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Entrevistamos a The Wave Pictures : ‘Se ha convertido en algo burgués comprar un disco y ponerlo en la repisa de la chimenea’


La gira de The Wave Pictures continúa en nuestro país y aprovechamos a recuperar una entrevista que hicimos a David Tattersall en verano a propósito del lanzamiento de su nuevo disco, con reflexiones para hacernos mirar y sobre todo con mucha chicha.

Larga vida a The Wave Pictures. Esta noche estarán defendiendo su último trabajo en la madrileña Sala El Sol.

  • Nuevo disco, uno largo, y la esencia del grupo permanece, ¿ha sido costoso con todo este periodo de agotamiento mental materializar un álbum doble?

En absoluto, lo que es difícil es todo lo demás en la vida. Hacer el álbum fue un gran placer. Me encantó escribirlo. Es uno de los mejores álbumes que he escrito. Me encantan los chicos, todo lo que han tocado y hecho en él ha sido genial.

Las influencias de la banda parecen intactas, pero seguramente, como todo en la vida, hay sutiles cambios que se trasladan a la composición…

  • ¿Qué os ha inspirado para hacer este nuevo disco?

Uno cambia y crece a lo largo de la vida, no hay que pensarlo, simplemente sucede. A tu música le pasa lo mismo que al resto.

  • ¿Cuáles han sido los principales obstáculos para materializar este nuevo álbum y qué ha sido lo más fácil a la hora de crearlo?

Creo que lo más difícil de ser músico es lidiar con las opiniones de los demás. Todo el mundo tiene una opinión y un consejo para ti. Es algo casi constante, que no le ocurre a la gente de otras profesiones, donde casi constantemente alguien te da un consejo injustificado o una opinión sobre lo que estás haciendo, o lo que has hecho, o lo que creen que deberías hacer. Y son muy insistentes en ello. Y todos se contradicen. Sientes que deben estar frustrados, y que realmente quieren hacer sus propias bandas, que es absolutamente lo que deberían hacer, porque entonces no me agobiarían con sus consejos y sus opiniones. Es curioso, pero desde que empecé a hacer mi música exactamente como me gusta, dejé de querer dar consejos a nadie. A veces la gente me pide consejos sobre la creación de música, lo creas o no, y yo digo “mi consejo es que aprendas a ignorar todos los consejos que vas a recibir, porque vas a recibir muchos y nunca se acaban”.

Todo el mundo y su tío tienen una opinión, que creo que deben hablar a mis espaldas, o disfruto cuando la gente escribe cosas muy abusivas sobre The Wave Pictures en Internet, porque eso siempre es divertido, Jonny las lee en la furgoneta y nos reímos mucho. Pero no hay necesidad de dar su opinión en mi cara. Son indudablemente personas que nunca han escrito una canción en su maldita vida, fíjate.

La parte más fácil fue escribirla e inventar la música y luego grabarla. No es difícil hacer música, lo que es difícil es sacar todo lo demás del maldito camino.

Hay una corriente a la que puedes acceder, pero tienes que quitar todo de en medio para poder acercarte a ella. Y si puedes despejar un poco de espacio, las canciones simplemente fluyen bloop bloop bloop. Fácil de exprimir, como un limón. Si te resulta difícil hacer música, lo estás haciendo mal. Ve y haz otra cosa. Da un paseo. Mira una película. Vuelve a ello. Se supone que debe ser fácil. Si se te hace bola, lo estás haciendo mal y vas a hacer una música terrible.

  • Últimamente preguntamos mucho sobre el consumo de música, ¿cómo creeis que está cambiando el gusto de la gente por la música en directo? ¿No tienes la sensación de que la gente no disfruta tranquilamente de un disco de principio a fin?

Lo peor es cuando el público te graba con su teléfono. Es realmente estúpido. O vas al zoo y todo el mundo está grabando a los pingüinos con sus teléfonos. ¿Para qué? ¡Qué desperdicio de cerebro! ¿Por qué no mirar al pingüino? ¿Por qué no disfrutar de la banda y del ambiente del concierto, tomar unas copas? No estés conectado todo el maldito tiempo. No tengo nada en contra de los ordenadores, son herramientas muy útiles para todo tipo de cosas, pero ¿cuándo decidió la gente que iba a estar en el ordenador todo el maldito tiempo, sin importar dónde esté o qué esté haciendo? Es algo terrible.

Ahora bien, si la gente no puede ver un concierto sin usar sus teléfonos, ¿qué maldita posibilidad hay de que puedan sentarse y escuchar un álbum hasta el final?

Es muy triste. Lo odio porque me encantan los discos en vinilo y me gusta entrar en una casa y ver la colección de discos de una persona. Fumar un poco de hierba, tomar una taza de té y poner un disco. Ahora las tiendas de discos son muy caras, se ha convertido en algo burgués comprar un disco y ponerlo en la repisa de la chimenea. Pero no era así cuando yo era más joven. Cada ciudad tenía tres o cuatro grandes tiendas de discos, y los discos eran baratos, costaban menos de 5 libras. Y los atesorabas. Todavía atesoro los discos. Eso es lo que es un disco de vinilo: un tesoro. No se supone que sea un artículo caro económicamente, pero suena y se ve hermoso. Es bueno desconectar el ordenador, apagar el teléfono y escuchar un disco. Es algo agradable.

Ahora mismo estoy escuchando a Bo Diddley en vinilo. ¡Y es bueno!

La gente puede decir: “Oh, es un viejo”, pero yo soy así desde que tenía diez años, ¡no puedo evitarlo!.

Incluso se ve gente en el cine, algo muy normal hoy en día, es alguien que no puede ver una película, en un puto cine, sin mirar su teléfono cada pocos minutos. Estoy hablando de gente adulta. Pero nos hemos vuelto como niños de 2 años mentalmente.

Y no hablemos de la política y de la forma en que Internet ha radicalizado a la gente en posiciones locas e insondables, ya sean extremas de reacción o de izquierda, sin aparentemente ningún término medio, y sin que entiendan siquiera lo primero sobre la historia de las ideas que ahora defienden con tanta pasión. Es una locura.

  • Es difícil mantenerse como banda durante tanto tiempo, ¿cómo lleva Wave Pictures el hecho de llevar más de dos décadas haciendo lo que más os gusta?

Nos encanta la música que hacemos y nos encanta hacerla. Si dejáramos de disfrutar cuando tocamos, dejaríamos de hacerlo.

Ha habido muchos momentos difíciles, muchas luchas. A pesar de todo, si disfrutas de tu música y crees en ella, puedes dejar tu ego a un lado lo suficiente como para soportar todas las cosas que tienes que soportar. Siempre que sea real cuando estés en el escenario, puedes aguantar.

Hay una razón por la que tantas bandas se separan, y por la que tanta gente deja la música. Es un modo de vida duro e inusual, y la paga es muy mala, y tus relaciones personales también pueden sufrir. Por supuesto, hay problemas en la vida, seas quien seas y hagas lo que hagas. En mi caso, todavía no me he desenamorado de la música. Mucha gente afronta el directo de forma totalmente equivocada: se limitan a hacer el mismo concierto todas las noches. Y lo hacen exactamente como lo han ensayado. Es totalmente falso, en mis ojos. Lo observo y pienso: “Sólo están haciendo lo mismo”… Tal vez el público no pueda notar la diferencia, pero yo la noto enseguida. También es aburrido para los músicos en el escenario. Esos son los músicos que abandonan. Los que se divierten en el escenario y se expresan e intentan hacer algo real, tienen la oportunidad de perdurar. No sé cómo se ha olvidado, pero el objetivo y la finalidad de la música es divertirse.

Hay un montón de ideas tontas por ahí, y esto vale para cualquier cosa que hagas en la vida, no sólo para la música: tienes que abrirte camino a través de una jungla de ideas tontas.

¿Cómo han desplegado las olas sus alas durante su carrera?

No miro hacia atrás. No hago planes ni me pongo metas. No juzgo mis cosas. No creo que lo viejo sea mejor que lo nuevo ni que lo nuevo sea mejor que lo viejo. Sé que la única manera es centrarse en lo siguiente, y en lo siguiente, y en lo siguiente. No pierdas de vista la pelota. No mires atrás y sigue avanzando.

  • The Wave Pictures, son sin duda un grupo de culto para nosotros y para muchos otros, ¿Cuáles son vuestros grupos de culto particulares?

Me encantan The Troggs, un grupo británico de los 60 totalmente infravalorado. Todo el mundo conoce Wild Thing. Pero tienen muchas otras grandes canciones. Es un grupo extraño y mágico.

