Martí y Zahara creaban este año su nuevo proyecto conjunto _Juno, separándose de los proyectos que cada uno gesta por sí sólo Zahara y Mucho, el dúo ha logrado facurar uno de los discos más aplaudidos de 2020. Sonidos experimentales y un dejarse llevar por el momento hacia planos sumamente maravillosos.
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Mucho lanzaba en enero su último trabajo, el excelentísimo ‘¿Hay alguien en casa?’, un trabajo en el que impera la electrónica, y la mayor parte de sus composiciones están creadas a partir de un sample o de un proceso electrónico. Para esta nueva etapa de Mucho, Perarnau tenía el empeño de componer canciones sin instrumentos musicales al uso, para lo que el ordenador portátil se ha convertido en su nueva guitarra eléctrica y en su nuevo sintetizador. Tras catarlo lentamente, hemos hablado con Martí de esta nueva joya que se catapulta de cabeza a lo mejor que tendremos por estos lares en 2019.
Estoy muy feliz con el recibimiento que está teniendo el disco. La verdad es que yo también pienso que es un disco que requiere varias escuchas y que hay que trabajarlo a fondo para lograr desgranar todas las capas que tiene tanto a nivel musical como a nivel lírico. Lo que más feliz me hace es que veo que la gente se está tomando el tiempo de escucharlo con calma y con detenimiento y eso me alegra la vida.
Sin duda el riesgo es una de las señas de identidad del proyecto. Yo considero que la música es arte y por eso siempre que haces un proceso artístico tiene que ser para ir a sitios nuevos hasta ahora inexplorados. Soy muy fan de Bowie y de las bandas que no se repiten. Considero que cada disco tiene que ser una aventura nueva y eso es lo que me mantiene vivo como compositor, la búsqueda es un proceso difícil pero a la vez es muy satisfactorio cuando llegas al final.
Somos una familia musical, se respiró mucha hermandad durante la grabación del disco y creo que eso se escucha en las canciones. De hecho el sello discográfico que edita “¿Hay alguien en casa?” se llama Kartoffel Kollektiv para denominar a la familia musical que hemos grabado este disco.
La verdad es que mi intención es no interpretar ninguno de los temas antiguos de la banda. Quiero tocar el nuevo disco en su integridad y cinco canciones de “Pidiendo a las puertas del infierno”, no sería complicado interpretar “Más feliz sin televisión” por ejemplo, o “Las Plantas” que es una canción que me encanta pero de momento en este inicio de gira tan sólo interpretaremos el nuevo disco y algo del anterior.
A mí me ha ayudado sobremanera alejarme de todo el ruido exterior para componer estas canciones pero a la vez todas las mañanas me ponía “Espejo público” para desayunar y ver las mentiras que cuentan en ese programa y cómo los medios manipulan contínuamente todo lo que nos cuentan. Así que en mi caso podríamos hablar de una desconexión ligera y consciente pero no radical. Sí que fue de gran ayuda utilizar una máquina de escribir antigua para hacer las letras por ejemplo.
Mis arcas están vacías y con Mucho sólo hemos colgado el cartel de SoldOut una vez, así que os puedo decir que yo no vivo de mi música. Me encantaría poder hacerlo pero no es el caso, yo veo una precariedad muy evidente en la música española y a pesar de esa aparente sensación de bienestar de la industria del directo la realidad es que la música en España sólo da para vivir a una minoría y que la mayoría de veces las salas están vacías.
Tanto The War On Drugs como Grimes son artistas que admiro mucho por sus sonidos así que no creo que te hayas montado demasiadas películas, veo bastante acertada tu reflexión. Creo que se nota que me gusta música muy variada y por eso el abanico de sonidos es tan amplio y rico.
Cambiar el pasado puede tener consecuencias muy problemáticas ya nos lo enseñaron Marty y Doc.
Adoro a James Murphy y me flipa todo lo que hace, no me importaría tener un sello que saca grupos flipantes y que encima graban en mi estudio, hacer música increíble como LCD Soundsystem y producir artistas amigos como Arcade Fire. James Murphy es un ejemplo claro de que hay que confiar en lo que hace uno mismo y hay que arriesgar a muerte en la música, no sirve de nada quedarse estancado siempre hay que buscar cosas nuevas. Me parece una figura fundamental para la música de nuestro siglo.
Dave Fridmann no tiene ninguna culpa de que este disco suene tan bien, eso les pasa a Vetusta Morla. La culpa es de Santos Berrocal que ha mezclado el disco y lo ha producido, de Ricky Falkner y Fluren Ferrer que también producen, de Álvaro Balañá que lo masterizó, de Emilio Saiz que es un gurú del sonido, de Xavi Mole que hizo unas baterías espectaculares y es culpa mía que he estado dos años haciendo sonidos increíbles en casa. Dave Fridmann es un genio de la producción pero seguro que hay cosas que le encantarían de nuestro disco.
Ojalá haya nuevos aliados, me encantaría tener dinero para sacar discos de artistas que admiro y respeto pero de momento estamos en bancarrota.
