia (Valencia, 1995) vivió ese momento cuando publicó «Plastic Boy» en 2024. Ahí está: su primer largo, meses de trabajo, universo sonoro construido brick a brick, lanzado al infinito digital. Y entonces llega la agridulce realidad: 106.000 canciones se suben cada día a Spotify, Apple Music, YouTube Music. Tu obra desaparece en microsegundos.

Ese fue el disparo inicial de Líquido, el nuevo EP que RUVENRUVEN acaba de publicar y que representa algo raro en el panorama musical contemporáneo: una obra de arte que no se queja del sistema, sino que lo analiza con la precisión quirúrgica de alguien que ha estado dentro del laboratorio.

La Modernidad Líquida

La genialidad conceptual de Líquido no reside en su sonido —aunque hablaremos de él—, sino en cómo RUVENRUVEN ha tomado la teoría de Zygmunt Bauman sobre «modernidad líquida» y la ha convertido en objeto cultural. Bauman hablaba de una sociedad postmoderna volátil, cambiante, vertiginosa. Un mundo donde nada se solidifica, donde todo fluye, se disuelve, se reinventa.

¿Qué es el streaming sino la personificación sonora de ese concepto? Un fluido constante de contenido, un consumo efímero, un mar de datos donde tu tema es una gota indistinguible de millones de otras gotas. RUVENRUVEN no solo lo ha entendido: lo ha convertido en marca. Literalmente. Líquido se presenta como una bebida genérica, con envase reciclable, con ese subidón de azúcar pasajero que dura tres minutos y se olvida.

«Trabajando en el EP conecté los puntos. De ahí sale todo: crear una marca, ‘Líquido’. Existe un contraste muy frío entre currarte un tema, componerlo, producirlo y ponerle cariño… Y el momento de su envasado y distribución», explica el productor valenciano. No es una queja moralizante. Es una reflexión de autor.

Despersonalización Como Acto de Resistencia

Los títulos de las canciones de Líquido son códigos ISRC. Así, sin romantizar, sin poesía comercial. «BK4DA2613870». «BK4DA2624804». Esos números que normalmente están enterrados en metadatos se convierten aquí en el rostro público de la obra. Es como si RUVENRUVEN dijera: «Mira, si vamos a ser números, seamos honestamente números. No finjas que tu canción es especial cuando el algoritmo ya ha decidido que eres estadística».

Pero aquí está el giro brillante: detrás de esa máscara de impersonalidad industrial hay cinco temas que respiran calidez humana. Hay corazón. Hay sentimiento. El contraste no es cínico; es melancólico. Es la brecha entre lo que creamos (con mimo, con paciencia, con amor) y lo que se consume (rápido, anónimamente, sin conexión).

RUVENRUVEN  ha producido para artistas como Chlöe’s Clue, Montesco, Dianka. Ha diseñado sonido para Saint Laurent, Byredo, Carolina Herrera. Es decir: entiende tanto el lado artístico como el corporativo. Entiende cómo suenan las marcas. Entiende cómo se codifica la emoción en bits. Por eso Líquido tiene una autoridad que otros proyectos «críticos con el streaming» simplemente no poseen. No es la queja del artista frustrado que no entiende el sistema. Es el análisis de alguien que ha vivido desde dentro cómo la música se convierte en un commodity sin más sin dejar de ser arte.

La gira de presentación de Líquido cubre las capitales alternativas europeas: Madrid, Barcelona, Valencia, Murcia, Berlín, Colonia, Rotterdam. El 16 de abril en Café La Palma fue solo el primer paso. La dirección visual corre a cargo del colectivo barcelonés Seis Punyales, lo que promete que esto es más que un concierto: es una experiencia. Una teatralidad que acompañe la paradoja conceptual del proyecto.

]]> https://notedetengas.es/the-dharma-chain-ruptura-psicodelica-bajo-control-cronica-de-su-paso-por-madrid-dentro-de-sound-isidro-abril-2026/ Sat, 18 Apr 2026 11:09:28 +0000 https://notedetengas.es/?p=147699 The Dharma Chain – Ruptura psicodélica bajo control.  Crónica de su paso por Madrid. Abril 2026. Sound Isidro

Después de poder disfrutar la misma semana de sus paisanos Tame Impala en un recinto con derroche de guiris y luces, ver a una banda del calibre de The Dharma Chain en un recinto acogedor es como un bálsamo para el espíritu. Los australianos nos visitaban por primera vez y lo hacían de la mano de un tandem increíble, el necesario e indispensable ciclo madrileño Sound Isidro y Spinda Records.

Como si una apisonadora oscura tomara la céntrica sala madrileña, la banda solicitaba atención a golpe de groove motorik, a base de post-punk shoegaziano y a través de guitarras expansivas que golpeaban con una perfecta pulsión al respetable. Precisos, sólidos, sin prisa, marcando un alterne de voces que a medida que transcurría el directo hacían más tangible la influencia alemana que el sonido que nos puede venir de Australia, por algo residen en Berlín, algo en su ADN ha ido mutando.

Ese garage sucio y psicodélico, esa estética que bien puede traernos a la cabeza a lo mejor de The Horrors con lo mejor de The Brian Jonestown Massacre, ese aire de visceralidad atmosférica donde el post-rock también mira de cara al neo-industrial. The Dharma Chain venían adelantando algunos de los temas que formarán parte de su segundo largo, ‘Some Kind Of Pure State’, que llega en junio de la mano de los mencionados Spinda Records. Esa cata nos dejó con ganas de más, ‘Inside A New‘, ‘Borderline‘, ‘His Head‘ o la recién soltada ‘Red Red Red Red Red‘ nos hacen entreveer ante lo que nos vamos a encontrar cara a cara, un pulso de guitarras y de amor por el kraut en estado puro.

Lo que más sorprende de The Dharma Chain es su evolución reciente hacia sonoridades más industriales, sin abandonar jamás esa crudeza psych  que los definió desde sus comienzos en Byron Bay, Australia. En vivo, esto se confirma de forma contundente. Movimientos magnéticos, delays espectrales, Paranormal Activity en la Siroco, presencias fantasmales que hacen acto de fé en la Siroco, invocaciones a Lou Reed, Wire o Pere Ubu en un espacio demasiado corto de tiempo.  Si el silencio al fondo de la sala hubiera acompañado la noche habría sido perfecta, dejemos el poner el check en directos con birra y charleta para otros artículos en particular.

Van oscilando nuevas y viejas composiciones, ‘Into The Night’ da paso a ‘Greenlight‘ y de nuevo otro adelanto, ‘Cross Over‘, ‘YSHK’  y ‘Riders’ se nos quedan clavadas, cabeza en pleno movimiento, los flequillos (algunos quedan) ondean entre la multitud, como saliendo de un pasaje de ‘Razas de Noche’, entre la pesadilla y lo onírico, deambulamos de su mano y nos abrimos camino hasta ese vendaval que es ‘See Through‘.

En un panorama donde atajar y reciclar fórmulas le vale a la mayoría, sonar genuino no es sólo una señal de respeto, es una señal de creatividad y de respeto.

]]> https://notedetengas.es/discos-de-febrero-y-marzo-2026-que-deberias-estar-escuchando-en-bucle-ii-slayyytermala-gestion-pipiolas-el-diablo-de-shanghai-paco-te-quiero-mariagrep-mundo-prestigio-the-twilight-sadgo-c/ Sun, 29 Mar 2026 13:31:51 +0000 https://notedetengas.es/?p=147433 Discos de febrero y marzo 2026 que deberías estar escuchando en bucle (II) : Mala Gestión,Slayyyter,Pipiolas, El Diablo De Shanghai, Paco Te Quiero, Mariagrep & Mundo Prestigio, The Twilight Sad,Go Cactus, Paus,Puma Blue

Se nos pasa el Q1 de 2026 y no nos da la vida con todo lo que va saliendo, eso es así, pero siempre es buen momento para coger por banda algunos de los lanzamientos que más hemos estado escuchando durante este mes y pico, recuperando algún álbum de febrero y rascando hasta la última semana de Marzo.

Mala Gestión – Hacemos Lo Que Podemos

Estos chavales tienen todo el potencial para reventarlo durante lo que queda de año, actitud, temas con pegada, mala leche y poder de convocatoria, de ‘Skol’ a ‘Noche De Casino’, pasando por ‘Diesel’ o ‘Sandalias del PSOE’, no te les podrás quitar de la cabeza. El próximo 30 de abril les tenemos dentro de Sound Isidro en Madrid.

Paco Te Quiero – Hay Un Pez Naranja En El Suelo Del Metro

Un ejercicio de sinceridad aderezado con esencia noventera, shoegaze, dream pop, synth-pop y melodías eléctricas, entre la nostalgia y el neo-ambient, unas atmósferas necesarias para una banda que tras llevar años llamando a la puerta, han despertado la atención plena de crítica y público. Su primer largo será sin duda uno de los discos más destacados del año en el ámbito nacional, en mayo pasan por Siroco dentro de Sound Isidro.

Pipiolas – Pipiolas

«Pipiolas» responde a un concepto. No es una batidora de canciones inconexas lanzadas al algoritmo sin pensamiento. Cada tema responde a un momento vital y musical específico. Esto exige que lo escuches una y otra vez: cada audición te acerca más a todo lo que contiene. Letras que duelen, como la verdad misma. Paula y Adriana toman la voz de una generación angustiada y decepcionada y alzan la voz con claridad. Extraordinarias.

The Twilight Sad – It´s The Long GoodBye

Estos veteranos del ‘indie’ escocés llevan dos décadas facturando temazos donde el post-punk y el shoegaze-folk conviven, Robert Smith ha colaborado con ellos durante varios años, de hecho es una de sus bandas fetiche, sus muros sónicos son cada vez más sólidos y a pesar de que ahora la formación ha ido derivando manteniendo únicamente a dos pilares iniciales al frente (el vocalista James Graham y el guitarrista/productor Andy MacFarlane), en este sexto disco, la progresión es evidente. Siete años han tardado en lanzar este nuevo cancionero donde la angustia, la demencia, la pérdida y la esperanza se fusionan llegando a una catarsis emocional que sólo ellos saben manejar. Temas como ‘Dead Flowers’, ‘Inhospitable/Hospitable’ y ‘Chest Wound To The Chest’ te harán quedarte en este disco por mucho tiempo.

mariagrep & Mundo Prestigio – Voy a Pensar en Ti

El talento de ambas formaciones estaba destinado a unirse, un EP que da para mucho, ‘Voy a Pensar en Ti’ tiene ese nuevo código pop que lleva el groove de todos los integrantes hacia sonidos setenteros, hacia una psicodelia de dormitorio, hacia una canción francesa en la que tiene cabida el motown, a una especie única dentro de una manida industria. La canción melódica renovada, la nueva escena alternativa estatal tiene un nuevo estandarte. El 22 de mayo estarán en Madrid en la Sala B dentro también de Sound Isidro.

Toldos Verdes – ‘Hace Tiempo Que Quiero Estar Así’

Toldos verdes firman un magnérrimo LP donde sigue patente su estilo enérgico y guitarrero, pero donde as canciones evolucionan a un sonido más elaborado, sofisticado, nostálgico y maduro, respecto a las canciones del disco anterior. ‘Hace Tiempo Que Quiero Estar Así’ es un viaje emocional que te lleva de la rabia, a la alegría pasando por la nostalgia o la calma. El 10 de abril les puedes ver en Valladolid en la Porta Caeli dentro del ciclo SON Estrella Galicia por ejemplo.

Paus – Enterro

Nuestra devoción por Paus viene por culpa del Primavera Sound, allá les descubrimos y aquí seguimos atentos a todo lo que hacen. En esta ocasión ‘Enterro‘, disco lanzado en marzo, y que anuncia el funeral de la banda cono tal. Una gira de despedida llevará este álbum a modo de marcha funebre por su país y esperemos que por el nuestro.  No sabemos si es solo un anuncio de deceso o el final de una obra sin muchos paralelismos. La escena independiente y experimental del Portugal de los últimos 20 años tiene en ellos un exponente claro. Esperemos que les quede cuerda para rato.