Me encantan The Who. The Velvet Underground. Half Japanese. Los Meat Puppets. Los Rolling Stones. Captain Beefheart and his Magic Band. The Fall. Televisión. Wire. Guided By Voice. The Kinks. The Yardbirds. The Grateful Dead. Los Ramones. The Seeds. The Modern Lovers. The Stranglers.

Y muchos, muchos, muchos más.

El grupo puede hacer algo, con una energía colectiva, un espíritu colectivo, que el artista en solitario no puede replicar. Se trata de partes interconectadas que trabajan juntas, una cosa de energía más que una cosa intelectual.

Últimamente he estado escuchando jazz muy antiguo, de los años 20 y 30. Bix Beiderbecke. Louis Armstrong. Sidney Bechet. Django Reinhardt. Estas pequeñas bandas de jazz tenían una forma loca de tocar juntas de forma tan hermosa, con tanta energía y humor. Se necesita un tiempo para escucharlo de verdad y aprender a oírlo, y no descartarlo como música antigua. Pero una vez que la escuchas, ¡es súper bonita!

Más adelante, Muddy Waters llevó el blues folclórico del Delta del Misisipi hasta Chicago y lo electrificó. Empezó como solista, y uno realmente grande, y pasó a ser uno de los grandes directores de banda de la historia. Sus pequeños grupos, con gente como Jimmy Rodgers a la guitarra y Little Walter a la armónica, son algunos de los mejores grupos que se pueden escuchar. La forma en que tocan juntos está realmente en otro nivel. Es como la música profunda del universo, por un lado, pero por otro lado se toca con mucha ligereza, con mucho humor y sensibilidad, casi con suavidad. Lo mismo ocurre con los grupos de Howlin’ Wolf en esta época. Esos dos líderes dirigían grupos absolutamente increíbles. Howlin’ Wolf tenía un guitarrista llamado Hubert Sumlin, que es un gran héroe para mí.

  • La legión de fans en nuestro país es muy sólida, ¿cuál cree que es el secreto de su éxito en España?

¿Qué puedo decir? El país de Salvador Dalí y Pablo Picasso reconoce el genio artístico cuando lo ve.

Entrevistamos a Reme: ‘A esta industria no se viene por el dinero o la potencial fama’

El álbum debut homónimo de Reme, que toma su nombre de aquella aupair española que se mudó a Londres en los 70, está grabado entre Madrid y Londres. Cuenta con la producción de Manuel Cabezalí y Víctor Cabezuelo, y busca reflejarse en ese espejo siempre brillante a pesar del paso de las décadas.

Este disco no hubiera sido posible sin Manuel y Víctor, que nos acompañaron y nos hicieron sentir en familia desde que comenzamos la pre-producción a mediados de 2019, hasta la mezcla final de cada una de las canciones. Dany e Iain fueron los maestros en el estudio, consiguiendo que todo estuviera en orden tanto en El Lado Izquierdo, Madrid, como en Doghouse Studios, Londres, mientras que Alba nos regaló el arte de todas las portadas. A todos ellos, muchas gracias por formar un equipo con una inteligencia emocional y una ética de trabajo increíbles, que sin duda hicieron que pudiéramos disfrutar mucho más de este viaje.” – Reme

reme-entrevista-madrid-londres‘Reme’ está formado por 9 canciones en las que la banda busca unir el rock de los clásicos con sonidos contemporáneos para envolvernos en un poderoso sonido setentero que es ya marca de la casa. Hablamos con ellos tras su exitoso paso por la Sala El Sol.

 

  • 70s,glam,rock, psych… todo vuelve, hasta los pantalones de campana ¿Cómo llega Reme a tener predilección por estos sonidos?

No se sabe muy bien qué pasó entre el 65 y el 75, pero desde luego que es una década mágica para la música. Desde Beatles, juntos y separados, a Led Zeppelin, Beach Boys, Elton John, Bowie, los Stones, The Who… Nos encanta el sonido que se conseguía con la producción de aquella época. Hay veces que incluso acabamos inmersos en escuchar discos de aquella época y nos perdemos algunas de las bandas de ahora.

  • Contadnos, ¿Quiénes son Reme y cómo confluyen vuestros caminos?

Reme somos una banda formada por tres españoles y un inglés afincada en Londres. Al mudarse Dani a Londres, empieza a componer. Una de las primera decisiones que tomó con respecto a la banda fue buscar un batería. Pero la suerte quiso que, antes de ponerse a contactar a gente, Iñaki escribiera un mensaje. Albert era un amigo en común que se unió poco después. Con el trío ya en marcha, encontrar bajista fue un poco más difícil, pero en otro momento de azar, Dani encontró a Sam en un pub Hackney. Simplemente se acercó a él, le preguntó si tocaba el bajo y si quería tocar en una banda. La respuesta fue sí, y por fin se completó la banda.

  • Dos productores buenos os habéis agenciado ¿Cómo ha sido trabajar con Víctor y Manuel? ¿Qué hay del trabajo de post-producción?

Ha sido un auténtico placer trabajar con ellos dos. Dani mandó unos temas a Manu a través de un formulario en su web, y tras unos días, éste le contestó diciendo que quería trabajar en ellos. A veces estas cosas, pasan. Ambos te tratan como parte de la familia desde el primer momento y su ética de trabajo y dedicación es lo que más destacaríamos. Por eso ahora están tan liados, porque son muy buenos. Además, no sólo nos han producido el primer disco, sino que seguimos en contacto regularmente. ¡Incluso Víctor se subió a tocar con nosotros en El Sol!

  • Ecos a Bowie, a T-Rex pero también a bandas de la talla de Temples, Foxigen, Woods resuenan por este álbum homónimo ¿Cuáles son vuestras mayores influencias?

Lo has definido bien. Siempre que nos preguntan se nos hace difícil decir, pero imagino que siempre hay algo de Bowie, de Beatles, T-Rex, Elton John, McCartney… Y también nos fijamos en aquellas bandas contemporáneas que también les toman como influencia, como las que mencionas y otras como The Lemon Twigs o White Denim.

  • ¿Qué arsenal es el que respalda a Reme a nivel instrumental para forjar su particular sonido?

Iñaki y Sam son verdaderos geeks en cuanto a equipo. Iñaki lleva una Ludwig de los 70, mientras que sam tiene un Gibson del 63. Dani a veces lleva una Hofner del 64, que le compró a Víctor, por cierto. En cuanto a teclados, de momento los dos Nord que llevamos son lo más fiable, además de un viejo Roland que sigue al pie del cañón.

  • ¿Qué aprendizaje sacáis de este primer largo? ¿La fama cuesta?

El aprendizaje es que lo más importante es estar a gusto con lo que uno hace. El resto, si la suerte le acompaña y uno pone el trabajo, quizá llegue. Pero a esta industria no se viene por el dinero o la potencial fama. Hay muchísimas bandas buenísimas y una competencia brutal. Además, saltarse pasos no suele ser bueno. Estamos muy contentos con cómo ha ido nuestro primer álbum, teniendo en cuenta que se lanzó en medio de una pandemia. Todo lo bueno que venga, será bienvenido.

 

  • Tenéis base de operaciones en UK ¿es más fácil lograr vuestros objetivos musicales por allí? ¿Cómo estáis rodando por esos lares vuestras canciones?

Aquí es más fácil tocar. Hay más oportunidades para ello y más promotores montando conciertos, pero también una competencia muy grande. De momento intentamos hacernos un hueco en el este, que es donde se mueven las cosas más interesantes. Hay sitios como The Victoria en Dalston o el Jaguarshoes en Shoreditch donde nos reciben con mucho cariño siempre, y eso se agradece.

  • En abril lo disteis todo con The Flamingos Bite y the Wide Valley ¿Cómo fué compartir cartel con dos bandazas como éstas?

Ha sido una experience increíble. Aunque suene a tópico todavía miramos los vídeos y las fotos para mantenerlo todo fresco en la memoria. La recepción del público fue impresionante y superó todas nuestras expectativas para un primer concierto en España. Esperamos poder volver pronto y visitar también otras ciudades.

 

Entrevistamos a White Lies que hoy arrancan gira en Barcelona : ‘El secreto de nuestra longevidad radica en nuestra honestidad’


White Lies arrancan hoy su nueva gira por nuestro país .  Los podremos ver hoy viernes 13 de mayo de 2022 en la sala Apolo 2 de Barcelona, el domingo 15 de mayo en la sala Capitol de Santiago de Compostela, y el miércoles 18 de mayo en la sala Mon Live de Madrid.  