Siempre albergo esperanza, sino no seguiría haciendo discos. Hay derrota en este disco pero nunca fracaso, el fracaso sería no hacer música o hacer discos para agradar a alguien. Tengo la esperanza de poder hacer música toda mi vida, es lo que me hace feliz.
Quiero seguir trabajando con bandas amigas porque me enriquece mucho y a la vez tengo un estudio junto a Emilio Saiz y voy a empezar a trabajar en canciones nuevas, quizás escuchéis música nueva antes de lo esperado, nunca se sabe.
El primer disco en solitario de Beris, publicado a finales del anteúltimo abril, nace de un grito interno, que pugna por salir al exterior y hacerse evidente. Es un álbum urgente y calmado, con canciones sinceras que parten de un lugar oscuro pero que vislumbran halos y destellos de luz. Usando como pretexto el concierto que ofrecerá este domingo en Madrid, en la Sala Galileo Galilei, hablamos con él sobre la vocación, la soledad o las responsabilidades que nosotros mismos nos atribuimos.
Ha pasado un año y medio desde la publicación de “Tan solo un grito”, ¿ha cambiado tu conexión con las canciones desde entonces, tu forma de verlas o de enfrentarte a ellas?
Sí, ha cambiado muchísimo mi forma de verlas y enfrentarme a ellas. Ahora, con la distancia y el vértigo, me doy cuenta de que en realidad este primer disco en solitario no es tanto el inicio de algo nuevo, sino el final de mi época anterior con 84. Ahora es cuando empiezo a ver claramente cuál quiero que sea mi relación con la música. Creo que “Tan solo un grito” es el broche a mis diez años dedicados a saco a la música.
En el tema ‘Tan solo un grito’ dices “es la vocación la que crea frustración y cada día quiero ser lo que aún no he sido”. ¿Tener una vocación clara es una suerte o una desgracia?
Es ambas, y además a partes iguales. Aunque, en realidad, el problema es cuando se tienen varias vocaciones. Ya lo dice la canción, “cómo se pueden querer dos mujeres a la vez y no estar loco”. ¿Quién nos vendió que solo podemos tener una vocación?
El concierto del 2 de diciembre lo has planteado para estar acompañado por un terceto de teclas, ¿cómo surge la idea?
Nace de que, en este momento de mi vida, doy tan solo cuatro conciertos al año. Cada uno de ellos siento que es el primero que doy, tanto en alegría, intensidad, como en nervios e inseguridad. Por eso quiero que cada uno sea especial y distinto al anterior. Hace tiempo le propuse a Martí Perarnau que hiciésemos un acústico en formato trío junto a Sergio Valdehita. No pudo ser y para esta ocasión me lo propuso él, pero, como es él, amplió la formación a tres teclistas para crear una orquesta de melotrones, pianos, ruidos y maquinitas. Nos faltaba el tercer teclista, y cuando nos confirmó que se apuntaba Víctor Cabezuelo, lloramos de alegría todos. Para mí es un honor absoluto, porque les admiro una barbaridad a cada uno. Me siento muy halagado por ser la excusa para este experimento.
¿Qué crees que aporta un formato así a los temas?
Aportará singularidad, solemnidad, intensidad, creatividad, dad, dad, dad… Serán totalmente diferentes al disco. Sobre todo los hará especiales y únicos, porque en principio no haremos más conciertos así.
Como ya has dicho, los teclistas que estarán contigo son Martí Perarnau, Víctor Cabezuelo y Sergio Valdehita. ¿Qué tiene de particular cada una de sus maneras de tocar? ¿Cómo se complementan?
Te diría que cada uno representa una forma de entender los teclados. Martí y Víctor están más cerca porque han compartido muchas horas de vuelo con Mucho. Ellos dos son la referencia de modernidad y vanguardia en todo lo que hacen. Sergio toca todo lo que le eches, le tiras un melón y te lo toca… No sé, son los mejores que conozco, y lo digo con sinceridad. Cómo se complementan estoy deseando comprobarlo, empezamos a ensayar esta semana. Va a ser alucinante.
¿Van a aparecer otros instrumentos en el concierto?
Tal vez toque yo la guitarra acústica o la española, lo veremos al montar las canciones del concierto.
Tanto Valdehita como Perarnau participaron en la grabación del disco, ¿cómo fueron esos días de trabajo?
Fueron muy emocionantes. Estaba acojonado… Busqué grabar con músicos con los que aún no hubiese trabajado. Quería separarme de 84 y hacer mi disco. Mis canciones ya eran diferentes a lo que venía haciendo, solo necesitaba que el envoltorio también lo fuera. La mejor decisión que tomé fue dejarles plena libertad a la hora de llevar mis canciones a otros lugares, desconocidos para mí.
El álbum viene con un libro, en el que aparecen las letras de las canciones, ilustraciones, fotografías o textos de compañeros. ¿Por qué decidiste que se imprimiese en la Fundación A La Par? ¿Podrías explicarnos un poco en qué trabajan?