Go Cactus – Vidas Modelo

Vestidos de traje sobre una pista de atletismo, Go Cactus construyen un discurso irónico y urgente sobre la idea del éxito vacío, la rutina, el consumo como identidad, las relaciones frágiles, la vida nocturna y las expectativas infladas. Un disco que retrata la presión de tener una vida «bien hecha» mientras todo se mueve demasiado rápido. ¿Te suena?.

Slayyyter – Wor$t Girl In America

La fórmula es sencilla, pero hay que hacerla llegar a otros niveles, ritmos rave-pop, neón, disco y dance punk, entretenimiento puro, eso e lo que ofrece SLAYYYTER en su nuevo disco, uno que está marcado para catapultar a la artistas como nueva diva pop. Pensado para la pista de bailer, himnos, sangre en la pista de baile, zapateo y punk hedonista. Bravísima. El trono es suyo.

El Diablo De Shanghai – Testamento

Nuestros particulares Fontaines D.C., los catalanes han vuelto a hacerse con nosotros en este ‘Testamento’, un alegato de aceptación de la tristeza, pero también unas ganas de rebelarse a todos los niveles. Líricamente: superiores, Musicalmente: escapistas de lo común. Nostalgias, recuerdos, amores, vivencias, sinceridad, lucha, sentimientos que retuercen bajo una fórmula única, será muy difícil que no estén en el top 10 de cualquier melómano que se precie este 2026.

Puma Blue – Croak Dream 

Jacob Allen se sumerge en el Trip-hop, en el soul noventero, en el R&B lo-fi, en la instrumentación detallada, en un sinfin de referencias sonoras que hacen de ‘Croak Dream’ una auténtica masterpiece. Entre el hip-hop gótico, el dub e incluso el jungle, vamos emprendiendo un viaje metafísico a través de la vida y el alejamiento de la misma. Estará en mayo en el Café Berlín dentro de la programación de SON Estrella Galicia, obviamente todo vendido.

Sex Sodio Sullivan es una banda canaria que mezcla rock alternativo, electrónica y pop con una identidad muy marcada. En su último trabajo, La vida es un videojuego, combinan nuevas texturas sonoras con una mirada crítica y personal sobre el presente.

Habéis pasado de un rock más crudo a coquetear con la electrónica y ahora a un sonido más pop con carga social. ¿Vivís cada disco como una ruptura con el anterior o más bien como una evolución natural?

Hay una parte de evolución natural, pero también hay mucha intención cuando empezamos un disco nuevo. Normalmente partimos de lo que ya sabemos hacer y de lo que funciona entre nosotros, pero intentamos no quedarnos ahí. Nos interesa cambiar herramientas, la forma de grabar o la manera de componer para ponernos en situaciones que no controlamos del todo. Tener algo dominado te da un punto de apoyo, pero lo que buscamos es llevar las canciones a terrenos donde no hemos estado antes. Al final, cada disco suena distinto porque planteamos el proceso como una prueba nueva cada vez.

En La vida es un videojuego habláis de temas sociales a través de una metáfora bastante particular. ¿De dónde surge esa idea del videojuego para explicar la realidad que vivimos?

Al principio el disco no tenía que ver con un videojuego, sino con la idea de transformación, como una metamorfosis: la oruga que pasa a ser mariposa. Con el tiempo empezamos a verlo como fases o niveles, y apareció la ironía de entenderlo como un juego. El concepto llegó al final, cuando vimos que resumía todo lo que estaba pasando en las canciones.

Desde que empezasteis en 2014, vuestro sonido ha cambiado bastante, pero seguís siendo reconocibles. ¿Qué hace que una canción vuestra suene siempre a Sex Sodio Sullivan?

Tiene más que ver con la forma de construir las canciones que con el estilo. La banda existe desde 2014 y, aunque la formación ha cambiado, hay una manera de escribir y de hacer arreglos que se mantiene.

En este último trabajo habéis metido instrumentos acústicos como chelo, mandolina o saxo. ¿Eso ha cambiado vuestra forma de componer?

Sí, porque cuando aparecen instrumentos así, la canción pide otro espacio y nos obliga a escuchar más lo que necesita cada tema, en lugar de repetir siempre la misma estructura.

Vuestro anterior álbum, Tokamak y Stellarator, tenía un concepto muy marcado. ¿Os sigue interesando trabajar así?

Este disco se construyó desde casa, con ordenador, sintes, guitarras y pedales. Las demos estaban muy desarrolladas antes de entrar al estudio, y luego se regrabó todo buscando un sonido más cálido. Aunque suena electrónico, hay muchas partes grabadas de forma orgánica, incluso baterías reales mezcladas con samplers. En el disco nuevo el método fue parecido, pero con un sonido más orgánico.

Venís de Canarias, ¿cómo ha influido eso en vuestra música?

Estar en Canarias complica moverse, pero también nos da libertad para no encajar en una sola escena y trabajar más por convicción.

Os importa más la identidad que la perfección. ¿Cómo se traduce eso?

Intentamos que la música siga siendo humana. No todo tiene que pasar por una fórmula. Cada canción pide su forma y, a veces, hay que dejar que el error o la intuición formen parte del resultado.

Después de este disco, ¿qué os gustaría que sintiera alguien que os escucha por primera vez?

Que hay algo propio, que no es una copia de nada, y que las canciones le generen alguna sensación real.

BANANI es el proyecto de un músico barcelonés que se mueve entre el garage, la psicodelia y el indie con personalidad propia y cero artificios. En El Arte del Terciopelo, su segundo álbum, transforma lo cotidiano —las relaciones, las noches de ciudad, esos pequeños momentos de felicidad inesperada— en canciones sinceras, con ironía y sin rodeos.

En el disco conviven el garage, la psicodelia sesentera, el indie de los 2000 y el rock alternativo de los 90. ¿Cómo consigues que todas esas referencias dialoguen entre sí sin que se diluya tu propia voz?

La fórmula está en los discos que me inspiran, aunque no suelo pensar en estilos o referencias cuando compongo; aun así, es inevitable que la música que consumo se plasme. Mi tono de voz puede incluso desentonar con el estilo. La gracia está en mezclar todo eso, pero sin demasiadas pretensiones.

Has dicho que este álbum es, ante todo, un espacio de juego. ¿En qué punto sentiste que podías soltarte del todo y hacer un disco sin filtros, sin esa “vergüenza” que a veces frena?

Justo cuando empecé a escribir la letra de «El Peinado de Dios». Esa canción tiene la letra más descarada que he escrito nunca. También hay otras letras con esa misma falta de vergüenza. En algunas canciones camuflo mensajes que a muy poca gente he explicado.

Aunque es un trabajo muy personal, muchas canciones miran más hacia fuera que hacia dentro. ¿Te resulta más natural contar lo que observas en los demás que hablar abiertamente de ti?

Sí, me cuesta plasmar lo que me pasa, aunque reconozco que en este disco me he abierto un poco más que en los anteriores. En los próximos no descarto abrirme aún más. Y cuando lleve cuatro o cinco discos, quizá ya nadie escuche a Banani porque pensarán que necesito ayuda. Así que igual sigo contando lo que observo.

En temas como «Ego» o «Písame» aparecen relaciones marcadas por el poder, la admiración o incluso la sumisión. ¿Dirías que esas tensiones forman parte del ADN de nuestra generación?

Somos una generación que va un poco a rebufo de la de nuestros padres. Admiras al resto y, cuando ya lo has admirado suficiente, a veces esa misma persona termina pisándote. ¿No os pasa?

Aunque, bueno, tampoco es tan grave: en realidad, vale la pena observar cómo la gente narcisista no vale tanto como cree. Tuve una época en la que me quemaba el pecho cuando salía de fiesta. No recuerdo por qué lo hacía.

Canciones como «Los mejores días del año» o «No dejes de jugar» invitan a vivir con más ligereza y conciencia. ¿Esa mirada nace de una convicción profunda o de lo que has aprendido a base de tropiezos?

Me he caído muchas veces, aunque me considero un afortunado. Así que la gran mayoría son caídas sutiles que te ponen en tu sitio. Creo que ambas canciones me hacen reflexionar y decir: «Qué bien estamos cuando estamos bien».

«No dejes de jugar» es mi canción preferida del disco, y aprovecho esta entrevista para deciros que me habría encantado que saliera como tercer single. Eso no ha pasado. Ahora me siento un poco mejor. Gracias.

También hay espacio para el humor afilado y la crítica, como en «Peinado de Dios» o «Equipo ganador». ¿Qué lugar ocupa el sarcasmo en tu manera de mirar el mundo y de hacer canciones?

Es un de los motivos principales en este disco. Jugar con la ironía y la metáfora. En «Equipo Ganador» hay varios mensajes ocultos. «En Peinado de Dios» no hay ningún mensaje oculto.

En «Del Apolo al Psycho» asoma cierta nostalgia por la noche barcelonesa. Los viejos y buenos tiempos… Cuando piensas en eso, ¿crees que lo que ha cambiado es la ciudad… o somos nosotros?

La ciudad cambia constantemente. Si vais del Apolo al Psycho, veréis que hay un agujero de diez metros en la calle Vila i Vilà, que espero que pronto cierren, porque, si no, igual acaban montando más bares para expats en ese socavón.

Nosotros nos adaptamos a las épocas. Ir del Apolo al Psycho es un acto de costumbrismo que cualquier amante del rock debe vivir, y espero que eso nunca cambie.

Este es tu primer trabajo junto a Magic in the Air. ¿Qué ha supuesto esa colaboración en el proceso y en el sonido final del disco? Y cuando alguien le dé al play por primera vez, ¿qué te gustaría que se llevara de esa escucha?

Magic in the Air es uno de los grandes aciertos de este disco. Los considero familia. Me siento muy apoyado por este sello, y eso se refleja en la forma de trabajar el disco.

En cuanto le deis al play, espero que lo disfrutéis tanto como yo he disfrutado grabándolo. Pero, sobre todo, dejad de beber agua del grifo.

No nos da la vida a escuchar todo lo que va saliendo, así son las cosas, pero si que nos da la vida a quedarnos a hacer una escucha más profunda en algunos discos que se postulan a favoritos del año, o al menos a no quedar en el catálogo de los que se lastran al rincón de los olvidados, mientras tanto fuera el ruido, el miedo, la incertidumbre, la puta IA, la conexión para desconectar, entre tanta convulsión siempre intentamos encontrar un rato para refugiarnos en la música. Entre lo que más hemos escuchado y lo que nos apetece destacar de Febrero y Marzo os ofrecemos una pequeña muestra en parte (I), además algunos de los presentes se encuentran de gira o lo harán de manera muy inmediata.

HELP (2)

HELP(2) es un nuevo álbum colaborativo, inspirado en el histórico lanzamiento de 1995 «HELP», que reúne a los amantes de la música en apoyo del trabajo vital de War Child, brindando ayuda inmediata, educación, apoyo especializado en salud mental y protección a los niños afectados por conflictos en todo el mundo.  El nuevo álbum, al igual que el original, habla de la urgencia de la situación humanitarian actual en todo el mundo.

‘HELP(2)’ continúa con el espíritu del álbum original ‘HELP‘ y ha sido posible gracias a una estrecha colaboración con los estudios Abbey Road, grabado principalmente durante una semana extraordinaria en noviembre de 2025 bajo la dirección del aclamado productor James Ford.  ‘HELP(2)’ cuenta con una increíble lista de colaboradores, entre los que se encuentran
Anna Calvi, Arctic Monkeys, Arlo Parks, Arooj Aftab, Bat For Lashes, Beabadoobee, Beck, Beth Gibbons, Big Thief, Black Country, New Road, Cameron Winter, Damon Albarn, Depeche Mode, Dove Ellis, Ellie Rowsell, English Teacher, Ezra Collective, Foals, Fontaines D.C., Graham Coxon, Greentea Peng, Grian Chatten, Kae Tempest, King Krule, Nilüfer Yanya, Olivia Rodrigo, Pulp, Sampha, The Last Dinner Party, Wet Leg y Young Fathers. 