Hablamos con la banda a raíz del lanzamiento de su nuevo disco ‘As I Try Not To Fall Apart'( [PIAS], 2022). Su nuevo disco simplifica todo lo bueno de White Lies a lo largo de su carrera: canciones con gancho, ingenio lírico oscuro, cantos desafiantes, amplios paisajes sonoros e instrumentación dinámica.

  • En estos tiempos en los que todo cambia constantemente y todo expira, ¿Cuál es el secreto para mantenerse en el candelero durante más de 15 años?

Creo que el secreto de nuestra longevidad radica en nuestra honestidad. Nunca hemos tratado de ser otra cosa que lo que somos cuando escribimos e interpretamos nuestra música, y también entre nosotro mismos. Los estilos pueden ir y venir en la música y definitivamente podemos haber tenido nuestros altibajos en cuanto al éxito que hemos ido cosechando. Sin duda abordar lo que nos viene de la misma manera y asegurarnos de que creemos en lo que estamos haciendo es la mejor manera de tirar hacia adelante.
Está claro que tampoco nos olvidamos de nuestro pasado, adoramos nuestras composiciones más longevas al igual que adoramos a nuestros fans, y los shows siempre son y serán una manera de celebrar todo lo que hemos crecido. Es difícil imaginar una vida sin White Lies.

  • Cada vez que venís a nuestro país, sentimos que vuestra audiencia sigue creciendo. Realmente os echamos de menos en nuestra escena de “grandes festivales”, por lo que estamos encantados de que volváis a tocar en eventos como el Low Festival. ¿Cómo es vuestra relación con el público español?

Hemos realizado algunos conciertos y festivales memorables en vuestro país a lo largo de los años. Creo que nuestra relación con los fans en España es similar a la del resto de Europa, pero sin duda los espectáculos suelen ser más ruidosos y apasionados.
Esta gira se antoja extraña tanto para los fans del grupo como para nosotros, viniendo de estos tiempos pandémicos… pero a medida que avanza el tour vemos que la gente va animándose y llegamos al mismo punto de disfrute de la antigua normalidad. ¡Estamos muy emocionados de volver a España!

  •  ¿Cuáles son los principales temas con los que lidiais en este nuevo trabajo? ¿cómo ha sido el proceso compositivo?

En muchos sentidos este disco no tiene temas que sean realmente nuevos para nosotros. A menudo seguimos volviendo a los temas core de la banda a lo largo de los años; muerte, mortalidad, pérdida, angustia.
Creo que la razón por la que siempre volvemos a estos temas es que nos gusta escribir melodías que enganchen y contrastarlo con la oscuridad de las letras. Siempre queremos sentir que nuestras letras significan algo y que nuestra música en cierto modo es terapéutica, tanto para nosotros como para nuestros fans.

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  • La pandemia ha tenido un efecto devastador en muchos procesos creativos a todos los niveles ¿Cómo os ha afectado a vosotros?

Cuando empezamos a trabajar en nuestro nuevo disco, no cabe duda que fue bajo circunstancias muy adversas. Es duro cuando no puedes salir de su casa para trabajar y tuvimos que hacer un enorme ejercicio para escribir y componer por separado. Aunque parezca mentira esto era nuevo para nosotros y requirió de muchos ajustes cuando finalmente entramos al estudio.
Al final de la primera sesión decidimos que el álbum estaba aún incompleto y dedicamos otros 5 meses a escribir más material juntos y finalmente grabamos otras 6 ó 7 pistas. Finalmente salimos muy satisfechos con el trabajo realizado y podíamos permitirnos el lujo de tener bastantes canciones para elegir para este LP.
Personalmente me gusta esa mezcla que hemos logrado establecer entre los diferentes temas del álbum, hemos excavado en muchos estilos distintos musicalmente hablando.

 

  • Pop, electrónica, goth, epicidad, y esa esencia de White Lies que todos conocemos y amamos… muestra de todo ello tiene cabida en este disco.
    ¿Cuáles han sido las principales influencias durante vuestra carrera (tanto musical como extramusicalmente) y cómo han evolucionado a lo largo de los años?

No estoy seguro de poder precisar en cómo han cambiado nuestras influencias a lo largo de los años, pero lo que si podemos afirmas es que se han expandido sobremanera. 
Las primeras performances que hice, cuando era adolescente, fueron todas de música tradicional irlandesa. Creo que la naturaleza fluida de esta música y el hecho de que puedes tocarla de múltiples formas diferentes realmente me dejó una marca que aún continúa influyendo en la forma en la que
interpretamos las canciones.

Otras influencias son más obvias, nos encantan los 80 y escuchábamos mucho a bandas como Echo and the Bunnymen, Talk Talk, The Cars y Talking Heads, cuando empezábamos. Esas bandas formaron la base de nuestro sonido y aún lo siguen siendo.

Las entradas se pueden adquirir a través de doctormusic.com y entradas.com
El precio de las entradas es de 28 Euros para Barcelona y Madrid y 23 Euros para Santiago de Compostela (gastos de distribución no incluidos).

Entrevistamos a YPNOSI: “Bebemos de la nostalgia de un pasado que nunca vivimos, para transformarla con nuestra esencia en una crítica tragicomedia del contexto que nos ha tocado vivir”


YPNOSI ya tienen en la calle su primer EP.  “Devuélveme las piernas” contiene seis canciones: “Dr. Funk”“La mort del porc del trap”, “Del revés”, “Rubén”, “Winkie” “The Great Performance (Live In Studio)”. Hablamos con la banda sobre su rabiosa performance y sus ganas de comerse la escena.

  • EP recién horneado y críticas haciendo la ola a vuestros directos… ¿entramos con fuerza en la escena?

A nuestro parecer con tan solo un año tocando juntos y con toda la movida de el bicho creemos que ha ido sorprendentemente bien o quizás de la manera que debía ir gracias a dios. Nuestra propuesta artística es difícil de asimilar, algo que empieza gestándose en 2021, y que en el 2022 nace para romper todos los esquemas. Tenemos ya un poquito de publico al que le dedicamos todo nuestro amor e ímpetu. A pesar de eso, somos conscientes de que todavía hay mucho que vivir y nadie nos enseñó a conformamos con poco.

  • Ypnosi sois una formación relativamente reciente y joven a rabiar, pero sin embargo emanáis una fuerza y cultura musical que no se estila demasiado por estos lares ¿Cuál es el secreto? ¿A qué os dedicáis cuando no la estáis liando en ensayos y directos?

Somos artistas pero de otra formas: derecho, diseño industrial, producción musical e ilustración son las áreas donde empleamos nuestro afán de aprender desde el academismo y que de alguna manera u otra se ve reflejado en la banda. El secreto radica en ser una hermandad de monjes del funk cuyas plegarias se juntan para crear luz, ser una masa homogénea , y donde aunque tengamos criterios muy distintos, nuestras personalidades transmutan en los roles esenciales para la coherencia y solidez del show. La inquietud nos mueve, valga la redundancia, y en nuestro tiempo libre gozamos de la envidiosa juventud.

  • ¿En qué momento vuestra cabeza hace click y dice, juntémonos y hagamos una banda?

“Hey colega hacemos una banda? Pa que, pa que va ser? Pa hacer una matanza”.  Como cualquier adolescente pretencioso, con 15 años Matthew y Jean Paul querian hacer una banda con 80 instrumentos a lo Frank Zappa, en un ensayo piloto conocieron al clarinetista que resultó ser el cantante de Ypnosi: Fekal (Mr Vice). Más tarde apareció del bosque un batería salvaje (Leo Billy Smith) para hacer de nuestro sueño algo factible y realista con su arte, y su padre DaddyFunk AKA ShredderMaster AKA el quinto Beatle AKA Lucas Suárez que nos dió el empujón necesario para materializar la “matanza”. Nos entendimos y decidimos fusionarnos para llevar a cabo un cambio de paradigma; hacer música agénero basada en incontables referencias, bebemos de la nostalgia de un pasado que nunca vivimos,  para transformarla con nuestra esencia en una crítica tragicomedia del contexto que nos ha tocado vivir.

  • Post Pandemic Psych Funk, o vamos a divertirnos y a hacer lo que nos apetece, vamos a mezclar a The Hives con los RHCP y meterles a fermentar en la yogurtera con unos Ramones de pedo en la efervescencia de la Motown. ¿Influencias musicales y no musicales que han hecho mella en el sonido de los Ypnosi?