El libro era el elemento que cerraba mi círculo vital. Por un lado, la música; por otro, el diseño gráfico, otra de mis pasiones y mi profesión; por otro, que participase gente cercana a mí con sus ilustraciones, textos y fotos; y, para rematar, imprimirlo en donde estaba trabajando en aquel momento, la Fundación A La Par, una fundación que trabaja por la inclusión de las personas con discapacidad en la sociedad. Hacerles partícipes de mi disco era el broche perfecto.
Hace cuatro años que 84 os separasteis, después de una década y tres discos juntos. ¿Aumenta la sensación de responsabilidad al componer en solitario?
Lo mejor es que ahora no tengo más responsabilidad que la que yo me impongo. El problema es que soy muy exigente con todo lo que hago, y componer para mí es excitante a la vez que frustrante. Aun así, es el momento en el que más disfruto de la música. Yo canto pero no soy cantante; guitarrista, pero tampoco soy muy virtuoso. Yo me considero compositor, ese es mi lugar en la música.
¿Te has sentido más expuesto presentando un disco en el que todas las letras son tuyas, cuando, además, dan la sensación ser tan honestas, tan despojadas de artificios?
Sí, es la cara oculta de la honestidad. Pero no lo he elegido, es mi forma de escribir. Si para mí no es real, siento que estoy estafando. Soy incapaz de escribir una novela, pero sí que podría escribir mi biografía.
¿Hasta qué punto se está solo ante el peligro?
Estamos solos, en la vida y en los proyectos que emprendemos. No tenemos suficiente tiempo para empatizar y estar cerca de todos los que queremos. La gente que nos quiere aparece y desaparece, pero no podemos acompañarnos eternamente. Creo que uno ha de construirse desde la soledad. Solo el amor de madre se salva, que es inagotable y constante.
Financiaste la publicación del álbum a través de una campaña de crowdfunding, ¿cómo fue ver que alcanzabas el objetivo propuesto en menos de un día? ¿Esperabas el apoyo que tuviste?
Pues mira, cada día que pasa valoro más el apoyo de la gente que participó en la campaña. No pude regodearme en ello en su momento, tal vez porque me daba miedo, pero ahora lo miro con ojos de incredulidad, como que no me pasó a mí. Fue alucinante. Eternamente agradecido a cada uno de ellos.
Para acabar, ¿qué artista estás escuchando más últimamente? ¿Alguna recomendación?
Últimamente escucho compulsivamente a Jim James. Me lo acercaron Rams (Ramiro Nieto) y Martí y ahora destripo cada canción y cada disco que ha hecho, tanto en solitario como con My Morning Jacket.
En español estoy con Kase-O… Me parece que rebosa honestidad todo lo que escribe. ‘Tan solo un grito’, la canción, podría ser un tema de hip-hop.
Para la cita del domingo ya están disponibles las entradas.
Desde el viernes está disponible Loto, el nuevo disco de Rufus T. Firefly, en todas las plataformas digitales. Loto es un disco de ocho canciones que ellos mismo describen como la segunda parte de Magnolia, su anterior álbum, que fue para la redacción de Notedetengas uno de los mejores discos nacionales del año 2017.
En el nuevo disco de Rufus T. Firefly se han sumado a los musicos habituales de la banda, Manuel Cabezalí (producción), Dany Richter (ingeniero de estudio) y Hay Zeelen (mastering), Martí Perarnau, Julián Maeso, Lyndon Parish y Brian Hunt para, según el grupo ” llevar las canciones a un nivel más orgánico, incluso en ocasiones, convirtiéndolas en auténticas Jam”.
Tras las primeras inmersiones en Loto, hemos confirmado que el nuevo disco de Rufus T. Firefly es una magnifica continuación de su genial Magnolia. La psicodelia canalizada a través de teclados y esa batería tan bien conjugada genera autenticas joyas como “Un breve e insignificante momento en la breve e insignificante historia de la humanidad” o “Loto“. Las letras y títulos de las canciones se ven empapados por el presente (vease “San Junipero“) sin olvidar el pasado ( nos encanta la versión que han hecho de “Lucy in the Sky with Diamonds“)
Pero sin duda sabemos que lo mejor esta por venir porque, por mucho que disfrutemos del nuevo disco de Rufus T. Firefly través de nuestros auriculares o a través del equipo de sonido que corona nuestro salón, es en directo donde la banda se posiciona como una de las mejores del panorama nacional actual.
https://www.youtube.com/watch?v=YknMWvuON5c
El 22 de septiembre vuelve una nueva fiesta Rookie con Ambre, Cosmic Birds y Los Moros. Será en la Sala Siroco de Madrid donde la psicodelia en distintas vertientes se posicionará con ganas.
Se acaba el horario de verano, la mitad de tu timeline de instagram se ha hecho fotos en Rocadragón con la misma rapidez que viaja Juanito Nieve de un lado a otro del muro, la otra mitad posa con flotadores de unicornio sin meterse en el agua; el atuendo veraniego de Ana Obregón ya no te sorprende como antes ni aunque salga en la playboy, vuelves al gym y te da por el crossfit… tienes mono de concierto….sé fuerte, Rookie Producciones te ofrece lo que necesitas. Una nueva fiesta Rookie con Ambre, Cosmic Birds y Los Moros.