El espíritu del disco original se reflejó en la naturaleza colaborativa del proceso de grabación, con numerosos momentos improvisados que se desarrollaron en el estudio. En la sesión de Damon Albarn para ‘Flags‘ se le unieron Johnny Marr a la guitarra y Kae Tempest y Grian Chatten, de Fontaines D.C., a la voz; y Olivia Rodrigo conectó con Graham Coxon, lo que dio como resultado la participación del guitarrista en su versión de ‘The  Book of Love‘. Nosotros llevamos una semana con este trabajo como disco de cabecera.

Erik Urano – ‘Stalker’

En un contexto marcado por la estandarización estética, la IA generativa y una homogeneidad creativa cada vez más evidente, esta obra opta por decisiones manuales, límites claros e irregularidades asumidas. Erik sigue haciendo del rap la herramienta maestra para un discurso que sigue abriendo un camino sin recorrer dentro del género. En ‘Stalker‘ hay mayor presencia electrónica pero también hay incursiones en el grime, en el uk garage, en el hip-hop clásico y en el futurista que mira de cerca a la vanguardia del otro lado del charco.

El método es suyo, el movimiento no es errático, radioactividad creativa, amarillo chillón, advertencia, lo que nunca supiste decir Erik te lo plasma en versos cósmicos, el algoritmo no tiene porque llevarte a algo que lo revienta desde dentro, para LLM la mente del señor Urano.

Lucas Jesús – ‘Dark Emo Cowboy Sexy Dream’ 

Desertando de todos los imaginarios sonoros concretos y de las escenas más herméticas y estereotipadas que conozcamos, Lucas Jesús viste el traje de todas las personalidades sonoras y artísticas que habitan en él: «Dark Emo Cowboy Sexy Dream» es un manifiesto artístico y vital a la vez, además de un álbum de una riqueza inabarcable. Como si Beck coqueteara con Ralphie Choo, como si Thom Yorke fuera aturdido por Yung Lean, toda una pegada directa a manterse en loop en tu reproductor.

Un road-trip serpenteante por un campo musical que va floreciendo a medida que el artista avanza pista a pista, un emocionante imaginario en el que todo estilo tiene cabida para mutar al antojo de Lucas.

The Wave Pictures – ‘Gained/Lost’

The Wave Pictures  están de vuelta  con «Gained/Lost», un disco que demuestra las tres claves de su sonido: composición clásica, virtuosismo musical y letras oníricas. El álbum consigue combinar el garage rock de los 60, el rock clásico de los 70 y el indie americano de los 90 con un espíritu DIY que ha guiado a la banda durante casi tres décadas.

Las letras de Tattersall llegan al oyente como si se tratasen de postales desde el espacio, donde los recuerdos se fragmentan y los sueños llenan las grietas. El compositor reflexiona sobre el «yo como niño, como anciano y como observador» desde la ventana de un vecino. Sobre unas guitarras brillantes, creativas y por momentos, virtuosas, sus letras flotan como figuras en el cielo en un cuadro de Chagall. Además están de gira, toda la info aquí.

13 de marzo
Palma de Mallorca – Sala Zero (Es Gremi)
ENTRADAS YA A LA VENTA

14 de marzo
Zaragoza – La Lata de Bombillas
ENTRADAS YA A LA VENTA

15 de marzo
Valencia – 16 Toneladas
ENTRADAS YA A LA VENTA

16 de marzo
Madrid – Sala Villanos
ENTRADAS YA A LA VENTA

17 de marzo
Barcelona – Razzmatazz 3
ENTRADAS YA A LA VENTA

18 de marzo
Bilbao – Kafe Antzokia
ENTRADAS YA A LA VENTA

19 de marzo
Santander – Escenario Santander
ENTRADAS YA A LA VENTA

20 de marzo
Logroño – Estéreo Rock & Roll Bar
ENTRADAS YA A LA VENTA

21 de marzo
San Sebastián – Dabadaba
+ Thee Eliam
ENTRADAS YA A LA VENTA

Niños Luchando  – ‘Jab/Cross’

El nuevo disco de Niños Luchando, proyecto del granadino Javier Bolívar, está a otro nivel, en este nuevo cancionero encontramos ecos al trip-hop más electrónico, con reminiscencias que van de Massive Attack a Portishead pero también a los Radiohead más experimentales a unos Air poseidos por electrónica balearic. La indietrónica tiene un nuevo exponente en ellos.

«jab/cross nace de la idea de estar en combate con uno mismo. El título viene del boxeo: dos golpes seguidos, rápidos y precisos. Para mí representa esa sensación de avanzar a base de intentos, de pequeñas luchas internas. Las canciones hablan de buscar algo fuera y descubrir que estaba dentro, de perder a alguien, de intentar resistir, de esperar algo que parece no llegar o de decidir moverse aunque parezca que no queda aire. Son canciones que se mueven entre la fragilidad y la fuerza, como si cada una fuera parte de ese combate interior.»

Próximos directos:

15.05: Madrid. Maravillas Club – Sound Isidro
21.05: Barcelona. Heliogàbal

Cut Worms – ‘Transmitter’

Cut Worms, el proyecto de Max Clarke, lanza hoy su cuarto álbum, ‘Transmitter’, vía Jagjaguwar. Producido por Jeff Tweedy en el estudio Loft de Wilco, ‘Transmitter’ representa una mayor profundización en las habilidades de Clarke y la convergencia de dos artistas cuyo trabajo busca la gracia en medio de la desorientación. Juntos, evocan el espíritu extático del power pop y el rock alternativo, ampliando la paleta sonora clásica de Cut Worms y reafirmando su talento para la composición atemporal. Son canciones marcadas por el mito de la autosuficiencia, donde las personas a las que se les vendió la idea de la conexión a través de la tecnología se han reducido a silenciosos transmisores: puntos de datos comprados y vendidos, manipulados y medidos, cuyas vidas se distorsionan a través de las mismas redes destinadas a unirlas.

Clarke ha explicado sobre el álbum: «Las historias de estas canciones combinan a partes iguales inocencia y experiencia: abordan los momentos de éxtasis de estar recién enamorado del mundo, así como el aislamiento y la soledad que pueden venir después. Se muestran los santuarios interiores, invisibles, de la tranquila vida cotidiana: los mundos privados que habitan las personas, donde no dejan entrar a nadie. No es un fenómeno exclusivamente estadounidense, pero parece estar muy presente aquí, arraigado en el mito del individualismo a ultranza y en la idea de que cada persona debe ser lo suficientemente fuerte como para valerse por sí misma o morir»

Agoraphobia – Kamikaze

Desde 2019 sin tener noticias de Agoraphobia, el pasado mes de enero nos encontrábamos de nuevo con ese portento de directo que manejan en la Sala Siroco. Poco después veía la luz este nuevo disco, ‘Kamikaze‘, cual pilotos temerarios, la banda se adentra en un laberinto de emociones donde la resistencia, y la construcción de lo que somos a través de lo que vivimos forman el eje principal. Lejos de ese halo de destrucción enfrentan esa actitud kamikaze como arma de creación y de oda a la libertad. Agoraphobia no se dejan guiar por lo impuesto, imponen su propia visión sonora.

Sin prisas, se han permitido marcar un trabajo donde los ocho temas dan robustez y solidez a un sonido más nítido, afianzado y en el que sus pasajes más metaleros y rockeros matchean a la perfección con pasajes más reposados y eléctricos, ecos a Garbage, QOTSA, Beth Gibbons, Placebo, Savages, Linkin Park y Wolf Alice entre muchos otros, catenlo con calma.

Agoraphobia actuarán este sábado 14 de marzo en el Exporock de A Coruña

Vona Vella – Carnival

‘Carnival‘ es toda una revelación, la banda británica, creada por Izzy David y Dan Cunningham, se estableció en Nottingham tras refugiarse por un tiempo en Londres, en 2022 dieron las primeras muestras de su talento en forma de EP y fueron ojeados por el sello de Pete Doherty. Unos años más tarde aquí tenemos ‘Carnival‘, un completo ejercicio de pop sofisticado, juguetón, que da la importancia necesaria a las armonías y a sus estrofas perfectamente medidas para ser espetadas con esmero. Es ‘Carnival‘ un disco que puede sonar tan atemporal como quiera, en el que hay ecos a The Breeders pero también hay ese folk-pop que nos recuerda a The Coral, o algún riff que nos trae a la cabeza a los Pixies y a Belle And Sebastian. Una delicia de principio a fin.

Bernal – ‘Vida Y Milagros’

El segundo álbum de Bernal, ‘Vida y Milagros’, se estructura como un relato completo y consciente de sí mismo. Doce canciones que funcionan casi como un ciclo cerrado, doce estaciones de un mismo trayecto vital. Como los doce apóstoles, el disco predica un peregrinaje de virtud y clarividencia, donde cada canción aporta una voz distinta a una misma historia de aprendizaje, pérdida y transformación. No hay dogmas ni moralejas, pero sí una mirada atenta sobre aquello que permanece y aquello que inevitablemente cambia. Su último concierto en la madrileña Sala El Sol nos dio una idea del calaje que la banda tiene en un público que se refresca y que ansía verse reflejada en letras donde todos podemos ser protagonistas. Os recomendamos nuestra entrevista a la banda.

Próximas fechas

14 de marzo, sala La Disfrutona, A Coruña + Aeronave Adolescente
27 de marzo, sala Niágara, Santander + Las Yhadys
28 de marzo, La Lata de Zinc, Oviedo + Severino
10 de abril, Laut, Barcelona + Boys Kissing Boys

Si hablamos de bandas con trayectorias inusuales, The Primitives es una mención obligatoria dentro de la conversación. El pasado jueves 12 de febrero dieron un concierto en la Sala El Sol como parte de su breve gira por España, que, además de incluir una fecha en Madrid, organizada por la promotora Fantastik Events, pasó también por ciudades como Barcelona y Valencia.

El motivo de su vuelta a los escenarios es nada más y nada menos que el 40.º aniversario de su carrera. Cuando empezaron a sonar alrededor del mundo con Lovely, su primer disco, Paul Court (guitarrista), Paul Sampson (bajista y productor), Tig Williams (batería) y Tracy Tracy (cantante) materializaban los nuevos sonidos de finales de los 80 dentro de una radio estancada en el pasado.

Su actuación en Madrid fue divertida y despreocupada. El repertorio de la noche le hizo justicia a su inmensa colección de canciones, pasando por sus temas más conocidos, como Crash, Spacehead o Thru The Flowers; y por los secretos mejor guardados de su discografía, Buzz Buzz Buzz, I Won´t Care o Sweet Sister Sorrow: bases de la actual corriente Indie pop.

8:06. Salen al escenario para tocar I´ll Stick with you, canción que referencia a I´m Sticking With You, de uno de sus referentes, The Velvet Underground. Parece que el tiempo ha pasado para todos menos para Tracy, quien luce un atuendo de lo más extravagante, propio de su personalidad artística. La línea de bajo los ayudó a situarse dentro de la canción y de la sala.

El público nostálgico que llenaba el espacio no esperaba grandes demostraciones de una banda que tampoco pretendía resultar impresionante; la dinámica de esta gira por parte de la agrupación consiste en tocar juntos con una energía similar a la de sus primeros años, una época en la que la recreación y la creatividad eran el epicentro de cada canción. Por lo tanto, los grandes virtuosismos y las interpretaciones forzadas quedaron fuera de la ecuación durante el concierto.

El espectáculo lo dieron la pandereta de Tracy y las alegres melodías de sus canciones, que se han establecido como uno de los sellos diferenciadores de su música (como resulta evidente en Sick Of It). Además, destaca la disonancia entre la suave voz de la cantante y las guitarras rockeras de Paul Court; la cual, según han contado en numerosas entrevistas, fue el motivo por el cual decidieron integrarla a ella en la banda en lugar de buscar una voz más estereotípicamente adecuada para el género. Esa tensión brilló especialmente durante Stop Killing Time, una de sus piezas más potentes instrumentalmente, pero que aún así realza la delicadeza vocal.

