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Crónica de Teatro: “Tío Vania”, por L’Om Imprebís, en el Teatro Zorrilla (Valladolid). Marzo 2012


DE PERDEDORES Y PERDIDOS

“Me he vuelto un idiota. Mi corazón está dormido, no aspiro a nada, no quiero a nadie”. Decepción. Vacío. “Perdí la felicidad pero conservé el orgullo”. Resentimiento. “No tengo nada que hacer pero no me importa, solo déjame mirarte”. Amor. “¿La locura es el estado natural del hombre? La que está loca es la Tierra que sigue aguantándonos todavía”. Desolación. “Hay que vivir, vamos a vivir”. Tenacidad. “Espera, espera un poco más y descansaremos”.  Esperanza. Resignación.

Y así, hasta decenas de pequeñas teselas del mosaico de vida que pudo presenciar el público que acudió a TÍO VANIA en el Teatro Zorrilla el pasado día 18 de marzo. Un hombre, un hilo de emociones. La convivencia de varios hombres (varones y mujeres, entiéndase la definición genérica: Ser animado racional, varón o mujer), un tapiz tejido por esos cientos de hilos que conforman las interconexiones humanas.

Responsable de este torrente loco de sensaciones… ¿L’om Imprebís? No, Chéjov.

Santiago Sánchez, director de este montaje y alma de la compañía había dicho con motivo de esta adaptación del célebre texto chejoviano que no ha pretendido adaptarlo sino mostrarlo. Dada la fuerza de la originial, la obra del dramaturgo ruso habla por sí misma. Sánchez se sitúa de este modo en la corriente de directores que confían en la categoría superior de los textos clásicos y huyen de artificios escenográficos, de alardes interpretativos, de excesos técnicos o efectos visuales que puedan empañar el discurrir de la acción dramática cuyo peso recae en la interpretación.

Este TÍO VANIA sigue al pie de la letra estos preceptos: sobriedad minimal de la casa de campo decimónica, luz cálida que da consistencia, densidad casi palpable a la atmósfera que envuelve a los actores, a ratos opresiva, por instantes vivaz, intensa en todo momento, con pocas concesiones a recursos técnicos innovadores.

Y el consiguiente catágolo de personajes. El  profesor Serebriakov (Vicente Cuesta) encarna la soberbia nacida de la sabiduría bien aprehendida, solo debilitada por la sombra de la vejez y la enfermedad. Vania (Sandro Cordero, el Calígula del anterior montaje) ejemplifica un complejo armazón de desengaños y frustraciones. María Vassilevna (Carmen Arévalo) es la ausencia de memoria como dolencia pero también, quién sabe, como evasión consciente de la pálida realidad: “Me olvidé de decir que se me olvidan las cosas”. La indolente, seductora -la historia fallida de amor con el doctor Astrov la vive sobre el escenario con Carles Montoliu– y desencantada Helena es Rosana Pastor, incorporación reciente de la compañía para este montaje.

Resulta interesante en Chéjov el trazo del carácter de Sonia (Xus Romero) que ejecuta el contrapunto a su tío Vania mostrando la perseverancia ante los obstáculos inevitables, el amor no correspondido, la fe necesaria para esperar una vida mejor pero también la dosis de resignación suficiente para vivir la que toca lo más dignamente posible y ahuyentar la tentación de ponder remedio a la desilusión vital, con el esfuerzo que supone el cambio generado desde dentro.

Se presenta deliciosa Paca Ojea como Marina; ese personaje entrañable suspira cuando observa el desmoronamiento del mundo a su alrededor y clama por el “como Dios manda” y “todo a su hora” que es la esencia de lo maternal, la permamencia a veces imprescindible de la tradición.

Los ‘viejos’ de Imprebís elevan la intensidad interpretativa, aportan la sangre y la garra que el teatro requiere a un montaje que, en conjunto, resulta agradable pero en el que quizás, se echa de menos un poco del riesgo que no han escatimado en su trayectoria de improvisación; recordemos sus memorables sesiones de Musicall con Yllana en el Alfil, por ejemplo. Es verdad que cuentan también con otros espectáculos de peso ajustados a texto ¿Pura adrenalina convertida en agudos gags o fidelidad (excesiva o no, a gustos) a un texto de reconocida entidad? Pensemos que no solo la puesta en escena de figurones clásicos como el ruso Chéjov es un valor seguro aún un siglo y pico después, sino que también lo es la versatilidad de una compañía capaz de mantener la profesionalidad sea cual sea el camino elegido para recorrer en forma de cuadros escénicos ese tramo entre el papel y el espectador.