AMBRE surge de la constante transfiguración que han sufrido las diferentes ideas y sonidos con los que Antonio Trapote (cantante y guitarrista), Javier Oleaga (guitarra y teclas) y Jose Doel (teclas), ex-componentes de The Folie Diamond, han experimentado hasta el momento.
Partiendo de sonidos más cercanos a Pink Floyd en sus orígenes, la inmersión en el mundo de la síntesis y su ya habitual juego con las infinitas posibilidades rítmicas los han llevado hacia una nueva búsqueda en la que se pueden sentir tintes más propios de un sonido al más puro estilo Radiohead.
COSMIC BIRDS acabaron en Dublín la gira de The Solstice, reseñado como uno de los mejores discos de 2014 en lugares tan diversos como Rusia o Latinoamérica. Luego, pasaron la primera mitad de 2016 inmersos en la grabación de 10 nuevas canciones.
El 18 de octubre de 2016 se publicó Melt in Trees, el tercer largo de Cosmic Birds. Producido por Martí Perarnau (MUCHO) y Ramiro Nieto (The Right Ons, Zahara), grabado en los estudios Dobro y mezclado en los estudios Reno (Madrid) y masterizado en Berlín por Andreas Schoenrock.
El fuego y la muerte son la temática protagonista e hilo conductor de este nuevo trabajo Melt in Trees , editado como en anteriores ocasiones bajo su propio sello, Astral Travel Records, y que se mueve a partes iguales entre el folk luminoso y el pop más oscuro, sentando así las bases de un sonido revitalizado y más contundente.
LOS MOROS son una banda a caballo entre Madrid y Suiza, cabalgan por zonas desérticas y por urbes inundadas de neón, buscan la conjunción perfecta entre el folk, el psych, el surf, el garaje y el noir. En su peregrinaje han conseguido labrar dos EP´s que rezuman polvo, calima y arroyos de psicodelia atemporal. Normal que el productor y batería Scott Montoya (The Growlers) se haya fijado en ellos para producir su próximo trabajo en los COMA Studios en Long Beach, California.
Los moros son: Ray Lewins (batería), Pao Duran (sintes, sintes modulares, y guitarra) Jose Dago (bajo) y Juan González (voz y guitarra).
Al igual que hiciésemos el año pasado con The Levitants, hemos querido conocer los grupos y artistas imprescindibles del Sonorama Ribera 2017 para Cosmic Birds. La banda estará presentando su último disco; Melt in Trees en el festival arandino. El disco fue publicado a finales del año pasado y en su producción intervinieron Ramiro Nieto (The Right Ons, Zahara) y Martí Perarnau (Mucho, Zahara). Cosmic Birds actuarán el sábado 12 de agosto en el festival Sonorama Ribera 2017.
Cuando desde Notedetengas preguntamos Cosmic Birds por sus imprescindibles del Sonorama Ribera 2017 nos dijeron: antes de comenzar hay que destacar que nuestras influencias y casi toda la música que escuchamos suele estar manufacturada fuera de nuestras fronteras y cantada en inglés, y justo, este año, Sonorama Ribera se centra prácticamente al cien por cien en bandas nacionales, aunque algunas, como nosotros, cantemos en inglés. No obstante, ahí van unas cuantas propuestas que nosotros no nos vamos a perder y os queremos recomendar, si aún no las conocéis.
https://www.youtube.com/watch?v=2bz0mM_SPhA&list=PLvhyrjIpDokYBrU8wsx4599iBFe9_LeCl&index=3
Pues bien, estos son los imprescindibles del Sonorama Ribera 2017 para Cosmic Birds:
Rufus T. Firefly: Son uno de nuestros grupos favoritos del panorama nacional y los seguimos desde hace unos años cuando lanzaron el increíble Ø. Liderados por el polifacético Victor Cabezuelo al a voz, guitarra y teclados y Julia Maestro a la batería, hacen rock psicodélico cada más cerca del sonido de Tame Impala o Alt-J. Ver y escuchar en concierto a los de Aranjuez es una experiencia casi mística.
https://www.youtube.com/watch?v=XQ0gP8NIWgg
Depedro: Escuchar a Jairo Zavala es como viajar sin salir de casa. Hemos disfrutado de su directo muchas veces y nunca defrauda. También en un Sonorama Ribera tuvimos la suerte de verlo tocando con su preciosa telecaster roja con los míticos Caléxico. En la gira de su último disco, El pasajero, viene acompañado de una impecable banda, contrabajo y saxo barítono incluidos. La fría noche de Aranda lo será menos con sus canciones fronterizas y sus sensuales movimientos de cadera al ritmo de la acústica. ¡Quién quiere a Julio Iglesias teniendo a Depedro!
Xóel López: sin duda el gran compositor español de este siglo o quizá de todos los tiempos. Lo vimos por primera vez en un Sonorama hace diez años, con Deluxe, y nos voló la cabeza. Esa voz, esas melodías épicas… Xoel puede acompañarlas como quiera, con acústica, con eléctrica, con piano, con o sin banda, con pedales de efectos en la voz, es un maestro. Si te pierdes este concierto, sinceramente, es que no te gusta la música.