Los patrones de batería eran, en su mayoría, los clásicos del género, con un sonido seco, sin demasiada expresividad. Hubo algún fallo de sonido ocasional y algún riff fuera de tiempo. Resumiendo el contenido, presentaron un despliegue de varias canciones desenvueltas con pocos acordes (Petals); algunas con recursos más originales, como el stop-time (Way Behind Me), u otras con bases instrumentales marcadas por la percusión (You Are The Way).

Entre temas mejores y menores, no esperaba mucho más del contenido presentado, pero quizá sí un espectáculo más cuidado. La limpieza sonora, en este caso, no era tan relevante como la intención, tanto de los artistas como de los técnicos: una revisión de los detalles (que, en conjunto, se engrandecen) nunca sobra en los eventos en directo.

Crónica: Mariángel Vera Fermín

Más Cara se estrena junto al videoclip de Un Coro Y Ya

Más Cara reúne un grupo destacado de colaboradores, desde leyendas del género como Chencho Corleone, Ozuna, J Alvarez o el difunto Jadiel el Incomparable, hasta nuevas voces que están marcando el rumbo de la música urbana, como Maureen u 8belial, pasando por grandes figuras como De La Rose o Victor Mendivil. El álbum también otorga un papel protagonista a figuras históricamente secundarias, como Jenny «La Sexy Voz», nunca antes acreditada como artista principal en canciones de reggaeton. Estas colaboraciones no solo amplían el universo sonoro del álbum, sino que reflejan la visión de Bad Gyal como curadora: capaz de moverse con naturalidad entre estilos diversos mientras construye un relato coherente que reivindica y redefine el canon de la música urbana.

En Más Cara, Bad Gyal reclama espacios históricamente dominados por hombres en la música urbana. El álbum se apropia de elementos que tradicionalmente se consideraban masculinos -grandes beats, estructuras centradas en la voz, el deseo- y los reformula desde su perspectiva, con total control sobre su discurso. Todo ello se articula alrededor de la dualidad que define su identidad: fuerza y vulnerabilidad, lujo y calle, espectáculo e intimidad, creando un universo que refleja cómo se mueve entre mundos distintos con autenticidad. Esa capacidad de moverse entre extremos conecta de inmediato con su público, que a menudo vive (o sueña con vivir) entre esas mismas tensiones.

Bad Gyal llevará Más Cara a los escenarios en su gira de 2026, que arrancará el 20 de marzo en el Palau Sant Jordi de Barcelona y recorrerá los principales arenas del país. El tour ya acumula múltiples sold outs con las últimas entradas disponibles en las terceras fechas de Barcelona y Madrid, la segunda de Bilbao y las de Sevilla y A Coruña. Próximamente se anunciarán fechas internacionales.

BAD GYAL · TOUR 2026 [ TICKETS ]
20 MAR | Palau Sant Jordi – Barcelona SOLD OUT
21 MAR | Palau Sant Jordi – Barcelona SOLD OUT
22 MAR | Palau Sant Jordi – Barcelona NUEVA FECHA
11 ABR | Movistar Arena – Madrid SOLD OUT
12 ABR | Movistar Arena – Madrid SOLD OUT
14 ABR | Movistar Arena – Madrid NUEVA FECHA
24 ABR | Roig Arena – Valencia SOLD OUT
09 MAY | Live Sur Stadium La Cartuja – Sevilla
15 MAY | Arena Miribilla – Bilbao NUEVA FECHA
16 MAY | Arena Miribilla – Bilbao SOLD OUT
23 MAY | Coliseum – A Coruña

“AMA” es una palabra polisémica. Es imperativo (amar), es afirmación (ama como dueña de su voz y de su visión artística) y es también origen: la “A”, la vocal más abierta; la “M”, la primera consonante que aprendemos a articular al mamar del pecho de nuestras madres. Dos sonidos primarios que atraviesan todos los idiomas y que remiten a lo materno, a lo inicial, a aquello que funda. Para Maria Arnal, esos fonemas funcionan como el comienzo de una nueva voz. Y es desde ahí, desde ese punto cero, que nace “AMA”, su primer álbum en solitario, publicado el pasado viernes 20 de febrero a través de Atlantic Records. “AMA” no es solo un título: es afirmación, autoría y decisión. El momento en que María asume plenamente su historia, su carrera y su visión artística.

Trece canciones que amplían el territorio abierto previamente con sus singles, “Ama”, “Pellizco” y “Que me quiten”, y que ahora revelan su sentido completo: una arquitectura sonora y vital que desplaza el foco hacia las violencias (históricas y cotidianas) que han moldeado la experiencia de las mujeres. El disco recorre castigos físicos, simbólicos y emocionales ligados al control del cuerpo y del deseo, señalando tanto las estructuras patriarcales como las formas más sutiles de misoginia. Cada repetición insiste en aquello que se intentó silenciar; cada capa vocal devuelve conciencia.

“AMA” es el resultado de tres años de trabajo atravesados por experiencias colaborativas con Marcos Morau, la banda sonora de Polvo Serán, instalaciones como Maria Choir y un proceso de investigación desarrollado junto al Barcelona Supercomputing Center y el Intelligent Instruments Lab de Reikiavik. La inteligencia artificial no aparece aquí como gesto futurista, sino como herramienta rigurosa para explorar la voz humana (el instrumento más antiguo que existe y el único que es también cuerpo). Como ha explicado la artista, se trata de investigar cómo esa voz física, con respiración y error, puede convivir con otras voces digitales que la acompañan sin sustituirla. Tecnología aplicada desde un marco ético y artesanal, donde innovación y emoción se sostienen mutuamente.

Rienda de su potencial en directo pudimos ver en la pasada edición del madrileño Kalorama, ahora María Arnal prepara su vuelta a los ruedos con un espectáculo impactante.

Próximas Fechas.
Barcelona: 7 y 8 de marzo de 2026 en la sala Paral·lel 62.
Madrid: Sala BUT el 27 de febrero de 2026.

Producido por ella misma junto a Hevi (productor gallego que ha trabajado con artistas de la talla de Caamaño & Ameixeiras, FAIA, Novedades Carminha, Grande Amore o Néboa, entre muchos otros), «Anfibia Por Veces» es un cancionero sensible y ecléctico; que si bien no pierde su punto de apoyo y su mirada en torno a la canción en su sentido más amplio, se permite licencias que llevan el repertorio y la producción a otros lugares. Este segundo LP le vale a la artista para confirmar su inmenso talento, esa capacidad serpenteante de moverse entre géneros, de llegar a rincones inexplorados y de conquistarlos hacia su propio terreno.

Hay hueco para el jazz indietrónico,  («Amodinho») para el neofolk gallego («Augha Desa Fonte»), para indagar en la chacarera («Eu Canto»), para acariciar la sinfónica («Umbral»), la música de brass («Amor Fugaz»), el easy listening («Anfibia Por Veces»), la transformación del concepto de cantautor («Mientras Sueño y Vivo» o «Cien Olivos») o esa mutación de la canción en su más pura expresión («A Beleza» o «FiGA»).

Con colaboraciones de compañeras gallegas como las pandereteiras Lilaina (con las que es, además, compañera en los shows de Baiuca, en los que ambas participan desde hace años), la chelista Margarida Mariño o la brass band Brassica Rapa (con quienes ya había colaborado en el tema pro-palestino «Oliveira ardendo»); «Anfibia Por Veces» es el primer gran álbum de una cancionista en lo que llevamos de 2026, y un ejercicio que llevará a Antía Muíño a girar por todo el país desde esta misma semana.

Sidonie se merecen siempre todo lo bueno que les pase, a los que hemos crecido conociendo el indie de pura cepa, empapándonos de la música en salas, sin hacer un scroll continuo ni sobreestimulados por el algoritmo, se nos pone la piel de gallina cuando una banda como la suya sigue siendo y haciéndose grande año disco a disco. Lo bueno de Sidonie es que son Sidonie, han experimentado, han sobrevivido a las modas, han sucumbido a ellas, han tocado para 10 para 100 o para 10000 de la misma manera y sobretodo han seguido siendo fieles a su propio estilo.

Si bien Catalan Graffiti ha sido su primera incursión completa con un álbum completo en su lengua materna en lo que llevan de carrera, la jugada no les ha salido para nada mal, me atrevo a decir que justo lo contrario, han vuelto a facturar melodías pegadizas, a construir estribillos bailables, a plagiar sin miramientos a sus admirados The Cure llevándoselos a su terreno y a volver a jugar a ser esos chavales que siguen creciendo ilusionados con la música.

Esa ilusión volvía a ser palpable la pasada semana en Madrid, con un doble todo vendido en el Teatro Eslava en el que Marc, Axel y Jes y su banda lograban congregar a una parroquia fiel y a nuevos seguidores en un mismo espacio. Un espacio que sirvió para celebrar el éxito de este último LP de la banda y para realizar una buena retrospectiva de su carrera y de todas sus etapas, con el mismo palmito y buen rollo de siempre. Y todo eso mecido por influencias que van de los Beatles a The Smiths, de The Everly Brothers y los Beach Boys a Stone Roses o a Madonna.

El pasado jueves 5 de febrero se presentaban en Madrid en la primera de las dos fechas (jueves y viernes), de la mano de last tour, con todo vendido y con este nuevo disco amparado por Sonido Muchacho, luciendo palmito y solera. ‘Sé’, ‘Cedé’ , ‘Me Llamo Abba’ o ‘El Incendio’ caían de ipso facto, buena metralla para acelerar a la pista y a las gradas del bonito Teatro Eslava (lo del precio del tercio lo dejamos para otra). Escenario presidido por una berenjena gigante, la misma que plasman como símbolo de su catalanidad en su nuevo álbum, al más puro estilo platanero de la Velvet, algo de ellos también beben. El buen rollo que se desprende es esencial, la marabunta de público grita, rie, se emociona y canta, da igual el idioma, el universal de la música vuelve a unir esta noche en Madrid. ‘Els Beatles’ y ‘Feelin’ Down’ confluyen, hay comodidad, hay un set seleccionado con corazón y precisión, ‘Et puc odiar molt més’ y ‘ Just like heaven’ son mergeados de forma natural, ya lo dice Marc, han fusilado a la banda y lo han hecho tan bien que hay que amarles.

Con ‘No Sé Dibujar Un Perro‘, nos vuelven a emocionar mientras nos demuestran como pueden arrancar hojas del cuaderno en escena, los que nos quedamos boquiabiertos somos nosotros chicos…’El Bosque‘ es el público, y hacia él se dirige Marc a hombros para darse uno de los baños de multitudes necesario, esa comunión mágica que la banda tiene con su público es por algo. Lejos han quedado los días de sus shows frenéticos y de locura juvenil, pero algo de ello se mantiene en esta pseudo-madurez, algo que sólo con las miradas y los gestos es transmitido de ipso facto.  ‘Me Gustas Todo El Rato‘ apenas tiene unos años pero se ha convertido en todo un himno intergeneracional, aunque las generaciones que más imperaban el jueves eran de los 30 y a los 50 y…, público fiel joder!. Especial cariño tiene servidor a ‘Sierra y Canadá’, así que volver a gritar eso de ‘Un Día de Mierda‘ fue catártico, para nosotros y para muchos otros…si a esto le encadenas un mágico momento de Jes reventando el Sitar y unirlo a ‘Un Día Más En La Vida’ ya tenemos todo hecho. Para esta última aprovecharon la coyuntura de Dani DiCostas a las voces, una nueva gran pirueta para los catalanes que llevaban la fiesta a su máximo nivel con ‘Maravilloso‘, todos felices y ¿nunca estaremos tan cercanos? por nuestro lado nos fundimos en un baile y abrazo con nuestros desconocidos compañeros de concierto a más no poder, es maravilloso, oh oh!.