Todos consumimos música en su totalidad, aunque parezca tópico no queremos encasillarnos, y nos parece fabuloso como nos han catalogado a veces, “rock potingue” por ejemplo. En los temas fusionamos inconscientemente estilos y tendencias del pasado y del presente para crear nuestra vision del futuro. Partimos de un lienzo en blanco en el que cada uno va aportando pinceladas con brochas y colores muy distintos pero que juntas se armonizan creando algo novedoso y fresco. Punk, Doors, show gaze, Bowie, Jaimiroquai, el tio Hendrix, Guns n fucking roses, grunge, surfer rosa, expresionismo, constructivismo, dadaísmo, futurismo, @sinvaropapotero, Gaudí, progresivo y psicodélico, brit pop, funky as fuet, gipsy jazz y bebop, buena vista social club, I hate models, jimbojambojambini, movida madrileña, rock argentino, Montserrat Caballé y Pavarotti; cualquier chaval snob te diría Bukowski pero nosotros decimos Mercè Rodoreda.

  • Seis temas son suficientes para hacerse notar ¿Se os han quedado temas en la guantera para una pronta próxima entrega? ¿Cómo fue el proceso de composición y qué anécdotas nos podéis comentar de la grabación?

Pfff, si tu supieras, ¡Ésto no ha hecho más que empezar! El día que grabamos se nos coló en el estudio un jabalí y nos ayudo a que todo quedara bien. Decir también que se ha grabado en tres estudios diferentes y montado a lo Frankenstein entre Spain e Inglaterra.

  • Después de escuchar Winkie no sé si atreverme a preguntar si tenéis mascotas ¿las tenéis?

De hecho sí, Leo y DaddyFunk tienen un adorable caniche que se llama Chiwie, Vice tenia una perrita yayita que murió en la navidad de 2021, descanse en paz, y ahora tiene un cacharrito electrónico de tres meses mezcla de labrador y raza desconocida que se llama Lucky, gatos salvajes y un loro. Tenemos un perro ladrador y a veces mordedor llamado El Ortega. Matthew tiene un criadero de gallinas en su residencia Cal Lefario. ¡Un puto zoo ya véis!.

  • ¿Cuándo fue la última vez que acabasteis pidiendo que os devolvieran las piernas?

En un rescate marítimo nocturno con balsa de remos, en un pipican, al coger un avión, y hay otros que todavía las siguen buscando.

  • Siempre estamos atentos a las recomendaciones… ¿Qué bandas de la escena underground de BCN tenemos que tener en el radar?

Animales de Ámbito Sexual (nuestros bros in da hood), los Manueles, Alérgicas al gluten, El abuelo de un fumeta, Electric Rogers Bocacony, The Scumbags, La Chica Bomba, y sin olvidanos de las Narcisas, los Egolatras y Ferrariland and Akrapovic con sus sonidos ensordecedores.

  •  En breve hacéis combo pack con The Queers ¿cómo se presenta la velada? ¿Emocionados?

¡Pues claro! ¡Tocar en directo é pa lo que vivimos, venid a disfrutad del Show!

Entrevistamos a DAPS: ‘Siempre he visto en la experimentación e innovación de sonidos todo aquello que me hace feliz en la música, y esta mixtape no ha sido una excepción’

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DAPS es uno de los artistas más polifacéticos de la nueva hornada de nuestro país. Trap, techno, drill y UK garage conviven en el asombrario del madrileño, que en ‘Generación Nintendo’ continúa galvanizando géneros sirviéndose de nombres tan destacados en la escena como PMPShack RoseYAY, Harttins y Mike Wit. El futuro pasa por DAPS, hablamos con él ante su inminente cita el sábado en Madrid.

  • Quién es DAPS y cómo irrumpe en el panorama nacional tu proyecto?
DAPS es un chaval cercano, buenrollero y creativo. Mi proyecto como tal irrumpe con un tema con tono paródico que se hace viral hace 4 años (Lil Nobita) y le sigue otro que lo peta aún más y se llama Kids N´Drugs. Realmente esa es la base, a día de hoy creo que mi identidad dentro del panorama es muy única, haciendo de lo polifacético un estilo propio.
  • ¿Cómo de duro ha sido crecer dentro de tu ‘Generación Nintendo’?

Personalmente pienso que he sido y soy un privilegiado por tener la suerte de haber nacido en una familia donde nunca nos ha faltado de nada. Partiendo de ahí, no me sale decir que haya crecido en una realidad “dura”, porque no es así y creo que si te digo lo contrario le faltaría el respeto a muchísima gente. Sí que pienso que he podido tener trabas generacionales y culturales en cuanto a que creo que nadie me explicó realmente bien cómo iba todo esto. Al darte esa hostia de realidad y tener un determinado tipo de personalidad, supongo que caí en el consumo de drogas para evadirme de esa decepción, siendo causa y consecuencia de distintos trastornos mentales que padecí, como ansiedad y depresión.

  • Mixtape de infarto, 13 temas, directos a la yugular, combinando old-school con el sonido urbano más actual, de todo se aprende, todo vale y la galvanización de géneros se hace patente dejando claro que no te casas con nadie. ¿Cómo fue el proceso compositivo y dónde residen tus principales fuentes de inspiración?
Escribí los temas de Generación Nintendo en momentos diferentes después de sacar el primer álbum “DCLXVI”. Desde que empecé siempre he visto en la experimentación e innovación de sonidos todo aquello que me hace feliz en la música, y esta mixtape no ha sido una excepción. La llamé así porque realmente eran sonidos y temáticas diferentes que quería exponer a modo de continuación de trabajos anteriores, donde creo que se ve una mejora en muchos aspectos y se amplían las posibilidades. Se mantiene la “esencia DAPS” en una propuesta que es más estética que de trasfondo, a diferencia de DCLXVI. No sabría decirte mis fuentes de inspiración, literalmente todo me inspira porque no paro de escribir, lo hago más por vicio que por trabajo jajaja.
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  • En tu nuevo trabajo cada tema toma su propia identidad, gracias también a las diversas colaboraciones ¿cómo han ido surgiendo cada una de las producciones?
Tengo la suerte de estar rodeado de productores e ingenieros de sonido que son la creme de la creme en este país. Con ellos voy 50/50, valoro inmensamente su trabajo y nunca les corto las alas, al revés. Si a eso le sumas que casi todos son grandes amigos y el resto colegones, te sale un combo brutal. La mayoría les conozco de la esfera de Suprmode (PMP, Garabatto, Harttins, Mike Wit, Kuaigon..) y los temás han sido grandes talentos que nos conocimos de las redes o de coincidir en mi estudio.

  • ‘Apología de las drogas, como Tierno’ que canta El Coleta, ¿se transmite mejor cuando vas un poco high?
Honestamente, creo que transmitir mejor no son las palabras, al menos en mi caso. Las drogas te hacen percibirlo todo, incluso lo que tu sientes y haces, de forma diferente, que depende para qué, puede ser mejor o peor. Sí que es verdad que muchos, por no decir casi todos los temas los escribí y grabé estando high pero, sabes qué? Desde que me he quitado de los porros y las drogas en general estoy escribiendo y grabando los mejores temas de mi vida (no puedo ponerte ninguno de ejemplo porque aun no han salido jajaja) pero para mi esto fue una revelación! A parte de que obviamente, para mi salud mental también ha sido clave y he podido focalizarme en todo esto
  • De Travis Scott a Frank Ocean, de Kase. O a Bad Bunny, de Jarfaiter al sonido DAPS. ¿Crees que el hip-hop en cualquiera de sus vertientes y mutaciones está volviendo a tomar el peso que tenía en los 90’s,00’s? ¿Está la juventud hastiada de pagar los platos rotos de los que manejan el cotarro?
En cuanto a la primera pregunta, sí, puede que tenga la misma relevancia o más, aunque de una manera más estética e identitaria que como movimiento transgresor y reivindicativo, sobre todo político, que es realmente el origen del hip hop. Me da la sensación de que todas las variantes nuevas son más bien individualistas y nihilistas, lo que te habla de los intereses de las generaciones actuales, quizás por… las redes sociales? Entre otras muchas cosas. No lo sé.
En cuanto a la segunda pregunta: la respuesta siempre ha sido, es y será un sí. Y no solo la juventud, el mundo entero, en cualquier lugar y cualquier ámbito
  • Por la mixtape se destila tu gusto cinematográfico, ¿Si tuvieras que poner banda sonara a alguna película a cuál sería?
A Trainspotting o a El Indomable Will Hunting, no me preguntes por qué jajajaja
  • ¿ Cuáles son los principales cambios de DAPS entre “DCLXVI” y tu Generacion Mixtape?
Mayor madurez a nivel compositivo, sobre todo en aspectos técnicos. También lo que he mencionado anteriormente, de una mayor importancia estética y no tanta incidencia en la profundidad del mensaje
  • ¿Cómo llevas tus temas al directo y cómo logras conectar con el público en tus live sets?
Regla número 1: PLAYBACK JAMÁS. Partiendo de aquí, simplemente trato de ser yo mismo y disfrutar, aunque todavía tengo muchísimo que aprender ya que he dado un total de 5 conciertos nada más.
  • El 1 de abril toca presentación en la Sala Independance ¿Qué podemos esperar de este show? ¿hay ganas?