Tórtel: Desde Valencia, canciones pop bien fabricadas, de principio a fin, algo de lo que no muchos grupos pueden presumir. Cuidadosos y detallistas en la instrumentación y melodías pegadizas en el mejor sentido.
https://www.youtube.com/watch?v=HFEdzPVLyjs
Estrogenuinas: Sonorama siempre ha apostado por los grupos de la tierra, en este caso, Castilla y León, algo que suele ser poco frecuente en el resto de eventos culturales autonómicos. Será que los castellanos tenemos poco amor propio. Gracias al Sonorama Ribera, en anteriores ediciones, grupos de la tierra como Siloé, The Levitants, Disciplina Atlántico o nosotros mismos, hemos podido presentar nuestros proyectos en uno de los mejores escaparates de la música de este país. Uno de los conciertos imprescindibles de este Sonorama Ribera 2017, será sin duda el de las charras Estrogenuinas, que si bien ya son conocidas mundialmente hasta en Wisconsin, nos harán bailar a ritmo de su nuevo Chirll-out. Y sí, Nietzsche también en nuestro fetiche.
La Casa Azul: cuando todo el mundo pensaba que La Casa Azul estaba en horas bajas y Guille Milkyway centrado en trabajos de composición y producción de otros artistas, reaparece con una nueva puesta en escena: Cuatro músicos ataviados con el mítico casco sideral de Milkyway y sobre unas pantallas gigantes para reinterpretar temazos atemporales que marcaron nuestra post-adolescencia como “Chicle Cosmos”, “Los chicos hoy saltarán a la pista”, “Superguay”, “Cerca de Shibuya”… Nosotros pudimos disfrutar de su reciente concierto en el Vida Festival donde destacó sobre otros grupos internacionales. No podía faltar en un aniversario como este.
Pianet: es quizá la propuesta más parecida a Cosmic Birds, aunque entre las familias del folkie él eligiese a Bon Iver y nosotros a Fleet Foxes. Compartimos el amor eterno al piano como protagonista. Tuvimos la suerte de conocerlo acompañando a Joshua Díaz en un concierto conjunto en Madrid y nos fascinó la capacidad musical de Nauzet. Un concierto de los que hay que escuchar en riguroso silencio, de esos que no se suelen ver en festivales.
https://www.youtube.com/watch?v=NISf31K681g
Novedades Carminha: quieren hacernos bailar, y lo consiguen con matrícula de honor. Entiéndase como bailar nuestros esperpénticos movimientos de cadera y palmada sincronizada. Se agradece mucho ver un concierto divertido y en el que a la vez la ejecución musical es perfecta. Ya se sabe que no es lo habitual y que parece que hacerlo mal es tendencia. Sus conciertos son una sucesión de himnos contemporáneos. Ahora es inevitable pasar por un centro comercial y no querer invitar a una chica a gaseosa. Nuestros caprichitos de Santiago.
https://www.youtube.com/watch?v=3p91qL0cwpc
Ángel Stanich y El Meister: para los de lejos y algún despistado de la zona, no podemos tampoco dejar de recomendar los conciertos de nuestros queridos Ángel Stanich y Javier Vielba (El Meister). Siempre presentes de alguna manera en Sonorama, aunque este año, con motivo del veinte aniversario les veremos en formatos distintos y quién sabe si en alguna de las sorpresas. Hagan sus apuestas. El Meister estará presentando en el festival por primera vez los temas de su disco Bestiario, su trabajo como hombre orquesta cósmico. Sinte, bombo, guitarra y voz y nuestros coros que desde el público nunca pueden evitar hacer todas las armonías posibles cuando el Meister canta “El Oso”.
Los Perlas: Y para bailar cuando termine la jornada (es decir, antes de la siesta) nada mejor que una buena sesión a cargo de Los Perlas.
¡Nos vemos en Aranda, amigos!
El sábado 6 de mayo se presentará el tercer trabajo de Cosmic Birds en Madrid. La banda vallisoletana estará presentando Melt in Trees por fin en la capital.
El 18 de octubre de 2016 se publicó Melt in Trees, el tercer largo de Cosmic Birds. Producido por Martí Perarnau (MUCHO) y Ramiro Nieto (The Right Ons, Zahara), grabado en los estudios Dobro y mezclado en los estudios Reno (Madrid) y masterizado en Berlín por Andreas Schoenrock.
El fuego y la muerte son la temática protagonista e hilo conductor de este nuevo trabajo Melt in Trees , editado como en anteriores ocasiones bajo su propio sello, Astral Travel Records, y que se mueve a partes iguales entre el folk luminoso y el pop más oscuro, sentando así las bases de un sonido revitalizado y más contundente.La delicada belleza de “Melt in Trees”, la felicidad que trasmite “The Bitter Breath of Naked Sky”, la energía que desprende “Dead Fire” son razones más que suficientes para sumergirse en el nuevo disco de Cosmic Birds.