Madonna / MDNA

De los tres significados que se le pueden encontrar al título del duodécimo álbum de estudio de Madonna, ‘MDNA’, -a saber: un acrónimo del nombre de la cantante, una referencia a “esa droga que te produce eufóricos sentimientos de amor” y “el ADN de Madonna”- parece que es este último el que mejor se adapta al contenido del disco. No puede ser casualidad que haya contado para este álbum con William Orbit -el que fuera productor de uno de sus discos mejor considerados por público y crítica, si no el que más- para, aproximadamente, la mitad de los temas y con el francés Martin Solveig para la otra mitad -amén de los dos temas producidos por Benny Benassi- sino, más bien, fruto de una voluntad de aunar en un solo álbum su vertiente más introspectiva (‘Ray Of Light’) con la más electrónica (‘Confessions On A Dance Floor’) construyéndose así un álbum lleno de autorreferencias -sí, otra vez– que sirva de compendio a lo que ha venido siendo su carrera en los últimos años (“Orbit sacó mi alma torturada y Solveig mi lado irónico”, declaró recientemente) y, a la vez, de huida hacia delante tras el fracaso de ‘Hard Candy’ en busca, como siempre ha hecho, de nuevos sonidos.

Con esta premisa, en ‘MDNA’ encontramos de todo. Desde baladas a lo ‘Evita‘ (‘Falling Free’), canciones autobiográficas (‘I Don’t Give A’ habla abiertamente de la relación con su ex-marido, Guy Ritchie) y con elementos folk (‘Love Spent’ empieza con un riff de banjo) a lo ‘American Life’, temas dance al estilo de las inéditas del recopilatorio que sacó hace dos años (el absoluto grower ‘Girl Gone Wild’, segundo single, en cuyo videoclip participa el español Jon Kortajarena) hasta idas de olla que recuerdan a su etapa underground de mediados de los ’90, cuando cantaba temas de Björk y de Massive Attack (‘Gang Bang’ no desentonaría en ‘No Blood‘, puestos a imaginar que artistas mundialmente famosas se inspiran en cantantes españolas), pasando por temas trance que dejan en bragas a ‘Impressive Instant‘, una de sus canciones más transgresoras hasta la fecha (la más-grande-que-la-vida ‘I’m Addicted’). Líricamente, también encontramos referencias a diversos momentos de su carrera, como el “I can be your Lucky Star” de ‘Give Me All Your Luvin’ a ‘Lucky Star’, el “Get down on your knees and pray” de la potencialmente polémica ‘I’m A Sinner’ a ‘Like a Prayer’, el “Some girls are second best/ Put your loving to the test” the ‘Some Girls’ a ‘Express Yourself’ o la colaboración de su hija Lola en ‘Superstar’, que remite a la canción post-maternidad que le dedicó hace catorce años, ‘Little Star’.

Esto no significa, ni mucho menos, que ‘MDNA’ sea un conjunto de canciones sin nada en común entre sí, puestas una detrás de otra sin orden ni concierto, ni tampoco que haya hecho un popurrí con los momentos más gloriosos de su discografía. Dados los irregulares resultados de la etapa urban con su anterior disco, podríamos haber entendido que se hubiera sentido tentada de volver al dance de hace dos álbumes, que tantas satisfacciones le trajo. En su lugar -lo de que Madonna se reinventa en cada álbum está lejos de ser un cliché-, ‘MDNA’ tiene como clara protagonista a una electrónica bastante oscura -con excepciones como ‘Superstar’ o la kylieminoguiana ‘Turn Up The Radio’- que probablemente no le dé muchas alegrías en cuanto a ventas -más allá de la considerable ayuda que pueda suponer el haber dejado con la boca abierta a 111 millones de personas en el medio tiempo de la Superbowl-, pero que ya se las está dando en cuanto a críticas. Quizá consciente de ello, ha optado por un primer single bastante radiable -y con uno de los mejores vídeos que ha grabado, dicho sea de paso- que no tiene nada que ver con el resto del disco -como ya hiciera con ‘Music’-, lo que inevitablemente causa un problema de coherencia interna -como ya pasó con ‘Music’ y que aquella vez solucionó poniéndose un sombrero de cowboy en el videoclip, como ya se ha señalado con acierto por ahí-. Aquí la solución ha pasado por incluir a M.I.A. -cuando al hablar de su LP ‘/\/\ /\ Y /\‘ lo comparamos con ‘American Life’ no se nos pasó por la cabeza que pudieran acabar haciendo una canción juntas- y a Nicki Minaj deletreando ‘L.U.V.’ y ‘Y.O.U.’, lo que parece que emparenta a la canción con el título del álbum. Lo que sí que no tiene remedio es lo de ‘Masterpiece’, tema perteneciente a la banda sonora de su segunda película como directora, ‘W.E.’, que le habrá valido un Globo de Oro -mal que le pese a Elton John-, pero, finalmente, no pega nada con el resto del álbum.