Todo se acaba, pero acabar uno puede de diversas maneras, haciéndote querer volver a ellos, haciéndote disfrutar y salir con una sonrisa hacia un día invernal que de repente se torna luminoso en plena nocturnidad. Nuevo momento acústico rodeado de su público, ‘El Peor Grupo Del Mundo‘, que himno de himnos es el ‘Fascinado‘, cuántas veces hemos cerrado un garito o un día con ‘Carreteras Infinitas‘, tarareado y cantado eso de ‘Estáis Aquí‘, o dicho lo de ‘No Salgo Más’, en cinco temas acabaron como el vendaval que son, haciendo un recorrido por tanto momento bonito de los últimos años de muchos de los allí presentes, gracias Sidonie, nos gustáis todo el rato.

Corte!, el nuevo proyecto de Gonzalo Barbero, miembro de otra banda de culto como era Carrera, lanzaba el pasado año su primer largo, poco más de veinte minutos de pepinazos que bajo el explícito título de ‘Música Para Humanos‘ (Sonido Muchacho,2025) , pone contra las cuerdas la presencia de las máuinas en nuestro día a día. Es normal que su último trabajo se haya colado en más de un top del año, en el nuestro por supuestísimo, y que durante 2026 haya más de un visionario que logre programar su propuesta en ese océano de carteles copy-pasteados de festivales o en una programación de salas que apuesta por el talento de las nuevas bandas nacionales.

Y es que mal que nos pese, estamo siendo espectadores fuera de nuestra vida, vivimos nuestro día a día columpiánddonos por las ventanas de tanta gente feliz, de tanta red social, de tanto postureo idílico, de tanta noticia falsa y de tanta hipocresía que alguien lo tenía que volver a repetir, entre la rabia y la desilusion siempre hay un halo de esperanza bañado de electricidad. Un viaje a través de un laberinto emocional entre la euforia y el desdén de la vida moderna.

Así lo hicieron patente Corte! en la Sala B dentro del ciclo Mazo, concierto que se saldó con un todo vendido, algo habitual para un ciclo que bien sabe leer el nuevo ADN musical de la capital. Una sala repleta, a la vez que una sala un tanto complicada para captar un sonido adecuado según donde te sitúes, poco más que decir de la misma. Banda al completo, gala para la ocasión, recordándonos desde los inicios al mood que nos pueden dar The Dare, LCD Soundsystem, Beastie Boys, The Rapture o unos Talking Heads atemporales, de todos ellos seguro han bebido, de lo más novedoso a lo más viejuno, saben de quién coger lo mejor para hacerlo superior. Puesta en escena que sirve para presentar sus últimas composiciones y adaptar antiguos temas a un formato electrónico de primera, una rave post-apocalíptica en la que todo tiene sentido y el baile exorciza a todo skynet que quiera poseer la IA para destruirnos más si cabe.

Espídico y arrebatador, puedes ver ‘Cortes‘ a tu alrededor o invocar a James Murphy cerca de Olavide con ‘La canción de los días Felices’, pueden invitarte a un concurso de baile y animarte a lanzar tus mejores pasos junto al quinteto, o confirmar eso de que en un futuro todos seremos ‘Exnovios‘. Tocar por David Byrne o recodarnos a los Fucking Buttons en temas como ‘Todavía es Mañana‘. Sin duda la defensa de ‘Modales de Araña‘ o ‘Hay un niño atrapado dentro de una Máquina‘ nos lleva al frenesí, dos temas auténticamente hechos para y por humanos, ese gancho y ese premio que creemos alcanzar sólo se salda acabando un concierto de Corte!, ejercicio de liberación de endorfinas y de griterío extremo. Es difícil bailar si no tenemos un ‘Centro de Gravedad‘, ellos nos los acercan y nos lo facilitan, a pesar de hacernos reflexionar en que bailamos al son de aquellos que nos joden por doquier… Aislamos la mala ostia aunque estemos ‘A Ratos Perdidos‘, y caemos hacia el pogo de ‘Una Rata‘, y el si dijese lo que pienso ya estaría preso cobra más sentido.

Seguramente no os engañamos si os decimos que nos parece uno de los directos más necesarios y enérgicos de los últimos meses, una nueva sabia necesaria para recorrer rincones más allá de la capital. No os arrepentiréis. En unas semanas Gonzalo y los suyos repiten en el Madrid PopFest, ahí lo dejamos.

Viene cargado enero y nosotros tenemos ya varias propuestas para haceros vibrar con toda clase de estilos, nacionales e internacionales. Si queréis pasar este finde invernal dándole al play os recomendamos algunos de los diversos lanzamientos que hemos ido escuchando durante el mes de enero. En particular nos rendimos al nuevo trabajo de Delaney Bailey- absolutamente rendidos al debut de la joven americana-, al disco entre el world-music y el balearid de los Whodamanny o al regreso de Nacho Vegas y Ángel Stanich. Pero hay más, pasen y den al play.

Delaney Bailey – Concave

La joven artista de Chicago debuta en largo con ‘Concave‘, once temas en los que el dream-pop juega entre las luces y sombras para construir un universo entre lo atmosférico y lo terrenal, todo tejido por una grandiosa voz que camina de puntillas entre la seducción y la melancolía.  Las voces etéreas flotan a través capas etéreas, sintes y paisajes sonoros cuya tensión rompe los pasajes más vulnerables. Debut de diez.

Consíguelo aquí.

Whodamanny – Onda Biloba

De vez en cuando te encuentras con una banda como Whodamanny , en esto que escuchas el Loca Loca y quedas ya prendado de su sonido, el world-music, el funk fusion, la amalgama de sonidos que nos llevan del downtempo a la samba pasando por el disco y el sonido balearic. Un puro ejercicio de hedonismo que tiene que dejar de ser un secreto para pasar a ser el secreto a voces que nos les traiga a nuestro país cuanto antes. De cabeza lo más radiado por aquí del año.

Consíguelo aquíhttps://periodicarecords.bandcamp.com/album/onda-biloba.

A$AP Rocky – Don´t Be Dumb

Es jodido eso de haber puesto las expectativas muy altas y volver y ver que el hype no era lo que esperabas. Bueno, a nosotros nos ha resultado un disco curioso, elegante, maduro (vale pecamos de este vocablo de nuevo), y sobre todo muy disfrutable, no es el mejor A.R, pero quizás si más accesible, unas cuantas escuchas sirven para asentarlo y dejar ver como evoluciona. Experimenta, juega y resuelve. ¿Para qué más?

Consíguelo aquí.

Sassy 009 – Dreamer+

Poca broma con lo de Sassy 009, en ‘Dreamer+’ la artista de Oslo coquetea con el trip-hop, difumina las barreras del dark-dance y el trap-pop y tira de auto-tune para saciar una banda sonora donde la noche se cierne vaporosa y el cyber-punk acecha detrás de cada esquina.

Consíguelo aquí.

Sleaford Mods – The Demise Of Planet X

Con el enfoque musical más variado y expresivo del dúo hasta el momento, el dúo se vuelve a revolcar en el fango de lo que nos rodea y critica y satiriza nuestros tiempos, al tiempo que ofrece un grito universal de ira y liberación de energía que empuja contra la oscuridad cultural invasora. Si el fin del mundo nos pilla, que sea escuchando a los SM, su energía, su lengua afilada y su ingenio sigue patente en estas nuevas trece canciones.

Consíguelo Aquí.

The Cribs – Selling a Vibe

The Cribs surgían por los 2000s y tenían ese halo de autenticidad que mucha banda no desprendían, los hermanos eran muy fans de las bandas de estadio y aunque quedaron lejos de catapultarse, si que consiguieron lanzar una buena retahila de discos reseñables. En este Selling a Vibe continúan hilando sus hits de rock punkarra para no punks, y dejando esa nostalgia por el indie de hace dos décadas del que muchos aún seguimos prendados.

Consíguelo Aquí.

Ángel Stanich – ‘Por La Hierba’ (Calaverita Records)

“Por La Hierba” es el “Nebraska” particular de Stanich. Un álbum qeu sirve terapia de choque tras el cuadro de ansiedad que sufrió el autor. Un trabajo más realista, sí. Con un lenguaje más “natural”, sí… Y, aún así, no puede dejar de vincular el aleteo de un colibrí con hacer mayonesa, en otra señal inequívoca de surrealismo total, y de marca Stanich, no hay nadie como él en esto de gestar letras tan adictivas como únicas.

Consíguelo aquí.

Nacho Vegas – ‘Vidas Semipreciosas’

Nacho Vegas lanza Vidas semipreciosas, su noveno álbum de estudio, una obra que reafirma su lugar como una de las voces más singulares y respetadas de la canción popular en castellano (aunque no son pocas las veces en la que lo escuchamos en su otra lengua madre; el asturiano). A punto de cumplir 25 años de trayectoria, el artista vuelve a hacer lo que mejor sabe: tender puentes entre lo íntimo y lo colectivo, entre lo poético y lo político. Lo hace con su pluma afilada y una instrumentación que alterna delicadeza y energía, apoyada en una banda más sólida que nunca. Así, Vegas se entrega al asombro y a una búsqueda de la belleza a través de lo imperfecto y lo cotidiano, de los afectos y las heridas.

Consíguelo aquí.

Maximiliano Calvo  – Terapia de Grupo

Las adicciones evolucionan y aunque hay siempre un común denominador, cada vez nos enganchan por sitios más diversos, Maximiliano usa este disco como su particular proceso de curación en forma de extenso cancionero.

Los Vinagres – Amores de Verbena

Es este el tercer disco de la banda, que ahora emprender nueva aventura junto a los amigos de Emerge. En este ‘Amores de Verbena’ encontramos influencias rockeras y latinas , algo que siempre han prodigado, pero en esta ocasión la sabrosura y la energía queda aún más patente. Desde ya será uno de los favoritos del año.

Consíguelo aquí.

Baiuca – Barullo Remixes

Desde el italiano Bawrut a la andaluza DALILA, la alianza de productores gallegos crnds y Juait, el belga Cain, la donostiarra Alvva y el malagueño Glow acercan sus propias frecuencias a las canciones del último álbum de Baiuca, llevando el cancionero a territorios que van desde el dub más cósmico al tech-house, el trance, la electrónica experimental o el clubbing más frontal. Una auténtica maravilla como todo lo que lleva el sello del gallego, con amigos además todo es más fácil.

Consíguelo aquí.

Los mejores discos del año internacionales ya les hemos ido sacando durante la pasada semana, ahora llega el turno de los nuestros de los de aquí. Porque sin ninguna duda estamos en un momento en el que las bandas de nuestro país llenan mucho más que las internacionales, quitando el nombre de algunas mega-estrellas o de algunas bandas internacionales a las que la peña va por ir. Pero no nos pongamos haters, este año muchas bandas nacionales se han pasado unas cuantas Rivieras, un Wizink (aún no me sale llamarlo Movistar Arena) o similares. Y es que a parte del FOMO, ya hemos adoptado en nuestra rutina que un concierto te salva la semana, el mes y el año. Esa comunión y esa subida de endorfinas que nos provocan nuestras bandas es la mejor receta para cualquier bajón. Las salas como forma de vida, el precio de las bebidas ya es otra cosa (al menos en Madrid). Con todo y con esto, un nuevo año excepcional en cuanto a lanzamientos se refiere, por aquí os dejamos los 50 discos que más hemos disfrutado, ¿serán los mejores? Para nosotros sí. Desde el regreso magistral de Rata Negra al tercer largo de Los Yolos, desde el debut de Aurora Roja a la despedida de Cosmic Birds, desde la normalización de Operación Triunfo a la deconstrucción de códigos de Guitarricadelafuente y Rusowsky, desde la oscuridad de Dharmacide y La Plata al techno de Svsto y VVV[Tripin’you] . Hay para todos.

50. Los Verdugos – Episodios Personales

Costumbrismo pop, guitarras que sacuden con gusto y ese regusto entre el rollo ye-ye, la movida y la new wave, un pequeño tesoro descubierto a finales de año.

49. Pablo Und Destruktion – Te Quiere Todo El Mundo

El asturiano vuelve al folklore hacieno de la canción protesta un manifesto con tintes punk y de cantautor a la par. Tiro certero, una vez más.

48. El Verbo Odiado – E.G.O.

Entre guitarras punzantes y paisajes impactantes que cobran vida a través de unas letras directas y poéticas, El Verbo Odiado consigue transportar al oyente a un lugar oscuro y bello a partes iguales.