Melt in Trees es el tercer trabajo de Cosmic Birds, precedido por The Solstice, reseñado como uno de los mejores discos de 2014 en lugares tan diversos como Rusia o Latinoamérica y cuya gira de presentación finalizó el año pasado en Dublín, y Chronicles of the Windwar, disco con el que se dieron a conocer.
El 6 de Mayo podremos disfrutar en directo de Cosmic Birds en Madrid. Será a las 21.30 en la Sala Taboo, acompañados por Ganges, una de las bandas revelación de 2017. Las entradas anticipadas están disponibles en Wegow por 7€ y 10€ en taquilla.
Durante los días 9 y 10 de diciembre, ha tenido lugar el Intro Music Festival en Valladolid. 5.000 personas procedentes de todo España asistieron a los conciertos organizados por Artistik Produciones con la dirección artistica del cómico Dani Martínez y enclavado dentro de la XXIII Edición del Valladolindie – El festival más largo del mundo.
La noche del viernes, el protagonista indiscutible fue Iván Ferreiro. El gallego convocó a una multitud que prácticamente lleno el recinto de la Feria de Muestras de Valladolid para disfrutar en directo de su último disco, Casa. Camiseta azul, vaqueros, unas veces gafas de pasta negra, otras no, y ese pelo enmarañado tan inherente a él como su propia e inconfundible voz, Iván Ferreiro se mueve en el escenario con la destreza que dan los años. Sobre ese mismo escenario, una banda conformada por nombre tan destacados de la escena musical española como Amaro Ferreiro (guitarra, parte y mitad del proyecto) o Ricky Falkner (bajista y productor del disco) aportó a las canciones de Iván Ferreiro un matiz especial, si bien es cierto que tanto el teclados apenas se oían. Mención aparte merece la destreza de Emilio Saiz (Nothing Places) con la guitarra.
Casa era el proyecto que presentaba a los asistentes al Intro Music Festival en Valladolid, y del cual sonaron temas tan poderosos como “El pensamiento circular” o “Dies Irae”, pero Iván Ferreiro es un hombre que peina canas y mientras estas se multiplicaban en su melena, el iba obsequiando con canciones a sus seguidores, temas tan increíbles como “Pájaro azul”, “El viaje de Chihiro”,”El dormilón” o “Como conocí a vuestra madre”. Aunque, sin duda, las más coreadas por el público fueron “Años 80” y “Promesas que no valen nada” que fundió con la carismática “Insurrección” de El Último de la Fila. El colofón de un concierto casi perfecto, comenzó con una versión de la bella “Diecinueve” de Maga para despedirse por fin del público del Intro Music Festival con “Turnedo”.
Y aunque Iván Ferreiro acaparó la mayor parte de las miradas, no podemos olvidarnos de las actuaciones previas de Maga y Sexy Zebras, ni del vigoroso concierto que ofrecieron posteriormente L.A. Lluis Albert y compañía están en plena forma, como demostraron el viernes 9 de Diciembre en el Intro Music Festival en Valladolid. Aunque el concierto empezó con un sonido un poco penoso, a partir de la cuarta canción aquello mejoro hasta convertirse en la actuación más potente de la noche. Un sonido rotundo realzó temas de la banda balear como “Hands”, “Rebel” o”Crystal Clear” . Y si la actuación de L.A. fue impecable, la de Dorian dejó bastante que desear. Pese a que sus canciones están cargadas de una magia especial, su interpretación en directo es un tanto anodina. Ni los cañones de confeti activados al principio del concierto consiguieron mejorar el concierto.
Los encargados de abrir la segunda jornada de Intro Music Festival en Valladolid fueron Eladio y los Seres Queridos. Tras ellos, llegó Xoel López, dispuesto a meterse el solito al público en el bolsillo. Como si de un hombre orquesta se tratase, Xoel interpretó con pericia temas de sus dos últimos trabajos, principalmente, Paramales (2015) y Atlántico (2012). Bombo en un pie, pandereta en otro, mientras los acordes brotaban de las cuerdas de su guitarra, el jugaba con su voz a través de un par de micrófonos y algún que otro pedal. “Patagonia”, “Por el viejo barrio”, “Hombre de ninguna parte”, “La gran montaña” y por supuesto “A Serea e o Mariñeiro” fueron algunos de los temas que consolidaron a Xoel López como protagonista indiscutible de la noche del sábado en el Intro Music Festival en Valladolid.
Con todo lo anterior, entendemos que Martí Perarnau confesara que eso de salir al escenario detrás de Xoel López, era una putada. Tal vez por ello, Mucho sacó su artillería pesada y ofreció un concierto redondo, donde la psicodelia de su sonido cósmico emergía de los teclados que se han convertido es sus compañeros de viaje invadiendo todos los rincones del recinto. Aunque hicieron hincapié en su último disco; Pidiendo a las puertas del infierno (2016) interpretaron también algún tema antiguo como “Grupo Revelación” o “Más feliz sin televisión”.