Dice bastante poco del grupo de artistas con las que frecuentemente se la relaciona que sea una señora de 53 años la única de entre ellas que, por cuarta década consecutiva, se atreva a sacar un álbum mínimamente arriesgado. Estando así las cosas, a ver quién es el listo que desmiente a Nicki Minaj cuando, en el rap de ‘I Don’t Give A’ -no sabemos si por iniciativa propia o si Madonna habrá tenido la poca vergüenza de pedirle que lo cante- dice eso de “There’s only one queen, and that’s Madonna, bitch!”. De momento, y mientras siga teniendo el valor de sacar discos viscerales y modernos como es este ‘MDNA’, no parece que eso vaya a cambiar. 7,5/10.

Cut Your Hair preparan vídeo para ‘Utah In Pictures’


Los barceloneses Cut Your Hair están actualmente inmersos  en la grabación del videoclip que acompañará su primer single, “Utah in Pictures”. La publicación está prevista para el 30 de abril.
Según anuncia el blog de Mushroom Pillow, Artica y Metropolitan, aparte de la canción titular también incluirá “I Wish I Was Stoned” y “I Just Need Another Friend”.

El vídeo está realizado por EskenaziEncursiva,  quienes han publicado estas fotos tan interesantes de la grabación en blanco y negro.

Fuente: Blog Mushroom Pillow
Foto: EskenaziEncursiva

Entrevistamos a STAY: “Ahora resulta que cantar en inglés es una barrera”


Hace ya algunos meses publicábamos que los barceloneses STAY emprendían una nueva aventura en Liverpool sin fecha de regreso. Algunas de las razones que les llevaron a plantearse este viaje fueron la grabación de su cuarto disco y el deprimente estado, según ellos, del panorama actual de la música en España. Dentro de unos meses verá la luz su nuevo álbum, con el que prometen un gran cambio y del que están muy contentos.  De todo esto y mucho más hemos querido hablar con ellos resultando una entrevista muy interesante:

– Después de publicar 3 discos y un par de Ep’s, decidisteis exiliaros en Ellesmere Port (Liverpool) para la grabación del que será vuestro cuarto disco bajo la tutela de Fran Aschroft productor de Damon Albarn y Dandy Warhols entre otros. ¿Cómo fue la experiencia?
Muy bien! Ha sido una experiencia extraordinaria! La mejor decisión que hemos tomado como banda en toda nuestra carrera…independientemente del resultado del disco, queríamos vivir la experiencia de irnos juntos al extranjero y estar un mes concentrados en la música, sin ningún tipo de distracción extra. Hemos tenido la suerte de que Fran y sus técnicos han sido unos chicos realmente amables y nos han tratado de maravilla. Los consejos de Fran sobre la grabación han sido clave y los llevaremos siempre con nosotros, es un tío muy metódico, muy en sintonía con nuestros gustos musicales y nuestra forma de entender las canciones. Más que un gran disco, lo que nos traemos de Liverpool, es un muy buen motivo para seguir viviendo de esta manera, y la convicción de que cuando estamos los cuatro juntos, cualquier cosa increíble puede pasar.

– Afirmabais hace algunos meses que allí sí se valora la calidad musical y no las modas y tendencias del momento. ¿Volvisteis pensando lo mismo?
Sí, más o menos…evidentemente en UK también hay seguidores de las últimas modas y tendencias, no vamos a caer en el error de creer que allí todo mola y aquí no. Allí también suena a todas horas Adele, The Drums o Vampire Weekend. Pero la realidad que nosotros nos hemos encontrado es que la música se vive apasionadamente y se tiene un gran respeto por los clásicos del pop-rock. El indie es muy valorado y hay grandes posibilidades de enseñar tus canciones en muchos sitios y encontrar un buen grupo de seguidores dispuestos a apoyar la buena música. En este sentido hemos descubierto una escena donde nos sentimos muy identificados con grupos como The Coral, Tame Impala, The Lucid Dreams, The See See, Asteroid#4, Elephant Stone,etc.

– Una nota que publicasteis hace unos meses decía que “…la decisión de grabar en Liverpool viene condicionada por el deprimente estado de la escena nacional actual. Estamos cansados de que nos digan dónde hay que grabar para triunfar, en qué idioma hay que cantar, en qué festivales tocar y a quién hay que ir a chupársela para que te hagan caso”. ¿Nos podéis explicar un poco esta situación? ¿Cómo está para vosotros el panorama musical en España?
Buuf…a veces a uno se le calienta la boca y estaría mejor callado la verdad…no es nuestro estilo usar esas expresiones pero lo cierto es que dicho está y con matices, es lo que pensamos. La frase en cuestión viene porque te encuentras con gente que aconseja gratuitamente sobre qué hacer y cómo hacerlo en el mundillo de la música.