47. Grande Amore – III

Nueva entrega de Nuno y los suyos con una propuesta sonora que entre metal, rock, synth-pop y electrónica nos invita a realizar una huída de la rutina para vibrar con su punk mutante.

46. Pablopablo – Canciones en Mi

Pop honesto delicado y con ese aire de orfebrería que marca uno de los debuts con mayor arrase de sus citas en directo del año, delicatessen.

45. Sofia – Las Mareas

El pop de Sofía se nutre de sintetizadores, de suavidad y de una voz dilatada que nos traslada a mareas cósmicas, una catapulta pop, pura delicia.

44. Vecinos – Centro de Ayuda

‘Centro de ayuda’ es el primer largo de Vecinos, un disco que como bien comentan en su nota de prensa es un artefacto especial, ambicioso, con ganas de dejar huella y de cambiar un poco las cosas para mejor. Declaración de intenciones necesaria.

43. Lusillón – Fanática

Delicadeza,romanticismo y delicadeza se dan cita en este segundo largo de Lusillón, entre el pop urbano y la electrónica melosa, una infecciosa colección de sedosas composiciones.

42. Selva Nua – «I tu què fas quan no fas res?»

Los leridanos se marcan un discazo en el que electrónica, neo-pop y soul confluyen en una geografía sonora personal y sedoda. Déjense acariciar por ello.

41. Repion – 201

Las hermanas Iñesta sin duda cerrarán el año de su vida, el broche de oro es esta colección de canciones sinceras y abrumadoras, tenemos Repion para largo.

40. Aitana – Cuarto Azul

Si no has bailado ‘Superestrella‘ este año entre otros cuantos temas de la triunfita es que has salido poco, lo siento a nosotros nos ha calado.

39. Los Chivatos – Pulpa

Banda que combina letras paranoicas, frenéticas, agresivas con su peculiar revival grunge. Media hora de disfrute de neo-punk.

38. Cosmic Birds – Flying Tales And Nightmares

La carta de despedida de los vallisoletanos es una de esas joyas ocultas que encuentras al abrir ese cofre abandonado de tu casa, y que te traslada de ipso facto a tantos momentos mágicos e inolvidables como sólo elos saben hacer, banda de culto si nos preguntan.

37- Rachid B – El Ghorba

Un disco delicado, sencillamente perfeccionista, en el que puedes encontrarte ecos a Los Planetas pero también al folk de Bill Callahan. La palabra árabe «Ghorba» encapsula esa melancolía única, esa nostalgia profunda que siente el que emigra. Es El Ghorba un atlas de carreteras perfecto para emprender un viaje interior.

36. Los Estanques & El Canijo de Jerez – Lágrimas de Plomo Fundido

Entre Extremoduro, Los Delinqüentes y los Estanques, un monstruo de dos cabezas que abre camino a una colaboración eterna. Una suerte de obra en la que el rock el flamenco y la psicodelia muta y encuentra un sendero común.

35. Guitarricadelafuente – Spanish Leather

Una generación en tránsito reflejada en las letras de un Guitarrica maduro y seguro de si mismo. A caballo entre el folclore español y latinoamericano logra bordar ese traje de cuero de capa fina.

34- McEnroe – La Vida Libre

No hay disco de los de Getxo que no marque nuestro momento vital, es La Vida Libre un tratado de once canciones sobre la nostalgia, el  amor, la esperanza, la amabilidad y esa luz que aún es visible en algunos lugare.

33. Julia Amor – algo para regresar

Es ‘algo para regresar‘ el manifiesto de la artista para contar lo que sucede cuando se atreve a salir de su escondite. Entre el dreampop y el synthpop la cantante encuentra un exorcismo hacia la confluencia de distintas energías.

32. Casapalma – Jotas

Los cántabros llevan sus jotas a un género fluido, una desmaterialización de un estilo que toca cotas de rave y se aligera encontrando el encapsulamiento perfecto con códigos electrónicos.

31. La M.O.D.A. – San Felices

Los burgaleses vuelven a componer una serie de himnos para generaciones venideras, un tránsito por los recónditos rincones del corazón con el baile y la feria por bandera.

30. Rojuu – iNUiNUiN

iNUiNUiN es una suerte de mixtape donde Rojuu sigue explorando los códigos del trap y de Internet volviendo a mirar al futuro desde un presente privilegiado. Es sencillo caer en sus redes, difícil escapar de las mismas.

29. Ergo Pro – Dolor en Efectivo

Nuevo retrato de la sociedad que nos ampara, con efectividad y lírica directa, el debut en largo del madrileño es pura crema.

28. Aurora Roja – Aurora Roja

Aurora Roja son Jose Pazos (Futuro Terror), Óscar Mezquita (innumerables bandas y Flexidiscos) y Paula Guillem (Perdón por Todo), en esta aventura apuestan por el pop en todas sus vertientes, brillando como la aurora a la que hacen referencia.

27. Rusowsky – Daisy

Buen collage sonoro donde el artista consigue plasmar todas sus influencias en un pastiche donde todo acaba encajando a la perfección, hay que valer para ello.

26. SHEGO – No Lo Volveré a Hacer

Un álbum que hiere y sana a la par, un duelo por las diferentes fases del amor y que acaba con un empoderamiento máximo. Las nuevas generaciones pisan fuerte.

25. Amaia- Si Abro Los Ojos No Es Real

Es demasiado real, es Amaia en estado puro, es ella desatada y contenida, es un delicado ejercicio de composición y detalles en cada esquina, pulido con un show que maravilla. No hay mejor puesto para el Ecuador de la lista.

24. VVV[Trippin’You] – Mecharadio

Un trabajo en el que la urgencia de una electrónica apocalíptica o post-apocalíptica, según se mire, es espetada entre techno, noise y sonidos ambient industriales que coquetean con el urban.

23. Syd dePalma – Paris

La psicodelia de Syd dePalma es futurista y no tiene miedo a coquetear con el flamenco o el jazz para trazar las autopistas musicales de esa nueva ciudad levantada en este flamante nuevo LP

22.  Rufus T. Firefly – Todas Las Cosas Buenas

Otra de las formaciones en mejor forma del panorama nacional, un directo impoluto y un crecimiento hacia sonideros únicos en cada trabajo que firman. En ‘Todas Las Cosas Buenas’ todo suena tan familiar como distinto, un nuevo multiverso de Rufus T. Firefly encajado en pequeñas piezas de orfebrería que dan forma al disco más ecléctico de la banda.

21. SVSTO – CRISIS

El primer disco de SVSTO recorre caminos de cemento, sonidos industriales, drags y bailes hasta la extenuación, clubs donde el ácido permea por las paredes y techno oscuro que atraviesa tu cuerpo con gusto. Cómo necesitábamos algo así….

20. Lorena Álvarez – El Poder Sobre Una Misma

El nuevo disco de Lorena, narra el proceso de una mujer que se rompe y se recompone. No importan los motivos, solo el esqueleto de esa historia que las mujeres viven a menudo. La poesía y la música aún tienen algo que decir en la voz de esta cantautora punk.

19. Pumuky – No Sueltes Lo Efímero

Expertos en trucos de escapismo, tanto que puede que se te haya pasado este nuevo disco de los canarios.  Desde los pasajes más dreamy a ese shoegaze con ecos a Los Planetas que siempre han abrazado, un slowcore con la cadencia emocional que sólo ellos pueden labrar.

18 . La Plata – Interzona

Un espacio creado en función de las emociones de cada miembro del grupo, un orden que además siguen los temas que conforman ‘Interzona’, un viaje psicológico que narra la evolución de un avatar, un reflejo simbólico de cada componente de la banda.

17. Los Ganglios – Peruguay

Entre el punk, el electroclash y el techno macarrero, los trovadores de la acidez y la agitación vuelven con un sexto trabajo tan necesario como pegadizo.

16. Dharmacide – Tougher Than The Rest

Como si Orville Peck se codeara con Slowdive, como si Molchat Doma se fuera de after con Depresión Sonora, los Dharmacide son un rara avis en este panorama. Liberador ejercicio en el que post-punk, shoegaze y dream-pop colisionan creando una onda expansiva de oscuridad.

15. SD Kong – Fauve!

El MC y productor madrileño se casca uno de los mejores discos de rap nacionales, la bestia corre por sus venas y en un puro ejercicio de clase y pegada que se acerca a las nuevas corrientes del otro lado del charco, maravilla. Sonnyjim, No Rules Clan, Franco Carter, Rapp Gotti & Afterclass colaboran además en el álbum.

14. El Petit de Cal Eril – Eril Eril Eril

El Petit de Cal Eril suele tener por bandera eso de salirse de lo común, en este nuevo disco son un Eril al cubo, un nuevo artefacto artístico en el que la fronera entre la ternura y la oscuridad se difumina, en el que hay pensamientos, amor, promesas, secretos y dudas resueltas y sin resolver. Eril en estado puro.

13. Mourn – Letra Ligada

Primer y notable disco completo en castellano para Mourn, una colección de temas donde la imaginación y la fantasía se entrelazan con las derivas de la cotidianidad,

12. Fantasmage – No Salgas Más

Un compendio de temas en los que el pop, el power-pop  y el punk confluyen al más puro estilo Fantasmage, un reinicio y una vuelta necesaria, una de las joyas de este pasado año marca Humo.

11. Corte! – Música Para Humanos

Gonzalo ha logrado plasmar en ocho temas un nuevo relato generacional, un giro sónico que bien podrían firmar los de James Murphy componiendo comiendo barquillos y paseando en barco por El Retiro. Genialidad.

10. EZEZEZ – Kabakriba

Kabakriba es su tercer disco de estudio y es de todo menos cómodo. Energía cruda, mezcla salvaje de géneros y letras que muerden. Pop, punk, funk, jazz sin límites, los de Bilbao siguen rompiendo moldes y los reconstruyen a su manera.

9. Zahara – Lento Ternura

Zahara sigue dejando claro que su crecimiento hacia universos electrónicos es cada vez más catártico, en Lento Ternura nos hemos encontrado además una de las mejores puestas en escena del año en directo, razón que suma a un disco que pone en valor lo bello. Las raíces sembradas en ‘Puta’ han brotado con fuerza.

8. Rocío Márquez – Himno Vertical

¿Una vuelta a los inicios de Rocío? Una transición en todo caso, que también se lee en vertical, la mezcla entre el folklore tradicional y la experimentación es algo que ella domina a la perfección, siente a quien siente de escudero a su lado.

7. The New Raemon – Ocurrimos Lejos

Ramón es ya uno de los clásicos de nuestro top 10. En este ‘Ocurrimos Lejos’ vuelve a darnos un disco que invita a sumergirnos de lleno, a conmovernos con esa transición de las etapas vitales, a pesar de que haya dificultades, siempre hay esperanza, y qué bueno buscarla o encontrarla con Ramón susurrando de cerca.

6. Bum Motion Club – Distracciones

El segundo largo de los de Aranjuez abre un nuevo vórtice temporal hacia sonidos noventeros en los que el grunge convive con el neo-shoegaze. Amplitud de miras al igual que se amplían las atmósferas expansivas de una banda única en el panorama nacional.

5. Queralt Lahoz – 9.30 AM

El radar internacional ya ha puesto el ojo bien puesto en la catalana, era cuestión de tiempo que su talento rompiera fronteras. Es este ‘9:30 AM’ un perfecto collage musical en el que se ensamblan a la perfección copla, rap, electrónica, dancehall y soul latino en un relato coherente y personal. La familia, el amor, el deseo y la resistencia por bandera, el mapa emocional de la cantante tiene aún muchos rincones por resaltar.

4. Sidonie – Catalan Graffiti

Los Sidonie se marcan por primera vez en su carrera un álbum íntegro en catalán, y si en esta casa siempre hemos sido muy devotos de la banda en todas sus etapas, por majos, por sinceros y por hacer lo que hacen siempre con pasión y con honestidad. El poder del pop es suyo.