Los asistentes al Intro Music Festival en Valladolid acudieron ante la llamada de Love of Lesbian, abarrotando la Feria de Muestras de Valladolid mientras los catalanes iban interpretando los greatest hits de su discografía más reciente (“Huracán”, “Los seres únicos”, “I.M.T – Incapacidad Moral Transitoria” “1999”, “Club de fans de John Boy”) y Santi Balmes se iba quitando prendas hasta dejar su torso desnudo.
Y si Love Of Lesbian optó por dar protagonismo a sus últimos discos, Sidonie tiró de clásicos para conquistar al público desde el primer segundo. “Fascinado”, “Costa Azul”, “Nuestro baile del viernes” se mezclaron con otros temas más actuales de los catalanes, como “Sierra y Canadá” o “Siglo XX”. Quizás conscientes de que su sonido estaba siendo bastante malo, Sidonie intentó ganarse al público con frases como “somos el peor grupo del mundo en la mejor ciudad del mundo” o colaboraciones como la del Meister (cantante de Arizona Baby y Corizonas) y único artista local que se subió al escenario del Intro Music Festival en Valladolid.
El pasado mes de Octubre, Cosmic Birds publicaron su tercer larga duración; Melt in Trees, diez canciones tremendamente cuidadas, en las cuales han ganado protagonismo las guitarras eléctricas frente a la acústica folk que había imperado en el primer trabajo del grupo. La banda formada por David Hernández (guitarra y voz), César Fernández (teclados, coros), Fernando Delgado (bajo, coros) y Guille Aragón (batería) ha contado en la producción de Melt in Trees con Ramiro Nieto (The Right Ons, Zahara) y Martí Perarnau (Mucho, Zahara). La delicada belleza de “Melt in Trees”, la felicidad que trasmite “The Bitter Breath of Naked Sky”, la energía que desprende “Dead Fire” son razones más que suficientes para sumergirse en el nuevo disco de Cosmic Birds, pero, por si no fuesen suficientes,hemos hablado con la banda vallisoletana para que nos acerquen su nuevo trabajo.
El elemento más novedoso son las guitarras eléctricas, puesto que es la primera vez que incluimos este instrumento en nuestras canciones. A parte de eso, los teclados, además del piano, han ganado protagonismo y las baterías y bajos son más contundentes, especialmente en las canciones más representativas. El sonido de la base rítmica, además, ha ganado mucho protagonismo en la mezcla, ya que Ramiro Nieto se llevó el sonido a su terreno, dándole más protagonismo al bajo, y sobretodo a la batería.
Los coros siguen siendo uno de los elementos imprescindibles, aunque es cierto que como este disco tiene muchas más capas de sonido que los anteriores, los coros quedan más integrados, y la sonoridad de éstos es diferente a la de temas como “Ocean Rower”. No por ello han perdido protagonismo, seguimos en nuestra línea de grabar una media de diez pistas coros en cada canción.
Durante la grabación contamos con la ayuda de Martí Perarnau, que le dio el toque que estábamos buscando al sonido de las guitarras e incluso se animo a grabar varios riffs y arreglos que han hecho crecer las canciones aun más.
“Melt in trees” habla del fuego y de la muerte como una metáfora del mundo que nos rodea. El título surgió hace tiempo, y está basado en la idea de que al morir, en lugar de ser enterrado o incinerado, puedes usar tus cenizas para alimentar una semilla, y así, tus átomos pueden volver a formar parte de otro ser vivo. Es algo maravilloso. Polvo eres y en árbol te convertirás.
La temática es más compleja y diversa, el disco también habla de la soledad a pesar de estar siempre comunicados, la falta de oportunidades en un mundo en el que nos han vendido que cada uno puede ser lo que quiera, el egoísmo con el que los humanos tratamos al resto de seres vivos….
Pero lo principal es llegar a emocionar, aunque sea un poquito, con nuestra música. Hay mucha gente que nos escucha sin entender las letras, pero se sienten motivados por las armonías, las melodías o las progresiones de las canciones.
Normalmente David y César componen el germen de la canción, estrofas, estribillos, letras, melodías principales… pero es en nuestro local de ensayo donde se da forma a cada canción. Los procesos de composición de nuestras canciones son complejos, nada se deja al azar. Los arreglos y coros llegan después, pero no por eso son menos importantes, al contrario. Una vez tenemos la estructura de la canción trabajamos a conciencia las armonías y los arreglos. Así mismo, en la grabación, los coros se trabajan al final, después de las voces principales. Dedicamos muchas horas a este aspecto, intentando sacar el máximo partido a nuestras voces e intentando que empasten a la perfección con el resto de elementos. Además buscamos el timbre más adecuado en cada coro, ya que cantamos todos.
Javi y Dino, a parte de grandes técnicos de sonido, son dos buenos amigos, así que grabar con ellos facilita mucho el trabajo. Además en Dobro nos encontramos como en casa. Nos despreocupamos de la parte técnica ya que hay confianza plena en ellos. Siempre son muy sinceros con nosotros y eso es muy importante a la hora de que la interpretación sea la mejor posible.