Ahora resulta que cantar en inglés es una barrera. Duele oír machaconamente aquello de “mola tu grupo, lástima que no cantéis en español”. Reminiscencias del franquismo a estas alturas dan un poco de vergüenza nacional la verdad. ¿Qué será lo siguiente? ¿Prohibir a los Beatles? Porque cantan en inglés y en sus letras hay mensajes subliminales comunistas? Estamos cansados un poco de ese rollo, cada uno escoge su camino y su forma de hacer música, y nos gustaría que al menos se respetara la voluntad del grupo. A nosotros nos va bien así, porque hacerlo de otra manera no sería coherente con nuestro espíritu, y nos traicionaríamos. Para nosotros el éxito lo miden las canciones, y repasando nuestras canciones de las más de ocho publicaciones que llevamos, podemos sentirnos orgullosos porque consideramos que son muy buenas.

Respecto a la escena indie nacional, no creemos que esté mal porque no haya grupos buenos, simplemente como en otros campos de la vida, está un poco subvertida por temas difíciles de controlar por los grupos. En España hay grupos buenísimos, Niño y Pistola y Elastic Band son buen ejemplo de ello, la cuestión es si ellos y muchos otros tienen el reconocimiento que sus grandes canciones y discos merecen. En este sentido todos tenemos un poco de culpa, yo siempre digo que si una persona va 20 veces al año a ver a Lori Meyers por poner un ejemplo, y una o ninguna a otros grupos cuando pasan por su ciudad, el resultado será que tendremos una escena empobrecida donde cuatro grupos parten la pana (muy merecidamente por cierto) y otros muchos se tendrán que repartir las sobras a duras penas. También pasa igual si algunos promotores llevan año sí año también a los mismos grupos como cabeza de cartel del festival de turno. Hay que apoyar a los promotores que están aguantando la escena nacional, en Donosti por ejemplo está MenofRock con Iñaki Estévez, pero hay muchos otros por toda España a los que grupos como Stay les debemos prácticamente la existencia.

– Leímos recientemente que vuestro álbum podría publicarse después del verano. ¿Qué encontraremos nuevo que no hayamos escuchado aun de Stay? ¿Ya tenéis título? ¡Queremos alguna pista!
Poco podemos avanzar porque todavía no está acabado. Estas semanas nuestro productor lo está mezclando y una vez que lo recibamos decidiremos muchas cosas. Para nosotros es un gran cambio porque es la primera vez que trabajamos con un productor, que además es de fuera, y grabado en directo en Liverpool con una filosofía que Fran llama “less is more” y “Feel is everything”. Nos sentimos muy identificados con ese estilo de hacer las cosas y creemos que la experiencia ha sido increíble. Y eso se notará en las nuevas canciones.

– En vuestro viaje no sólo estuvisteis grabando sino que tuvisteis tiempo para conciertos. Uno de ellos fue el del Lomax, donde han pasado bandas como Oasis, Kula-Shaker, The Verve o Suede. ¿Qué tiene ese sitio tan especial? En vuestro Facebook comentasteis que fue una noche mágica, ¿cómo respondió el público británico?
Muy bien! El sitio es muy auténtico, ha estado cerrado 10 años y ahora parece que lo vuelven a promocionar. La escena de Liverpool pasa por allí, y el hecho de saber que en su día, en pleno apogeo del brit-pop era parada obligatoria para esos grandes grupos, le da un aire de mítico importante. Aquella noche compartimos cartel con otros grupos de Liverpool e hicimos muy buenas migas, conectamos enseguida con gente como Joe Symes y otros auténticos apasionados de la música como nosotros.

– Después de pasar todo diciembre allí, estuvisteis tocando en enero en el CakeShop de Manhattan (Nueva York), dentro del Festival psicodélico Keep off the Grass! ¿Cómo surgió y qué significó esto para vosotros? ¿Nos podéis contar alguna anécdota de este viaje?
La historia surge gracias a nuestra discográfica inglesa, Fruits de Mer Records. En diciembre publicaron “Keep off the grass”, un doble vinilo de versiones en el cual participamos con “back of your mind” de los Nazz, y organizaron un festival en NYC al cual nos invitaron. Nuestro concierto fue un acústico de Jordi Bel,  y tuvo un gran reconocimiento, tanto que ya estamos organizando un tour para 2013 por EEUU y por UK, ya que después de muchos años en los que hemos hecho conciertos sueltos en el extranjero, creemos que ha llegado el momento de irnos fuera en periodos más largos de tiempo y dar a conocer nuestra música.