Espero que se vea a un DAPS más maduro y seguro sobre el escenario que trate de elevar la energía positiva de la sala al máximo que de, como siempre he intentado. La respuesta será cojonuda porque mi público es la hostia y hace que todo sea más fácil, corresponden mi pasión con más pasión así que va a ser un día brutal.

1 Abr 2022 · MADRID · Independance Club – Entradas

Hablamos con Anabel Lee: “Anabel Lee es para apretar los dientes, pero también para quererse”


Anabel-Lee_Brit_2020_Elena-Pastor_DSC01613Saliva, urgencia y empujones. Anabel Lee, del verbo leer, son cuatro amigos de Tarrasa (Borja, Víctor, Perdi y Jordi) que se dicen animales de directo y que han venido a pasárselo bien y a sacudir las cosas.

Antes de que presenten en Madrid su primer EP, el 6 de septiembre en Tomavistas Extra, hablamos con ellos sobre el confinamiento, Pepa Flores y rabia contenida.

“Somos una banda de escupitajo” es una presentación bastante gráfica y directa. Aun así, ¿podéis explicar un poco más qué es lo que hace Anabel Lee?

Lo describimos como un punk-pop pegajoso con mucha inmediatez, esto es, unas letras directas acompañadas de melodías demoledoras, pero muy bailables e incluso románticas. Distorsiones, riffs que taladran el subconsciente y un bajo y una batería que te golpean en el pecho y no te permiten bajar el ritmo. Es donde nos sentimos cómodos y por eso decimos que somos una banda de escupitajo, pero también de codazos en la pista, saltar y bailar. Anabel Lee es para apretar los dientes, pero también para quererse. Nos encanta que nuestras canciones puedan ser coreadas en los directos, que se noten nuestras influencias del punk y la esencia do it yourself que nos caracteriza.

Decís también que vuestra intención al juntaros es pasarlo bien. ¿Creéis que es una aspiración que puede haber quedado un poco atrás, en un segundo plano, en otras formaciones recientes?

Lo pasamos tan bien en cualquier situación que nos parece imposible que pueda ser de otra manera. Disfrutamos de lo que hacemos y cualquier interacción con el público nos fascina, estamos ahí para ellos. Somos seres humanos y hay días mejores y días peores: no vivimos en un mundo de fantasía. Pero, precisamente, la música es nuestra manera de evadirnos de la mierda diaria. Nos parecería antinatural que en otras bandas actuales esto haya quedado como una cuestión menor. Quizás es una concepción demasiado naif, pero nos negamos a creer que algún día haremos esto solo por el business, o por alimentar nuestros egos, yo qué se. Lo hemos visto desde abajo del escenario, bandas que parece que suben al escenario por compromiso, que te miran y parece que te están haciendo un favor… Cuando el que ha comprado la entrada eres tú. O músicos que parece que se deben algo entre ellos y ni se miran en todo el concierto. Hay peña que confunde tener actitud con ser un imbécil.

Si no he entendido mal, vuestro primer trabajo va a estar formado por canciones propias. Entonces, ¿por qué presentaros con versiones? ¿Cómo surgió la idea?

Pues fue el confinamiento por el coronavirus destruyendo todos nuestros planes, sumado a nuestra hiperactividad creativa. Teníamos cerradas las fechas de grabación con Carlos Hernández para nuestro primer EP y no iba a poder ser. Como tantos otros, llegamos a un punto en el que no nos podíamos permitir estar parados. Le planteamos a Artica (su agencia de management) grabar en nuestras casas una cover de una canción de Los Planetas. También le pedimos consejo a Carlos sobre la grabación, pero aún no teníamos la confianza para ofrecerle producírnosla. Lo que no sabíamos era que Carlos y Artica ya habían hablado entre ellos y querían retarnos: realizar tres versiones en lugar de una, de artistas de nuestra elección, y Carlos se encargaría de la producción a distancia.

https://youtu.be/UwbTEVqoTfo

Decidisteis enseñar la patita versinando el tema ‘Comprada’, de Pepa Flores. ¿Qué os llamó la atención de él?

La irreverencia del disco al que pertenece la canción original, “Galería de perpetuas”. Lo relativamente desconocida que es la canción. También la lucha de Pepa Flores. Si algo tenemos claro es nuestro inconformismo con muchos aspectos de la sociedad actual. Ciertas cosas no funcionan. Entre ellas, una concepción errónea de lo que nos han contado sobre la masculinidad y la virilidad, que hemos arrastrado durante generaciones y es absolutamente tóxica e injusta. Primero con las mujeres, pero también con nosotros mismos: nos impide crecer. ‘Comprada’ es un grito desgarrador en 1979 y continúa siéndolo en pleno 2020. El problema está muy claro, y nosotros somos cuatro pringados que no cambiaremos nada por nuestra cuenta, pero sí podemos gritar cuatro o cinco verdades y agitar conciencias.

Después, habéis presentado una versión del ‘Enchochado de ti’ de Don Patricio. ¿Y ese giro?

Había dudas. Creíamos que cuando versionas a un artista te estás vinculando con todo lo que es y hace ese artista, o estás diciendo que esa canción te identifica como banda. Esto no significa que tengamos algún problema con Don Patricio, para nada. Es solo que queríamos estar muy seguros de lo que estábamos haciendo y no confundir a la gente que nos sigue. Y así fue como la realidad nos golpeó en la cara: aprendimos que la música trasciende al artista y vive en el imaginario colectivo. No entiende de etiquetas, y si la concebimos de una manera tan hermética nos estaremos perdiendo cosas súper interesantes. Por ejemplo, vimos súper claro que podíamos subir el tempo, meterle nuestro guitarrazos y reimaginar la letra para continuar hablando de nuestras movidas, y ahora es de nuestras canciones favoritas.

Habéis creado vosotros mismos los vídeos que acompañan ambas canciones. ¿Qué buscabais con cada uno de ellos?

En Anabel Lee somos dos realizadores de videoclips, Perdi (bajista) y Víctor (vocalista y letrista). Tenemos estilos distintos, pero, a la vez, parecidos. Vimos que esto se podía aprovechar en las dos versiones y, por eso, dirigimos uno cada uno. Con ‘Comprada’ quisimos agitar conciencias y ser fieles al mensaje de la letra original, sin pasarnos de crudeza. Buscábamos remover, pero no incomodar de manera forzada. Con ‘Enchochado de ti’ buscábamos otro tipo de crudeza: la de confinar a cuatro chavales jóvener que estaban a punto de cumplir un sueño. No nos podíamos ver, pero estábamos todo el día llamándonos y al final era como estar en la misma habitación. No podíamos liarla juntos en la realidad y Perdi nos dibujó en una habitación. El resultado no está muy lejos de cómo nos comportamos en la realidad.

Sus portadas también me han parecido muy buenas. ¿Son obra vuestra?

Son obra del artista Albert Tercero. Nosotros no podemos parar de maquinar y crear contenido, pero queremos abrirnos y comenzar a trabajar con otros artistas. El estilo de Albert nos define mucho. Os recomendamos que chequeéis sus trabajos en Instagram. Nos pusimos en contacto con él y comenzaron a surgir ideas súper punks para reinterpretar las canciones originales. Estamos preparando más cosas juntos.

https://youtu.be/yiw1muxFJrU

La siguiente versión que lanzaréis será de un tema de Los Planetas, ¿cuál de las tres os ha resultado más compleja u os ha costado más adaptar?

Creemos que las tres han sido complejas. ‘Comprada’ por ser una canción con tanta carga social y de Pepa Flores, a quien respetamos muchísimo. Por eso, decidimos no alterar la letra original a no ser que fuera cien por cien necesario. ‘Enchochado de ti’ también fue un reto, porque creíamos equivocadamente que podríamos estar metiéndonos en algo que no tenía mucho que ver con nosotros y podríamos confundir a la gente que nos sigue. Con la versión de Los Planetas el reto era doble, porque, si vas a adaptarlos, tienes que hacerlo muy bien o mejor no hacerlo, y por estar trabajando con Carlos Hernández (productor original de la canción). Los Planetas es uno de los muchos referentes de Anabel Lee, pero fue mucho más difícil de lo que sospechábamos. Es la versión más parecida a la original de las tres.