Rams y Martí son dos referentes dentro del panorama nacional, así que vaya por delante la admiración y lo que supone trabajar y dejarte enseñar por músicos de tal nivel.
Han aportado muchas cosas, desde arreglos increíbles hasta un sonido mucho más potente y cuidado en la mezcla. Además han grabado guitarras y teclados que, siendo casi improvisados, han encajado perfectamente en nuestra filosofía compositiva más meditada y minimalista en arreglos, que no en armonías.
Hemos aprendido muchísimo trabajando con ellos, que en el fondo es de lo que se trata, de empaparse de lo que te puede aportar alguien con tanta experiencia tanto en el directo como en la producción, composición y grabación de canciones.
Creemos que tanto en Aranda de Duero como en Valladolid el público se ha sorprendido de esta nueva puesta en escena más potente y trabajada. El disco salió un par de días antes de estos dos conciertos, así que la mayoría del público aun no sabía qué se iba a encontrar. Por las reacciones y los comentarios posteriores creemos que la mayoría han quedado muy satisfechos.
Tras pasar tanto tiempo trabajando en las nuevas canciones y grabando el disco, es muy importante volver a ponerlas en perspectiva desde el punto de vista del oyente nuevo, ya que para nosotros se han vuelto muy familiares incluso antes de publicar el disco.
De momento, tras las presentaciones de Valladolid y Aranda de Duero, la próxima marca en la agenda es el 27 de Noviembre en Burgos. A partir de ahí, Madrid, Santander y alguna fecha más que aun estamos cerrando para este invierno. Nuestra intención es seguir durante 2017 presentándolo por salas y festivales.
Haciendo un popurrí de lo que estamos escuchando cada uno, os recomendamos los nuevos de Devendra Banhart y Teenage Fanclub, también el último de Radiohead, los recién estrenados discos de Hamilton Leithauser y Rostam y Kiko Sumillera, “Schmilco” de Wilco y “Diez Inviernos” de Frieda’s Still in Love.
Este sábado, 5 de Noviembre, vivimos la segunda jornada del Escenario Cuadrilátero con Zahara, Luis Brea, Fabián en Valladolid en el Laboratorio de las Artes (LAVA). Después del buen sabor de boca que nos dejaron los conciertos de Ángel Stanich, Cosmic Birds y The Levitants el pasado 22 de Octubre, la clausura de este ciclo de conciertos en el escenario organizado por Cuadrilátero Cultural fue una auténtica fiesta de la música.
La primera actuación de la noche fue la de Fabián, que se subió al Escenario Cuadrilátero acompañado por La banda del Norte. Juntos consiguieron ejecutar un concierto cuidado y bonito en el que interpretaron canciones de su último trabajo; La fe remota, publicado el año pasado y por el que ha recibido muy buenas críticas. Una de las canciones más esperadas del concierto fue “Herida y Cicatriz” como demostraron los asistentes coreando este tema.
Luis Brea subió al Escenario Cuadrilátero pasadas las diez y media de la noche y con su fórmula infalible de canciones sencillas, directas, con tintes costumbristas consiguió movilizar al público asistente que no dudó en cantar sus temas. Luis Brea y sus tres acompañantes (batería, guitarra y bajo) arrancaron con ” El Verano del Incendio“, el mismo tema que da comienzo a su último trabajo, Luis Brea y El Miedo, del cual dieron buena cuenta el sábado 5 de Noviembre en el Escenario Cuadrilátero donde sonaron “Discotecas”, “Más de Veinte” y “Mil razones”, entre otras. El colofón final de una enérgica actuación tuvo como invitada a Zahara, que acompañó a Luis Brea y su banda sobre el escenario para interpretar “Automáticamente”.
Zahara regresó de nuevo al Escenario Cuadrilátero esta vez acompañada de su superbanda formada por Martí Perarnaú (teclados), Chapo González (bajo), Ramiro Nieto (batería) y Manuel Cabezalí (guitarra). Si a la vitalidad de Zahara sobre el escenario, su hermosa voz, sus incasables bailes y esa facilidad que muestra para conectar con el público, le sumamos la ejecución perfecta de una banda compenetradísima y avezada (mención especial merece destreza que muestra con la guitarra el extraordinario Manuel Cabezalí), conseguimos un concierto impecable. Zahara comenzó su actuación con la bella “Tu me llevas”, hizo un buen repaso a su último trabajo; Santa del que sonaron temas como “Oh, Salvaje”, “Donde habitan los monstruos” , “Rey de Reyes”, intercaló alguna versión como la interpretación de “Te debo un baile” tema de Nueva Vulcano popularizado por The New Raemon, contó con la colaboración de Luis Brea para “destrozar” una de sus canciones y puso el broche final a un concierto redondo con “El Deshielo” y “Caía Libre”.
Zahara es la madrina del proyecto Cuadrilátero Cultural, por lo que no había nadie más indicado para clausurar un ciclo de conciertos que ha sido la banda sonora del otoño en Valladolid, con una apuesta clara por la música local y nacional y del que estamos esperando ya una nueva edición.