– Hace unos meses vuestra gira hacía una parada en Valladolid, aunque finalmente se canceló y muchos nos quedamos con las ganas. ¿Tenéis previsto girar antes de que salga el nuevo álbum o tendremos que esperar a su publicación?
Ahora estamos preparando una mini-gira por Cataluña para esta primavera, y excepto en casos puntuales, como el próximo 31 de marzo en León y algunos festivales en verano, no saldremos mucho. Todavía tenemos mucho trabajo con las nuevas canciones y será a partir de septiembre, ya con el nuevo disco cuando comencemos una nueva gira.

– Si retrocedemos en el tiempo unos cuantos años, vemos a unos Stay muy jóvenes que no tienen mucho que ver con los de ahora. ¿Cómo creéis que ha evolucionado vuestra música desde que iniciasteis esta carrera musical hasta ahora? ¿Cómo imaginabais entonces que sería vuestro futuro musical?
Como bien dices, comenzamos muy jóvenes y de hecho, hemos ido cambiando de miembros muchas veces hasta dar con la formación actual de cuatro. Musicalmente se puede decir que hemos evolucionado desde un pop-rock clásico a lo Teenage Fanclub a un estilo más personal con toques de psicodelia y space-rock como son las canciones actuales. El cambio más importante en nuestra música comenzó en 2007 con la aportación al grupo de Enric Chalaux y la publicación de lo que consideramos uno de los discos “ocultos” (por desconocido) buenísimos que hay en nuestro país, “Things you cannot see”. En nuestra opinión cada disco y cada single o EP que hemos sacado tienen vida propia y están por encima del hecho de que se haya creado con la etiqueta Stay. Son canciones que con otra “marca” hubieran dado la vuelta al mundo.

Stay es un grupo muy dinámico que en cada publicación ha expresado cosas diferentes, inquietudes y nuevas influencias que nos han marcado en un determinado momento, y aunque se puede seguir una lógica evolución en nuestra carrera, nos gusta entender y explicar cada disco por separado. De hecho es así como vamos a plantear el siguiente paso. Canciones por encima de todo. De nosotros mismos incluso.

– Esperamos que sigáis cosechando grandes éxitos y que lleguéis mucho más lejos con este nuevo trabajo. ¡Muchas gracias por hablar con nosotros!

Gracias a vosotros! ;-D
Iván López. Stay.

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Crónica Del Concierto de Robert Ellis y Dawes en Madrid . Sala Sol .Febrero 2012.


El pasado 29 de Febrero la madrileña sala Sol se convirtió en un hervidero de música americana donde Robert Ellis marcó en el primer tiempo un estilo a nivel individual, que enriquecerían en la segunda parte Dawes, el cuarteto de L.A.  con su rock de raíces sureñas .

Robert Ellis fue el encargado de caldear a los recién llegados con precisión, guitarra envenenada, punteada con máxima precisión, y dejando boquiabiertos a más de uno, country y rodeo-rock , estilizados con tiempos pausados y donde la destreza del guitarrista dejó boquiabierto a más de uno, quizás éste no era el género que la mayoría esperase encontrar en el inicio del concierto, pero el de Houston logró que quien más y quien menos se fijara en sus habilidades y en esa endiablada manera de guitarrear a la vieja usanza, demostrando que eso de ser un American Song-writer, no está reñido con ser un virtuoso a la guitarra. Yihaaas y tiros virtuales al aire se escapaban por la pista, mientras los negativos de su ‘Photographs’ eran revelados poco a poco.  Antes de finalizar los miembros de Dawes acompañaron al de Texas en el escenario para cerrar una actuación conmovedora y con sabor añejo.

Dawes venían con ganas de demostrar en su directo que los temas de ‘Nothing Is Wrong’ son un laberinto de pólvora que desencadena una explosión de las que hacen ruído en el género de la americana. No les queda grande eso de ser considerados herederos de Crosby o Nash & Young, y allá por donde van arrastran seguidores, veáse el haber servido como banda de directo a Robbie Robertson.