¿Qué podemos esperar de vuestro primer EP?

Crudeza, inmediatez, canciones muy bailables y coreables. También bastante rabia contenida. Inconformismo. Unos bajos demoledores. Unos riffs incisivos. Vais a notar que somos una banda nacida para el directo.

Es un disco que nos va a resumir muy bien. No vamos del palo, no queremos resultar súper complejos y profundos. Tampoco pretendemos grandes ambiciones. Acabamos de llegar y queremos hacer música, pasarlo bien y vomitar nuestra rabia, y, si a la gente le gusta lo que hemos hecho, vamos a ser muy felices. Pero avisamos: tenemos mucho que decir. Queremos agitar un poco las cosas.

Lo presentaréis el domingo 6 de septiembre en Tomavistas Extra, una cita en el Parque Enrique Tierno Galván, en Madrid, en la que estaréis con Los Punsetes. ¿Qué le diríais a alguien que está dudando si ir para convencerle de que lo haga?

Que son Los Punsetes en una noche de verano en el parque Tierno Galván y en un pedazo de festival como es el Tomavistas Extra, con una organización brutal que está teniendo en cuenta todas las medidas sanitarias. Porque ya nos merecemos ver conciertos y ayudar a construir esta nueva normalidad, que no es tan fiera como la pintan. Y, como plus, podréis ver nuestro directo y escuchar en primicia nuestras canciones. Todo son ventajas.

Por último, ¿hay algún artista que estéis escuchando más últimamente o que queráis recomendar?

Seguimos con los habituales The Jam, Buzzcoks, Anti-Flag, Biznaga, Idles o Joy Division. Últimamente estamos redescubriendo trabajos anteriores de Triángulo de Amor Bizarro y escuchando a Viva Belgrado, The Spitfires, Taifa Yallah, Juniper Moon… Los últimos viajes en coche nos ha dado fuerte con el “Meteora” de Linkin Park y el “American Idiot” de Green Day.

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Hablamos con Sioqué: “A veces se llega a obviar lo que se tiene siempre delante”


1.Metal fundido para los meses fríos. Eso son Sioqué. Pero claro, es que vienen de Burgos. Marina López (voz y guitarra), Álvaro Guinea (batería), Martín Queija (bajo) y Cristian Barquín (guitarra) son los responsables de “Singular”, un disco que no llega al mes de vida y que está hecho de guitarras sinuosas y de chasquear la lengua contra el cielo de la boca. Seguir leyendo Hablamos con Sioqué: “A veces se llega a obviar lo que se tiene siempre delante”

Entrevistamos a Colectivo da Silva: “Somos nostálgicos pero siempre mirando hacia delante”

Un universo colorista y dinámico, enfrascado en la belleza de lo absurdo. Lo más nuevo de la nueva ola. Vienen de sacar a la luz su primer álbum, Vacaciones, y llegan acompañados de un sonido tan fresco y desenfadado como lo genuino de su estética.

Suenan a la nostalgia pasada por agua de un verano eterno, atemporal. Una sugerente caricatura de la psicodelia que agita nuestra mente y pocas veces sale a relucir. El hipnótico retrato de la distorsión que ejercemos sobre la vida. Una explosión sensorial, liviana pero caótica, envuelta en el surrealismo y la incongruencia. En su suavidad, éxtasis. Diversión. Calma. Y vuelta a empezar. 

Su insólita travesía veraniega va en camino de consolidarlos como icono de la emergente posmodernidad. Siete chicos que solo juegan a jugar, sin pretender, sin querer convencer a nadie.

Nos reunimos con Víctor Ruiz, Carlos Jiménez, Andrés Cándido, Pablo Fernández y Alberto Valero, para que nos cuenten más acerca de sus “vacaciones”.

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Escribe María Rozados Balboa.

“Somos nostálgicos pero siempre mirando hacia delante”

 

¿Qué ha supuesto para vosotros la llegada de este nuevo -y primer- álbum? ¿Creéis que su publicación os va a consolidar dentro de una línea más definida o preferís manteneros al margen de etiquetas?

C: Pues nuestro disco es más que nada una carta de presentación al mundo, y eso es lo que esperamos conseguir con él. No queremos quedarnos en algo muy underground, queremos que España nos conozca. Y no, en cuanto a etiquetas, no nos gusta encasillarnos.

P: La idea es siempre avanzar. Si sacas un disco que suene “x”, lo suyo es que el siguiente no suene tanto a “x”. La clave es que haya variedad.

V: Han sido canciones realmente eso, muy variadas. No se sigue una línea de pop oscuro, pero tampoco una más electrónica. Es un disco variado, como el proceso de composición en sí mismo ha sugerido que lo sea.

 

¿Creéis que la industria musical en España ahora mismo está tendiendo demasiado a la bipolarización, a encasillarse y definirse en exceso?

V: Justo diría que de dos años hacia aquí viene produciéndose una ruptura con este modelo más tradicional de etiquetas. Hoy se tiende muchísimo más a la diversificación, a lo ecléctico. Todo el mundo puede escuchar de todo y cualquier persona puede involucrarse en cualquier género. Se ha creado un público súper diverso.

Entonces… ¿No creéis que haya fijado un perfil de vuestro oyente arquetípico?

C: Lo que queremos pensar es que podemos englobar a todo tipo de público. En el disco hay de todo: desde canciones divertidas -muy frescas y con mucho ritmo-, a otras más sensibles, más lentas y oscuras…

 

¿La primera palabra que se os viene a la mente a la hora de definir vuestra música?

V: Definirlo en una palabra es imposible, porque somos muchos. Es un proyecto complejo, y a nivel teórico resulta difícil resumirlo.

P: Es como demasiada emoción. Diría que pastiche, ¿no?

Andrés: Sí. O dinamismo. Al haber tantos sonidos y tan diversos, nuestro trabajo es bastante dinámico… 

C: Yo diría “sorprendente”, pero no en el sentido de “increíble”, sino que sorprende como tal. El disco empieza con Marina d’Or, y luego te encuentras a un tío haciendo trap que canta con autotune. Es un álbum que no aburre. Cada canción es distinta de la anterior, cada canción es de su padre y de su madre.

¿Cuáles son los artistas que más os han influido en vuestro estilo musical? ¿Qué nombres se os vienen a la mente?

P: Muchísimos. Desde los Beatles, pasando por Camarón… Hasta Dellafuente o Yung Beef. Es lo bueno que tenemos, que escuchamos de todo.

¿Os consideráis nostálgicos?

V: Sí. Somos muy de los 60, de los 70, de los 80… Y de los 90, ¿por qué no? Pero sobre todo muy de los 2000. Yo creo que somos nostálgicos en cuanto a la sensibilidad. Pero a la hora de manifestarlo, siempre miramos hacia delante. Cogemos ciertas referencias y las utilizamos, las mostramos… Pero le añadimos un punto actual.

 

¿Qué me decís del circuito del “moderneo” que se ha ido consolidando en los últimos años? ¿Os sentís parte de él?

C: Dentro de la tribu “urbana”, sí podríamos enmarcarnos.

V: Moderneo a tope.

C: En el rollo del moderneo, sí, pero tampoco como algo exclusivo.

V: No somos indie. Eso está claro (Risas)

C: Está claro lo que no somos…

https://www.youtube.com/watch?v=aar4uFlk6Ec

¿Qué es, para vosotros, lo más duro del mundo de la música?

C: Las altas, las facturas… Y el dinero. El no recibir dinero.

P: Sobre todo el que no se burlen de ti.

Todos: Y los zulos. Los zulos de Lavapiés (Risas)

 

¿Y lo más gratificante?

V: El sentir que estás con tus amigos haciendo un proyecto artístico, y que la gente lo entiende. 

Alberto: Sí, eso es súper gratificante. El estar todos reunidos, que se nos ocurra una idea súper loca y llevarla a cabo. Y, sobre todo, ver que el público se emociona con eso. Es genial.

 

¿Creéis que hoy en día el artista joven tiene muchas trabas a la hora de emprender su carrera? ¿Véis difícil progresar lejos de los “núcleos duros” de Madrid y Barcelona?