3. Depresión Sonora – Los Perros No Entienden Internet (…y yo no entiendo de sentimientos)

Marcos ha vuelto a hacerlo, la ansiedad sigue ahí presente, las nuevas religiones digitales, la felicidad consistía en ser feliz sin su continua exhibición, agotamiento mental, ruido digital, estamos atrapados pero más nos atrapa el talento de los Depresión Sonora.

2. Los Yolos – Volumen 3

En el universo de Los Yolos su punk recoge el testigo de la nueva ola y nos lleva a un mundo salvaje y sensual, todo con unas letras punzantes, incisivas y necesarias, como la vida misma.

1. Rata Negra – Hawai

El cuchillo afilado de Rata Negra volvía a vislumbrarse este septiembre, letras en las que las miserias que van desde la ansiedad urbana, la hipocresía o la ansiedad y la rutina se dan cita en esa isla hawaiana que vislumbramos a lo lejos donde el placer y el oasis perfecto está lejos de ser catado.

En ocasiones la vida te lleva a labrar un disco que da un giro completo a tu carrera, así parece haberle pasado a Baxter Dury, cuyo encuentro fortuito con Paul Epworth en 2024 en el Glastonbury hizo que se forjara el inicio de ‘Allbarone‘, el magnérrimo último disco del británico que tuvimos la suerte de degustar en directo en Madrid en diciembre.

No es que el señor Dury no se hubiera interesado antes por los ritmos más electrónicos, siempre ha coqueteado con las diversas variaciones que el rock, el jazz, el pop y la electrónica le han permitido, desde su particular prisma de concebir la música, siempre ha tenido claro el hacer lo que ha querido de la mejor manera posible. También ha hecho sus devaneos más hiphoperos o le ha dado al spoken-word, digamos que ser hijo de Ian Dury ha hecho que el punk le venga por otros lares, por la forma de componer, de tomarse las cosas o de enfrentarse a las mismas.

Lo que esta claro es que esa faceta de trovador moderno, de canalla crooner, de lord nocturno, le viene que ni al pelo en ‘Allbarone’. Es este disco su trabajo más contemporáneo, el más directo y el que más amplitud de miras hacia públicos más diversos sostiene. Un narrador único, un expertise que madura y con el que arrebate a una puesta en escena proactiva y desafiante (hacia el baile). En este retrato y crítica hacia la moderna vida que nos ampara hay siempre cabida para exorcizar a nuestros demonios internos y externos, a través de una danza extenuada, a través de estribillos que se te clavan, ya sea a través de una cita en All Bar One o criticando a la gente corriente, esa que pasea por Shoreditch o esa que se pavonea en redes sociales.

Su cita con el público madrileño se saldó con un llenazo de la Sala But, que tras entrar en calor con Joshua Idehen,músico británico-nigeriano que con su serpenteante vozarrón caminó entre el recitado poético y el rock electrizado dejando un buen sabor de boca y ganas de más (por cierto nos vuelve a visitar en mayo).

Baxter Dury arrancaba con ganas, con uno de los temas con mayor pegada de su nuevo trabajo, ‘Alpha Dog‘, una invitación inmediata al dance y al hedonismo con toques de soul setentero y tirando de su particular ironía para enfrentarse al mundo en general y a la escena londinense en particular. El gentleman, sumido en bailoteos y poses continuas, ya fue contagiando ese buen rollo y su flow sin límites a un público entregado desde las primeras notas. ‘Hapsburg’ y ‘I´m Not Your Dog’ eran hiladas para continuar esa senda electrónica en la que Baxter calibraba su voz hacia esa suerte de Gainsbourg británico, sobre todo en esta última. Como si EELS se codearan con Sleafor Mods, así suenan en directo temas como ‘The Night Chancers‘ o incluso ‘Mockingjay‘, buen repasito de pasos de un lado a otro del escenario, tirón de chaqueta para un lado, tirón para otro, todos estamos dentrísimo de su recital. Enérgico, vital, todo fluye, la actitud se traspasa, contagia y realimenta hacia ambos sentidos. Los bajos aporrean, demasiado a veces, la sala es lo que tiene.

Hace unos años, Baxter lanzó ‘Prince of Tears‘, quizás las semillas de este ‘Allbarone’ ya estaban sembrándose por esos lares, así de bien encajaban en la propuesta nocturna sus temas entrelazados con los del resto de su discografía, pero especialmente gustosa la representación de este disco en su directo, donde hubo tiempo para gozarsela con ‘Almond Milk’, ‘Oi’ o ‘Miami’. También hubo tiempo para recordar ‘Pleasure‘ y sus coqueteos más lo-fi y garageros a la par, así como ‘Palm Trees‘, melódica e igual de ácida que muchas de sus composiciones, obviamente coreada entre un público al que ya tenía comiendo de su mano.

Si aún tenías duda de si acudir a un directo de Baxter Dury quemaba más calorías que ir a un HYROX en pleno mes de julio sólo tienes que enfrentarte a la triada que el músico preparó para rondar el final, ‘Cocaine Man’, ‘Allbarone’ y ‘Schadenfreude’ desataron la histeria colectiva, el desapego por mantenerse estático y lanzarse a la liberación. ¿Baxter Dury podemos ser tus mejores amigos?. A los bises aún quedaba mandanga, no podía ser menos, ‘Mr W4’, ‘Prince of Tears’ y FredAgainazo, con esa colaboración tremenda que tuvo con el británico en ‘These Are My Friends’, apotéosico final digno de club berlinés más que de la céntrica sala madrileña. Un show infalible, un set que pule a la perfección la esencia de Baxter Dury y su mutación a nueva estrella indiscutible del electrobritpop.

Disculpen por seguir con esta lista, nos gusta hacerlo en varios capítulos, aquí vamos con la cuenta al 1, los discos que más hemos disfrutado con esa connotación de ser internacionales, desde el bueno de Jeff Tweedy hasta la grandiosa vuelta de Blood Orange, pasando por Baxter Dury, Deafheaven o Ninajirachi. De todo hay en estos lares. Disfruten como nosotros hemos disfrutado cada escucha.

25. Ninajirachi- I Love My Computer

La joven australiana está revolucionando la escena electrónica con temas del calibre de ‘iPod Touch’, un tratado de hyperpop lleno de excesos y un adalid de una generación marcada por estímulos digitales.

24. Deafheaven – Lonely People With Power

Un año en el que géneros como el black-metal y el hardcore llegan a un público mucho más amplio es algo que no suele ocurrir, pero si una banda como Deafheaven empieza a reventar tras seis discos es por algo. Añadir shoegaze y post-metal a su propuesta es todo un acierto. El poder es suyo.

23. Turnstile – Never Enough

Combinar hardcore con un enfoque poperillo, introducir vientos juguetones a unas guitarras rabiosas, un álbum pegadizo y atractivo para un amplio espectro de público, desde el tiktokero de rigor al metalero, los de Maryland se han convertido en un sinónino de lo cool y este año coparan festivales.

22. Nourished By Time – The Passionate Ones

Dream pop, alt R&B, incluso rock y post-punk conviven en el segundo tratado de Marcus Brown, todo un disfrute experimental que nos lleva de nuevo a los 80 y los 90.

21. Jeff Tweedy – Twilight Override

Una respuesta al caos y la decadencia, un paseo de cerca de dos horas en el que inmiscuirse y escuchar con la calma. Un album que acerca al bueno de Jeff a Nick Drake o Neil Young a través de una colección de canciones que lo mismo ahondan en el folk crepuscular que en la americana.

20. Maruja – Pain To Power

Pain to Power nos lleva al punto álgido de creacion de Maruja. Un disco urgente, que desprende rabia, urgencia política y tensión a través de un enrevesado ejercicio arty en el que confluyen spoken-work, noise, jazz y post-punk. Todo ello encajado al milímetro. Impactante. 

19. Dijon – Baby

Un género demasiado pervertido, el R&B, como si alguno no lo estuviera. Pero cuando tienes detrás a un tipo como Dijon que lo manipula hasta los excesos y lo permuta a su antojo se crea un álbum de esta índole, crudo, fino, aspero, perfecto. En él hay ecos que van de Sampha a Frank Ocean, de Sault a Blood Orange. El artista favorito de tu artista favorito.

18. Ethel Cain – Willoughby Tucker, I Will Always Love You

Lo de Ethel Cain es pura delicia, emotividad, producción abrumadora y composiciones que desprenden el alma. El dominio de los tiempos y los zarandeos melódicos a los que nos lleva nos dejan tocados y hundidos.

17. Just Mustard – We Were Just Here

La escena irlandesa es pura ebullición, en el caso de los Just Mustard, pervierten el noise a su antojo, shoegaze y ambient abrasivo, un delirio hacia el que huir y sobre el que navegar.

16. Caroline – Caroline 2

Un disco reposado, contenido, preciosista, clasicismo en miniatura, avant-folk, post post post-rock, uno de los secretos mejor guardados de Reino Unido, hasta ahora. Ya apuntaron maneras cuando les vimos en la Moby años atrás.

15. Sudan Archives – THE BPM

Afrofuturismo puro, deleite asegurado. La estadounidense se traslada en este disco a Detroit y Chicago para su puesta a punto, un homenaje a la música negra y a la música electrónica, como bien queda patente en el resultado final. Violínes, trap, house, todo tiene cabida en el prticular club que se ha montado Brittney Parks con los suyos.

14. Nation Of Language – Dance Called Memory

Desde New York al mundo, el pop techno de la banda mira hacia el futuro recreando la edad dorada del synth-pop y el post-punk. Entre sus principales referencias OMD o New Order, con Dance Called Memory dan un paso hacia adelante para seguir buscando esa primera línea de nombres internacionales más que merecida.

13- Automatic – Is It Now?

Algo ha aportado Loren Humphrey a las Automatic, una suerte de baile hasta la extenuación, sin escesos, un recorrido por todos los problemas que nos rodean con la máxima de danzar y permanecer unidos de alguna manera ante ellos.

12. FKA-TWIGS – EUSEXUA

Entre el pop electrónico y lo barroco, FKA-TWIGS saca algo nuevo del patetismo del remake de El Cuervo, y eso es la concepción de este disco donde el sexo y la euphoria conviven hasta la extenuación.

11.Big Thief – Double Infinity

Un nuevo collage sonoro de los Big Thief donde su folk experimental coquetea con sonideros más electrónicos y los lleva a una mayor accesibilidad, a esa a la que su vena más arty echaba para atrás.

10. Horsegirl – Phonetics On and On

Un Coming Of Age de manual para el segundo álbum de las estadounidenses donde el pop la psicodelia y el rock clásico se combinan para dejarnos un disco que se hace grande a cada escucha.

9. BDRMN – Microtonic

El tercer trabajo de los británicos expande su universo con una cuidada producción aglutinando ambient, shoegaze, noise y electrónica en una suerte de monstruo que bebe tanto de Radiohead, de Massive Attack como de My Bloody Valentine.

8. Dove Ellis – Blizzard

¿Sería este el equivalente al disco de Cameron Winter el pasado año pero con raices irlandesas? Algo comparte el joven con el cantante de Geese, pues han girado juntos. Pero este compendio de temas en los que el folk y la música de cámara caminan de la mano tiene ese extraño halo de magnificencia que a pesar de llevar unas semanas publicado le lleva a formar parte del top 10.

7. Viagra Boys -Viagr aboys

Los suecos han hecho del punk un artefacto pantagruélico, en su trayectoria siguen facturando tantas letras punzantes como absurdas, su show desmedido y su actitud contagiosa es lo que necesitamos para desconectar y disfrutar.

6. The Beths – Straight Line Was A Lie

Uno de los mejores discos de pop del año, disfrutable de igual manera en directo que en nuestro reproductor. La escena de las antípodas está de suerte con bandas como la suya. Jange-pop, indie de manual, actitud y seres de luz.

5.CMAT – Euro Country

Tenemos nueva diva pop, y otra que viene desde Irlanda, ese country llevado al pop y al dance europeo tiene como resultado un disco tan bizarro como disfrutable, muchas ganas de deleitarnos con su propuesta en directo para acabar de confirmar esta posición.