.Tras haber salido acompañando a Robert y demostrar que como banda, la ejecución que manejan es a la par que perfeccionista, sobretodo de una calidad arrebatadora , teclados, guitarras y percusión fueron llamados a filas con valor. Consolidaron su posición con los primeros compases de ‘Fire Away‘, un comienzo demoledor para contonear a un público que palmeaba fielmente a los enérgicos californianos, que se metieron a todos en su soleada maleta , en un viaje a través de carreteras desérticas y paisajes áridos en medio de la gran ciudad. ‘If  I Wanted Someone’ y ‘The Way You Laugh’ sacaron su lado más intenso a la par que cálido, dando fé de que ‘Nothing Is Wrong’, así hasta inmiscuirse en ‘Million Dollar Bill ‘y sentarnos en esa mecedora de acordes sureños hasta dejarnos caer en ‘Peace Valley‘ mirándonos fijamente desde ‘North Hills‘ , no sin antes marcarse un coreado ‘When My Times Comes’.

Y es que destacar en este género es complejo, pero los hermanos Goldmisth lo consiguen, respaldados por sus escuderos Wylie y Tay, recordándonos por qué su disco de debut caló tan hondo, llegándonos al alma interpretando ‘That Western Skyline’ o llevándonos casi al final del directo a L.A. (‘Time Spent In L.A.’) , para sentenciarnos lo que ya habíamos previsto desde el principio ‘Love Is All I Am‘ , algo que podría resumir a la perfección la sensación que nos queda en la mayoría de sus canciones, de componer hilando fibras del corazón.

Crónica del concierto de Trajano! en la sala Nasti de Madrid – Marzo de 2012


La putada que tiene el auge de Internet y de las redes sociales es que ahora cualquiera puede acceder fácilmente a un vídeo de los Jesus and Mary Chain flipándoselo y pensar que, colgándose unos instrumentos, luciendo pelo cardado y estética siniestra, tienes crédito libre para hacer lo que quieras encima de un escenario. El quinteto femenino que abrió el concierto de presentación del EP de Trajano! bien lo sabía y protagonizaron uno de los mayores ridículos que servidor ha visto en su vida. Portando una rosa en la mano y entonando un canto cuasi satánico a capela, las cinco fulanas en cuestión dieron comienzo a un esperpento que duró media hora donde la desafinación, la pésima ejecución y varios intentos de provocación tuvieron el protagonismo. Yo lo siento, pero cuando el posmodernismo dichoso rebasa ciertos límites, he de bajarme.

Sin embargo, lo peor de todo no fue el concierto sino el discurso arrogante propio de un grupo que tiene que esconder sus carencias sobre las tablas: al grito de “a quien no le esté gustando es porque no es moderno” o “esto es rock and roll, para los putos pijos”, la banda completó un show vergonzoso que acabó con su batería desnuda botando sobre el parqué. En el clavo de nuevo, queriendo desviar la atención de su pésima música a golpe de pecho. Pero un leve matiz: yo he pagado seis euros por disfrutar de música en directo y no por ver los atributos a una don nadie. Porque una cosa es actitud y otra muy distinta es mostrarse engreído e irrespetuoso en tu segundo concierto. Porque las chicas saben que es peor que hablen mal de ti a que no hablen. Y como no pienso entrar en su juego –¡porque esto es música!–, ni siquiera les daré la publicidad de citar su nombre. Con Dios. Eso sí, mi aplauso para los amigos y novios que las vitorearon canción tras canción. Hay que tener estómago. Yo sólo espero que vuestros padres no sepan lo que hacéis con vuestras vidas los jueves por la noche. Hasta nunca.

Después del mal trago, se subían Trajano! al escenario para presentar ‘Terror En El Planetario’, estupenda puesta de largo causante del murmullo y expectación entre el mundo blogger y las redes que les ha puesto en la órbita musical y que ya les ha abierto las puertas del Proyecto Demo para tocar en el FIB. No es para menos. En las cinco canciones que forman su EP, el cuarteto medio madrileño, medio gallego, atesora un sonido revisionista del after-punk de la movida, ubicado entre Derribos Arias y los más actuales Triángulo de Amor Bizarro o Nudozurdo, y digno merecedor de algo más de una escucha. Surrealismo lírico, riffs a cuchillo y oscuridad en la voz de Lois Brea nos esperaban en su cita en la Nasti.
Para ser justos, el sonido de la sala no les hizo ningún bien y enturbió desde el primer momento un set donde el teclado se perdía entre las guitarras y éstas quedaban ensombrecidas por la batería. Pese a todo, Trajano! tiraron de corazón para defender desde el primer momento lo que era suyo. Después de una leve intro, ‘Discopatía’ fue la primera en entrar en escena, algo titubeante y con los nervios a flor de piel, para dar paso a un corte inédito y empezar a levantar el vuelo con ‘Carrie’, espídico ritmo que provocó los primeros movimientos de cabeza a un público excesivamente frío, dispuesto a no perder detalle.