P: Tienes que saber moverte, porque al final buena música hay en todos lados. O bien tener ciertos contactos, o bien sonar distinto, o bien caer en el momento idóneo… Y en el lugar idóneo.

V: Pero sí que es verdad que, al ser de Granada, nuestra situación es distinta. Y creo que precisamente por eso se nos ha hecho tanto caso. Si estuviésemos en Madrid hubiésemos pasado más desapercibidos. Lo nuestro ha sido como “la nueva banda de Granada”, “vamos a llevarla a Madrid”.

 

¿Cómo veis el papel de la mujer en la industria? ¿Creéis que aún hay muchas dificultades? ¿Está relegado a un segundo plano?

C: Yo creo que no. Cada vez hay más grupos de chicas y lo petan. Por ejemplo, las Cariño. Me parece algo increíble.

P: Y ya no solo como artistas, sino en el mundo del “booking”.

C: Sí, por ejemplo, en nuestra discográfica. El booking nos lo lleva una chica, la prensa nos la lleva una chica… Y son todas estupendas, las queremos un montón. Estamos rodeados de chicas que lo hacen todo genial.

 

¿Hay alguna artista o grupo femenino con el que os haría especial ilusión colaborar?

Andrés: Cariño, Yana Zafiro… Son gente súper interesante y con una música muy fresca.

 

¿Algo que rechacéis como artistas? Un “por ahí no paso”, o al menos directamente…

C: Un anuncio de Vox. (Risas

V: No me gustaría que la gente nos viese como un grupo que lleva su discurso de una manera muy forzada o insegura. Creo que eso es lo que más miedo me da. 

 

¿Creéis que aún hay prejuicios con el pop?

P: Con el indie, más bien. Ahora mismo todos asociamos el indie a un circuito concreto de grupos que, además, es minúsculo… Por ejemplo, esta ola de los 2000. El indie mainstream, digamos. Y, en cambio, la idea original de “indie” era la de algo independiente, alternativo. Puede ser tanto una banda de metal como un artista de lo más urbano.

 

¿Creéis que es importante moverse por ciertos ambientes y frecuentar ciertos locales para profundizar en la música como tal?

V: Totalmente. Hay muchas personas que no van a los bares, que no van a los conciertos, ni a eventos relacionados con otro tipo de arte. Realmente, no consumen música. Se quedan en Spotify Premium y ya está. Y es un poco sospechoso porque te preguntas, ¿cómo estás hablando de esto sin moverte por donde tienes que moverte? Es cuestión de adentrarse ahí, en el hábitat natural.

 

Vosotros habéis reiterado que os consideráis frikis. ¿Qué es lo más “friki” que hay en vuestras vidas?

C: Bueno… Sacamos a un tío verde en los conciertos.

V: Yo creo que con “friki” nos referimos a algo complejo. La idea es coger ese “frikismo” en su complejidad, lavarlo con lejía y que la gente pueda llegar a entenderlo. Que sea lo suficientemente atractivo como para que quieran entenderlo.

C: Sí. Nuestro discurso tiene muchas capas, y ahí es donde reside lo “friki”. En intentar degradar toda esa información que hemos generado y asumirla.

 

¿Cómo operáis en vuestro proceso creativo? ¿Funcionáis como colectividad -como dice vuestro nombre- o es algo más individual?

Andrés: Es democrático todo.

C: Sí, de hecho, estamos divididos en dos equipos, que son el equipo creativo musical y el equipo creativo no musical. El segundo se orienta más a las RRPP, a la estética y diseño de la portada. Los del equipo creativo musical somos los que dedicamos un poco más de tiempo al apartado de la música, pero al final las canciones se acaban haciendo entre los siete.

P: Es lo que dice Andrés. No es algo excluyente nunca.

 

¿Lo vuestro va de rachas de inspiración o de trabajo duro y constante?

P: Bajo presión, siempre. Cuanto más relajados estamos, menos inspiración tenemos.

Andrés: Pero siempre estamos en el local, trabajando, ensayando, creando…

 

¿Y alguna tradición?

V: My Combo. Es sagrado.

C: Cuando entramos a Madrid, ponemos siempre Saraluna de Melendi.

 

¿Creéis que el modelo físico de reproducción de música va a terminar por desaparecer en beneficio de las plataformas digitales? ¿O son formatos compatibles?

P: Yo creo que el proceso de reproducción ya ha cambiado. Tú antes comprabas un disco o un vinilo a ciegas. Ahora lo consumes primero en digital y, si te gusta, te pillas el físico.

Andrés: Creo que es más como un objeto de “fetiche”, por el romanticismo de tenerlo en físico. Algo orientado a fans y coleccionistas.

V: Por eso las ediciones serán cada vez más bonitas, e igual más caras… Pero los fans lo seguirán comprando.

 

Vosotros surgisteis un poco por casualidad. ¿Creéis que esta casualidad -o llamémoslo azar- es un elemento importante en vuestra identidad creativa?

P: Si te refieres a que algunas ideas han salido totalmente azarosas… Sí.

C: Muchas veces no es tanto como se ve. Nosotros hacemos lo que nos gusta y, si eso resulta que sale guay, pues genial. Jugamos con una cierta espontaneidad, pero siempre dentro del margen del esfuerzo que ponemos en lo que hacemos. Pero sí es cierto que, en la música, el azar juega un papel importante. De hecho, la primera vez que vinimos a Madrid coincidió que el jefe de la discográfica nos vio, le encantamos… Y acabamos fichando por ellos. 

V: Sí. Aunque creo que nosotros somos bastante autoconscientes del trabajo que estamos haciendo y a dónde queremos ir. Siempre estamos pensando lo que somos, lo que seremos y lo que queremos dejar de ser. 

Alberto: Siempre desde la visión global del proyecto. Dónde estamos, hacia dónde nos dirigimos… Es en ese ambiente creativo donde van surgiendo cosas.

 

¿Creéis que vuestros orígenes -la ciudad de Granada y todo lo que encierra- han definido vuestra trayectoria musical?

P: Es algo que inevitablemente está en tu cabeza. Por ejemplo, yo llevo escuchando a Lori Meyers desde hace un montón de tiempo. Y aunque no sea algo en lo que yo me inspire para componer, su melodía y sus estructuras me influyen inconscientemente.

V: Sí, y las referencias han cambiado mucho desde que empezamos hasta ahora.

 

¿Creéis que, como artistas, os construís un personaje para mantener la distancia con el público, o preferís mostraros tal y como sois?

P: Lo suyo sería ser bastante fiel a tu personaje. Eso es algo que nosotros nos curramos bastante… Nos presentamos como niños buenos.

V: Nos gusta la exposición.

Andrés: El conocer a los personajes da más coherencia al discurso que estamos contando. Lo hace más compacto, más real.

 

Entonces… ¿Creéis que vuestra imagen en RRSS es sincera y natural?

C: Sincera.

Alberto: Siempre le imprimimos un poco de fantasía, pero porque hablamos de un proyecto artístico. Si no hay fantasía…

P: También somos muy fantasía nosotros…

V: Hay que crear el suficiente interés como para que la gente quiera estar ahí y para que, una vez que está, se quede.

 

Vosotros, y muchos otros artistas de esta última ola estáis rompiendo bastante con la convicción de que detrás de la música tiene que haber un significado profundo y complejo. ¿Sois de la opinión de que la música debe ser algo libre y no necesariamente complicado?

P: Creo que ambas cosas son importantes. La música al final es transmitir.

V: Nos gusta mucho entender nuestro proyecto como un producto único. Hay muchos departamentos que tienen que estar en coherencia uno con otro.

Andrés: Al final la música nos sale como nos sale. No forzamos nada. Hablamos de lo que sabemos, y como sabemos.

El Milagro de Viva Suecia: “En el disco no hay nada escondido, ni medias tintas”

El jueves nos acercamos a las oficinas de Subterfuge en Chueca, para charlar con los integrantes de Viva Suecia, Jess Fabrik (bajista) y Fernando Campillo (batería).

Un lugar atestado de recuerdos, impregnado de la ternura de la duda y el error. De voces que guardan cada rincón; del candor de la hora que avanza, y arrastra nuevos despertares; el sinsabor que se consume y arde en misterios. La música.

Todo ello cabía entre cuatro paredes, hasta arriba de las piezas de una identidad comunal y perfecta. Cuatro paredes que arropaban la incendiaria vacilación del que busca respuestas. 

Allí estábamos, y allí estaban.

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Escriben María Rozados y Sara Martínez.


¿Cómo recordáis vuestros orígenes? ¿Creéis que existen, a día de hoy, muchas trabas para el artista joven en España?