4. Blood Orange – Essex Honey

Mucho hemos tardado en volver a enfrentarnos cara a cara con Devante Hynes. Su vuelta ha sido a lo grande, jazz, neo-soul, avant rap, un álbum fotográfico donde el amor, el dolor, la pasión y la música transitan en diapositivas sonoras de intenso calaje emocional.

3. Geese – Getting Killed

Quizás hemos llegado tarde a Geese, pero creo que todos hemos entrado de cabeza en el universo de los americanos, una suerte de grupo que además cuenta con el carismático Cameron Winter en su haber. Una de las próximas bandas de estadio, el rock con sus diferentes vertientes está de enhorabuena, el relevo va cogiendo la forma que queríamos. ¿Es el Kid-A de la década? seguramente.

2. Baxter Dury – Allbarone

No ha habido un álbum más disfrutado y escuchado en esta santa casa que el de Baxter Dury, todo ello ha sido culminado por un directo sensacional donde exorcizar los demonios del año a través de su discoteca móvil era posible. El giro bailongo que este gentleman le ha dado a su carrera es un triple salto mortal con un diez de media.

1. Little Simz – Lotus

La rapera británica vuelve a renacer en un viaje en el que se deja acompañar de Kiwanuka o Sampha, consangrando aún más si cabe la propuesta de la artista. Afrobeat, hip-hop, neo jazz, todo vale para marcar la diferencia y espetarlo con honestidad.

Es complicado eso de meterte en una gira sin tener un primer disco listo y alzarte con un todo vendido allá por donde paras. El boca a oreja, la necesidad de escuchar a esos next big thing y el contar con una buena colección de sencillos que te atrapan desde la primera reproducción también tienen algo que ver. Hablamos de The Molotovs, banda británica que nos visitaba por vez primera a nuestro país este mes de diciembre y que se han ganado ya el corazoncito de todos en sus enérgicos shows por la piel de toro.

The Molotovs, unos chavales que lograron congregar en la Sala El Sol a una buena hornada de mods de toda la vida cohabitando con la chavalería que se acerca a un género que nunca ha dejado de estar vivo. La banda comandada por Mathew e Issey Cartlidge, hermanos y un torbellino en escena, además de arrebatadoramente elegantes, eran acompañados a la batería por Harry Castle.

La céntrica sala rebosaba, podías mirar alrededor y bien podías ver público desde los 20 a los 60 dándolo todo, una nueva bisagra intergeneracional para los británicos. Tras reventar la noche anterior el Purple Weekend en León, algunos de los excesos se hacían patentes en el show, mítica la vomitona del batería a medias del directo, ‘That´s Entertainment’ vino al pelo, no se puede ser más punk.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de notedetengas magazine (@notedetengas_magazine)

Anécdotas a parte, los británicos tienen estudiado al milímetro lo que quieren transmitir, jugando a ser la mezcla perfecta entre The Jam unos Green Day y un Bowie setentero. Combinación del punk más posh y del mod más pop pasando por el psych de rigor.  ¿El resultado? una banda que funciona, que divierte, que acierta y que atina basculando perfectamente entre géneros en los que es complicado encontrar repuestos.

‘Newflash’, ‘Today´s Gonna be Our Day’, guiño al mencionado David con ‘Suffragette City’, ‘Wasted On Youth’, ‘Geraldine’, uno tras otro, algunos coreados, otros aún desconocidos pero siendo expuestos en primicia antes de que su retoño salga el próximo mes. ‘Wasted On Youth‘, lo que será su primer LP, llegará en enero, y la banda ha cosechado tal éxito que ya ha comenzado a anunciar fechas de regreso a nuestro país. Era de esperar.

No hizo falta extender un show con relleno, directos a la yugular, pocas pausas y mucho sudor, movimiento de pelaje (el que lo conservara) y singles coreados hasta la extenuacion. En la segunda parte del directo hubo traca para rato, ‘Rhytm Of Yourself’, ‘No Time To Talk’,’More More More’ o ‘Come On Now’ pasaban por nuestro lado como scooters aceleradas. A los bises, ‘Get A Life’, no hubo suerte, el cocktail molotov dejaba su explosion definitiva para una segunda cita, sin duda germen han dejado en su público.

En 1995, David Bowie eligió caminar hacia las sombras en lugar de refugiarse en el resplandor de su propio mito. 1. Outside (The Nathan Adler Diaries: A Hyper-cycle) (BMG, 1995) es un laberinto sonoro donde conviven asesinos conceptuales, artistas decadentes y paisajes urbanos corroídos por la sospecha. Treinta años después, ese desconcierto sigue sonando extraño y magnético.

El regreso de Brian Eno convirtió el estudio en un territorio de exploración radical. Guitarras como cuchillas, ritmos industriales, voces espectrales: cada pista es un pasaje a un mundo donde lo hermoso y lo grotesco se confunden. Canciones como «The Hearts Filthy Lesson», «Hallo Spaceboy», «No Control», «The Voyeur of Utter Destruction (As Beauty)», «I’m Deranged» o «Strangers When We Meet» revelan a un Bowie que entiende la música como un teatro lúgubre.

No estuvo solo: Reeves Gabrels desfiguró la guitarra, Mike Garson llevó el piano al límite expresionista, Carlos Alomar sostuvo el pulso rítmico, Erdal Kızılçay aportó versatilidad instrumental y Sterling Campbell marcó el compás de un futuro distópico. Eno, además de producir, ideó trampas creativas que empujaron a todos hacia lo imprevisible.

En Outside confluyen la improvisación de la trilogía de Berlín, la crudeza industrial de los noventa, la narrativa experimental del arte contemporáneo, ecos de Damien Hirst, Burroughs y Lynch, y la disonancia jazzística de Garson. También late un diálogo con su propio pasado, reinterpretado en clave perturbadora. El resultado: un elepé excesivo, denso y fragmentado, pero también visionario y profundamente personal.

La trama de Outside se presenta como un diario de estilo cyberpunk escrito por Nathan Adler, detective de la División de Asesinato Artístico. La historia se sitúa en los últimos días de 1999, Adler investiga el asesinato ritual de una joven conocida como Baby Grace Blue, supuestamente desmembrada y convertida en una macabra obra de arte. A través de interludios y canciones, Bowie da voz tanto al investigador como a un coro de sospechosos: artistas marginales, profetas deformes y posibles verdugos. El relato nunca se ofrece completo; avanza como un mosaico roto, más cercano a una novela distópica que a un thriller convencional, donde la duda y la ambigüedad pesan más que la resolución del crimen.

El Outside Tour de 1995, junto a Nine Inch Nails como aliados, llevó a Bowie a desafiar a su público con conciertos oscuros y experimentales que confirmaron su sintonía con la vanguardia de la época. Este combinó las piezas del álbum con rescates poco habituales como «Look Back In Anger», «Andy Warhol», «Scary Monsters (And Super Creeps)» o «Breaking Glass». Apenas sonaron los grandes himnos de siempre: Bowie prefirió alternar lo nuevo y lo marginal de su catálogo, subrayando que el tour era, más que un repaso de éxitos, una declaración de intenciones artísticas.

Su recepción fue ambivalente: celebrado por su audacia, cuestionado por su complejidad. En lo comercial, Outside tuvo un desempeño moderado: alcanzó el № 8 en Reino Unido y el 21 en Estados Unidos, lejos de los éxitos masivos de otras etapas, aunque con el tiempo ha ganado el peso de una obra de culto dentro de su discografía.

Tal vez por esa acogida desigual, la anunciada continuación nunca llegó a materializarse, y el artista optó por regresar en discos posteriores a un estilo más directo y reconocible.

Con motivo del 30º aniversario, Bowie vuelve a estar presente en las plataformas digitales a través de dos EPs conmemorativos. El primero, The Hearts Filthy Lesson Mix E.P., recupera y remasteriza versiones alternativas del tema junto a mezclas de Tim Simenon y un aporte inédito de Trent Reznor. El segundo, I’m Deranged E.P., incluye las célebres ediciones usadas en Carretera perdida de David Lynch y rescata la inédita Jungle Ambient Dub Mix. Estas publicaciones no solo reavivan la memoria de Outside, sino que muestran su vigencia como obra abierta a reinterpretaciones y relecturas.

Outside permanece como uno de sus discos más vanguardistas, una herida abierta en su discografía y un legado de audacia y futuros posibles. Su espíritu experimental encuentra reflejo en Blackstar (2016), igualmente arriesgado, que cierra su carrera con la misma inquietud y capacidad de sorpresa.

De un tiempo a esta parte es bastante frecuente encontrarnos con bandas de las Antípodas que llaman sobremanera nuestra atención, bandas que transitan entre diferentes estilos musicales con un aire fresco y necesario, mayoritariamente jóvenes y que conforman una interesante escena de un ecosistema creativo que nos lleva a Melbourne como protagonista. Primavera Sound, dentro de su programación como Primavera Tours, eran los encargados de brindarnos tal ambrosía a la capital.

The Belair Lip Bombs se presentaban en noviembre en nuestro país con la frescura y la energía del que recorre estas salas por primera vez. A caballo entre el pop garagero, con ramalazos sesenteros, melodías brillantes y guitarras rítmicas, fortalecidos en lo que a melodías poperas se refiere pero también llevándonos a pensar a una mezcla entre los Rolling Blackouts Coastal Fever (la producción de su último trabajo algo tendrá que ver) y los Alvvays, entre The Go-Betweens y Tennis, incluso ciertas similitudes con The Beths (a los que veíamos también pocas semanas antes), guitarras jangle, urgencia emocional bien medida y una actitud DIY en la que cuentan con el beneplácito de saber escribir buenas canciones.

Again, su nuevo disco, marca un nuevo capítulo para uno de los secretos mejor guardados de Australia, en este disco fusionaron más que nunca sus influencias individuales para crear una colección de himnos indie rock. El disco ha sido producido por la banda, Nao Anzai (The Teskey Brothers) y Joe White (Rolling Blackouts Coastal Fever), lo que supone además la primera vez que The Belair Lip Bombs trabajan con un productor.

En su paso por Madrid consiguieron reventar la Sala El Sótano, amplio espectro de edades, y emoción entre los asistentes por ver en directo los temas del nuevo trabajo de la banda, ‘Again‘, donde los ritmos rápidos y la catártica voz de Maisie conforman la mecha de combustión perfecta para su ejecución en el escenario. A pesar de que el guitarrista venía lesionado y tuvo que pasarse el directo sentado, poco influyó en la energía y el buen rollo que transmitían en directo, una banda donde pasárselo bien tocando importa, y no sólo lo pasan bien sino que lo trasladan a su público de alguna manera espontánea.

‘Again and Again’, ‘If You´ve Got The Time’ y ‘Back of My Hand’ abrían la veda, su nuevo disco como protagonista inicial, estaba claro. En directo hay power-pop, se potencia el citado jangle-pop, tenemos punk e incluso un aire shoegaziano que hacen patente en la consecución de algunos temas como en ‘Hey You‘ o el ‘Look The Part‘ de su anterior trabajo.

Certeros, sin tesituras, te plantan un ‘Suck It In‘ que un ‘Say My Name‘, domando esa fiereza instrumental y condensándola para explotarla contra el respetable a su voluntad. Si bien es cierto que la duración podría haberse dilatado algo más, el contenido fue el correcto y y el justo y necesario para catarlos y emitir un juicio justo, una de esas bandas que se te quedarán grabadas por algo en tus recuerdos. Combo final infalible, ‘Smiling‘, uno de los momentos más esperados/coreados y ‘Don´t Let Them Tell You (It`s Fair)‘.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por notedetengas magazine (@notedetengas_magazine)

Si es cierto que los The Belair Lip Bombs tampoco están inventando la polvora, tampoco creo que sea a eso a lo que juegan, no les hace falta redefinir nada sino mirar al pasado y al presente con actitud y con buena técnica, lo demás está de más.

Abriendo para los australianos nos encontramos a destellos*, agradable descubrimiento de reminiscencias noventeras y en las que el noise y el shoegaze hacen match con la propuesta más emo de una juventud cansada de aparentar estar dormida.