Con la presentación de otras dos canciones nuevas, el cuarteto dio entonces paso a ‘Mono’, canción que abre su disco y que abrió en su día la senda al grupo cuando subieron, hace ya un tiempo, una versión en inglés del tema en cuestión a su Soundcloud. Tras un leve impás por problemas con la afinación y después de otra inédita, Trajano! culminaron su ofensa con ‘Terror En El Planetario’, canción que da nombre al EP, y con ese proyecto de himno generacional que es ‘Iker Jiménez’, con la que el publico coreó aquello de “he visto sangre de androides” y que dejó a un Lois entregado en la explosión final de guitarra hasta acabar por los suelos.

Pese a que nos fuimos con un sabor agridulce por el sonido, y sin todavía estar recuperados del surrealista comienzo de velada, Trajano! dejaron patente que la materia prima de la que disponen es brillante, que su EP es un oasis en el desierto, y que sólo necesitan curtirse en los escenarios y en el local de ensayo para tener una carrera que puede darles muchas alegrías. El tesoro lo tienen. Sólo falta pulirlo.

Foto: Johny Toss (Flickr)
Escucha ‘Terror En El Planetario’

Ibiza y Mallorca Rocks confirman sus primeros cabezas de cartel


El festival más importante de las Islas Baleares publica sus primeros cabezas de cartel. Los encargados de la apertura y clausura del festival ya mencionamos que serían Ed Sheeran el 5 y 6 de junio en Ibiza y Mallorca  y Two Door Cinema Club el 18 y 19 de septiembre respectivamente.

Muchos rumores existían en la red sobre el Line Up de este año en las islas. Finalmente se han cofirmado algunos de ellos y Bloc Party, Kasabian, Kaiser Chiefs, New Order, Example , Azealia Banks  y muchos más formarán parte del cartel de este festival que dura 16 semanas.

Así queda el cartel por días hasta el momento:

Mallorca Rocks:
Ed Sheeran (June 5)
Maverick Sabre, Labrinth (12)
Kaiser Chiefs (26)
Kasabian (July 10)
Professor Green, DJ Fresh (17)
Chase & Status (31)
Tinie Tempah (August 14)
Example (28)
Bloc Party (September 4)
New Order (11)
Two Door Cinema Club (18)

Ibiza Rocks:
Ed Sheeran (June 6)
Maverick Sabre, Labrinth (13)
Zane Lowe (20)
Kaiser Chiefs (27)
Kasabian (July 11)
Professor Green, DJ Fresh (18)
Chase & Status (August 1)
Tinie Tempah (15)
Example  + Azealia Banks (29)
Bloc Party (September 5)
New Order (12)
Two Door Cinema Club (19)

Más información, fechas  y tickets en su página web.

Crónica del Concierto de Vetusta Morla en la sala The Coronet (Londres). Marzo 2012

“Los días están contandos, no hay más que temer…” Ya no hay vuelta atrás. “Aeropuertos unos vienen, otros se van…” “No quiero pensar en Madrid, ni en su reloj…” Volver a Londres significa un reencuentro con la música en estado puro. Y la excusa lo merecía. El  concierto de Vetusta Morla, uno de los grupos más en forma del panorama alternativo, merecía un viaje express para saludar a la familia real inglesa. Concierto aparte, el viaje siempre te permite un poco de tiempo para disfrutar de las amistades que han emigrado a la tierra prometida por gusto o por necesidad, el turisteo musical para recrearte por el paso de cebra más famoso de todos los tiempos en Abbey Road, además de, un poco de shopping por el mercadillo más peculiar, animado y atractivo del Reino Unido en Candem Town. Anécdotas aparte,  si hace un año “Todos los raros fuimos al concierto…” de Love of Lesbian, en esta ocasión, “Tenía la fé, tenía la intuición” de que  también la armada española iba a responder con la misma intensidad siendo todavía más, los que nos grabamos a fuego eso de “Dejarse llevar suena demasiado bien…” Seguir leyendo Crónica del Concierto de Vetusta Morla en la sala The Coronet (Londres). Marzo 2012

Crónica del concierto de Luis Brea dentro de Heineken Music Selector. Sala Sol . Marzo 2012.

Lo de destacar en el ámbito nacional cada vez es más complicado, pero siempre hay sorpresas que alegran el catálogo nacional , y sellos que apuestan por ellos, este es el caso del compositor madrileño Luis Alberto Almarza,  Luis Brea, y de como Marxophone se ha fijado en él para perfilar ‘Hipotenusa’.

El pasado jueves 1 de Marzo , Luis Brea se adentraba en el ciclo Heineken Music Selector, para llenar con su formación una Sala Sol expectante, llena de fans, amigos, incondicionales, curiosos y acompañantes indiferentes, de todo había cabida, diversidad , como en su música.

Luis Brea ya había facturado un EP autoeditado , ‘De Lo Dicho Nada’ que había creado la expectación adecuada en el circuito madrileño y poco a poco en el nacional . Pero Luis y los suyos no son nuevos en estos menesteres, tras liderar bandas como ‘Los Hijos De Han Solo’  o ‘Los Sitios’ , parece que ha encontrado su sitio entre la canción española de aires costumbristas,brotes de cantautor ,  la descripción natural de lo cotidiano y el desgarro de la rutina nocturna ,  logrando enfrascarlo en canciones que lo mismo desprenden bossa-nova o indie noventero que rumba y nueva ola cañí, un refresco de la movida madrileña (influencias entre otras de Radio Futura y Nacha Pop entre sus temas) que ha surgido para hacerse un necesario hueco en los nombres a retener.

Formación como cuarteto, Jorge, Martí,  Climent y Luis, pose canalla, gafas de sol y decisión para encararse a un público ávido de comprobar cómo se desgranaba Hipotenusa en directo. ‘Bastante Punk’ fue la encargada de abrir la velada, un alegato a una filosofía de vida , con una actitud que bien podía recordar a la versión masculina de Ariana (Punsetes), oscurismo que pronto se vio iluminado por ‘Escabeche‘, tema  de reminiscencias ochenteras y donde la banda sacó e infundió energías a los presentes y a los rezagados para introducirse en el animalario de los madrileños. No cuesta nada ser amable, y reconocer que el mayor logro de la banda se esconde en sus letras, versos hilados con ironía, sátira y humor cabrón, calles y garitos madrileños, estereotipos y naturalidad, situaciones que bien pueden autobiografiarnos a muchos de los oyentes en más de una ocasión , ‘Soy Tu Padre‘ ya mostraba el tirón que sus estribillos tienen entre su público, que acompañaba a la banda a la mínima.

‘Dicen Por Ahí’ sacó su lado latin-lover a pasear por los alrededores de la calle Jardines, aroma a Julio Iglesias crapuleando por Noviciado, todo un himno como pudimos comprobar in situ, una rumbita  de las que se bailan con gafas de pasta y camisa de cuadros, frescura inmediata, y buen rollo desde el escenario, rozando el ecuador de su actuación, mostrándose confiados, cómodos y puliendo finamente cada cálculo de su hipotenusa. La influencia planetera también merodea en sus composiciones, ‘Baso Es Con V’ , fuera parte de la genialidad  de su letra,forma un rotundo homenaje a los granaínos con su fundido en ‘Segundo Premio’. Se tornan turbios, sombríos y angustiosos en directo mostrándonos ‘Dos Rombos’ , y suenan guatequeros y nos trasladan a los 70 con reminiscencias disco en ‘La Cuenta Atrás‘ . Tras ello presentación de la banda, y cierre pre-bises con ‘La Caída‘ y subidón generalizado.

Vuelta , en solitario, la de Luis , agradeciendo de nuevo la respuesta del público , y  marcándose ‘Me Cago En La Puta’ en acústico, gallina de piel, antes de que estallase la algarabía con la vuelta de la banda al escenario para interpretar un pelotazo indiscutible de ‘Hipotenusa’ , ‘Automáticamente‘, coreada y recitada por la sala Sol al unísono , con intercalo ‘Bastante Punk’ inclusive, y marcando el fin de fiesta a la presentación del disco con nota y talento.

Luis Brea continuará presentando ‘Hipotenusa’ dentro del ciclo Heineken Music Selector en Abril En Tarragona.

20 Abril – Highland – Tarragona

Fotos:Cortesía Heineken Pro.

Nuevo álbum y primer adelanto de The Temper Trap


Después de estar mucho tiempo esperando noticias de la banda australiana, por fin llegan con algo nuevo. El que será su segundo largo será publicado el 21 de mayo en Europa y se llamará ‘The Temper Trap’. Contendrá 12 cortes de los cuales ya hemos podido escuchar el primer adelanto, ‘Rabbit Hole’, que nos deja con muy buen sabor de boca pero su primer single será “Need Your Love” encargada de abrir el álbum.

La grabación se ha llevado a cabo en el Sound Factory en Los Ángeles y de la producción se ha encargado Tony Hoffer , quien ya ha trabajado con bandas de la talla de Phoenix,  Beck, M83, Noel Gallagher o Foster The People.

El track list será el siguiente:

1. Need Your Love
2. London’s Burning
3. Trembling Hands
4. The Sea Is Calling
5. Miracle
6. This Isn’t Happiness
7. Where Do We Go From Here
8. Never Again
9. Dreams
10. Rabbit Hole
11. I’m Gonna Wait
12. Leaving Heartbreak Hotel