J: Yo creo que lo recordamos con cariño y con muchas ganas de trabajar. No hace tanto tiempo de esto, tampoco. Nosotros queríamos montar una banda por hacer las canciones que nos gustaban o que nos hubiera gustado escuchar en otras bandas. Lo cierto es que no había ninguna pretensión. Sobre si encontramos muchas dificultades… Todo lo contrario. En cuanto quisimos grabar, grabamos a los pocos meses. En cambio, antes, cuando yo tuve mi primer grupo con quince años, era muy difícil grabar un disco… Tenías que grabar tu maqueta, y si querías que alguien escuchase tus canciones había que dárselas en una cinta o CD.

F: Bueno, le echamos valor, ¿no? Pusimos un poco de dinero para el primer disco, y a partir de ahí… Surgió la magia.

Os hemos visto ya todos en La Resistencia… ¿Creéis que un fenómeno mediático como este os va a afectar, o pensáis que vuestros fans son ya fans consolidados?

F: Nos ha venido muy bien, la verdad. Siempre es un empujón importante, porque es un programa que ve mucha gente y llega a un gran público.

J: A ver, La Resistencia es un programa jet. No habían pasado ni 24 horas, y ya teníamos 250.000 reproducciones en YouTube. No significa que 250.000 personas se queden con tu nombre y escuchen tu música, pero evidentemente es positivo. Seguramente muchos de ellos te descubran, y les dé la curiosidad de entrar en tu Spotify. Algunos se quedarán, y para otros pasaremos sin pena ni gloria. Pero es así.

F: Y en Instagram también hemos visto que entre hoy y ayer han subido los seguidores un disparate.

¿Cuál fue el primer artista o grupo al que seguisteis como fans?

F: Puede que Nirvana fuese el primer grupo que me impactó y al que empecé a seguir como tal. Me marcó bastante.

J: A mí me llegó después. Fue Peter Hook, de New Order y antes Joy Division, el que me hizo perder un poco la cabeza con la música y el bajo.

¿Qué grupos de actualidad os inspiran dentro de la escena nacional? ¿Y fuera de España? ¿Algún nombre femenino a subrayar?

J: Pues sí. Yo soy bastante de escuchar voces femeninas, sobre todo en inglés. En España… Joder, acabamos de estar con Amaral. Y es una crack. No sabemos ni cómo definirla. Y está Zahara, está Anni B Sweet… Cuando Zahara sacó su disco, cuando Anni sacó disco, lo escuchas y dices “hostia, qué bonito”, y coges ideas. Hay un montón de artistas femeninas que tienen ideas increíbles. Maika Makovski, por ejemplo. Cuando empezamos con el grupo, Alberto y yo éramos unos auténticos flipados de lo que hacía. Somos bastante melómanos en este aspecto, e intentamos no separar en cuanto a este criterio. Al final es música, y no tienes que distinguir si estás escuchando un género u otro, aunque inevitablemente, al final, cada uno tiene sus preferencias.

F: El grupo favorito de mi vida ha sido The Cranberries, así que… O’ Riordan era bestial.

¿Cómo véis el mundo de la música en términos de desigualdad? ¿Creeis que la industria musical es una industria sexista?

J: No es solo en el mundo de la música. Es la sociedad en general. Nos queda todavía muchísimo camino por hacer. Sería bastante hipócrita por nuestra parte decir que no tenemos nada de machismo. Nos hemos educado en una cultura machista, tanto nosotros como supongo que vosotras. Y de momento nos va a costar muchísimo barrerlo todo y empezar a construir una sociedad igualitaria. Respecto a la música, la situación está mejorando un montón, pero aún queda mucho por hacer porque… Joder, es la sociedad en la que vivimos. Pero está mejorando mucho.

F: Sí. Hay más iniciativas.

J: Sí que se ha notado una cosa muy importante, y es que en la música -y no hablo de los escenarios, sino de la parte de atrás- hay muchísimas mujeres trabajando, y creemos que funciona muchísimo mejor desde entonces. 

F: Y lo podemos decir. Aquí en nuestra oficina trabajan tres chicas con nosotros, y sin ellas no seríamos nadie. 

J: Queda muchísimo por hacer, pero tenemos la fe de que seguramente llegarán cambios y cada vez habrá más mujeres sobre los escenarios.

¿Hay algún cliché que intentéis derribar con vuestra música?

J: Hay algo en lo que siempre hacemos mucho hincapié, sobre todo cuando se intenta etiquetar la música. Al final es necesario etiquetarla porque hay tantos estilos y es tan fácil cruzar la línea de uno a otro… Pero sí que es verdad que hay una cosa en la que incidimos cuando nos preguntan, y es si somos una banda de rock. Porque nos sentimos una banda de rock. No creo que tenga sentido etiquetar de la manera en que se está etiquetando hoy a la música alternativa.

¿La música alternativa es rock?

J: Depende de la estructura. El rock no es solo un estilo de música, es también un estilo de vida. Hay música alternativa que no tiene nada que ver con el rock, pero… Pon por ejemplo la música urbana. ¿Cuántos traperos son “estrellas de rock” y cogen las estructuras de sus canciones de ahí? ¿O la música electrónica? Hay canciones de Justice que podrían ser perfectamente temas de rock y no hay ni una guitarra eléctrica.

¿Creéis que hoy en día la industria musical está centralizada en exceso en torno a núcleos como Madrid o Barcelona? ¿Pensáis que eso limita las posibilidades de gente que viene de fuera o no tiene la posibilidad de acceder a ese mercado?

F: Yo creo que no. Te podría decir hasta lo contrario. En Murcia tenemos la facilidad de que los locales de ensayo son más baratos, la comunicación es más fácil y fluida. Quizá en Madrid, comparando, es más difícil… Por ejemplo, un local de ensayo te cuesta el triple o el cuádruple que allí. Y por eso hay grupos que no pueden avanzar.

J: Yo creo que depende de dónde vengas. Yo soy de un pueblo de Jaén, de Alcalá la Real, y salir de allí es bastante complicado. Tienes que moverte para tocar y conocer gente. Al final, el boca a boca también hace mucho. Pero no creo que sea necesario acceder a esos “núcleos”. 

De todas vuestras canciones, ¿cuál es la que más os gusta o que encierra un significado especial para vosotros? 

J: Cada uno de nosotros tiene la suya. Yo creo que la mía es “Ahora, tú”, más que nada por el significado que tiene.

F: Yo, por ejemplo, una del nuevo disco que se llama “Creo que aprendí a decir que no”. Me parece una de mis favoritas, si no la primera. 

¿Y la que menos? Alguna cuyo desarrollo no os haya terminado de convencer, que no haya ido por dónde esperabais, o haya dado un mensaje equivocado… 

J: Bueno, al principio. Mira, por ejemplo, sacamos como single “Palos y piedras”, que es una canción que nos encanta. Pensamos que sería un tema que iba a funcionar, pero lo cierto es que se quedó un poco atrás… No llegó a la gente tanto como otras, e igual se sale del repertorio porque es difícil mantener todas.

¿Y cómo te sientes cuando pasa eso?

J: Bueno, hay muchas más que la suplen porque funcionan. Así que no pasa nada. Pero eso, que la seguimos tocando en la gira porque es una de las canciones que más nos gusta.

Los festivales indie en España. ¿Creéis que están bien organizados o que aún hay fallos en el planteamiento, cosas que corregir…? Vosotros habéis estado en algunos de los festivales más conocidos de España, y ahora tenéis una importante lista de confirmaciones. Desde vuestra experiencia, ¿qué opináis?

J: Lo que hablábamos antes. El concepto de “festival indie” como tal apenas existe hoy por hoy. Nosotros estamos acostumbrados a ver a bandas de todo tipo y de todos los estilos en los festivales, y ya nadie se escandaliza. Y es una suerte que sea así.. Hay festivales que están muy bien organizados, y que son un ejemplo a seguir para otros festivales de Europa e incluso en Estados Unidos. En España hay festivales muy potentes. Luego hay otros que sí tienen un presupuesto ajustado y que evidentemente podrían hacer las cosas mejor, pero no pueden por falta de dinero. Pero, por lo general, la música en España funciona y está funcionando bastante bien.

F: Pero también hay que decir que no está reñido el dinero con el trato recibido. Puede ser incluso un poco mejor en un festival pequeño y más humilde que en un DCODE o alguno de esas dimensiones.

¿Y alguno al que os hayáis quedado con ganas de ir?

F: De fuera de España, sí, hombre, todos. (Risas). Por decir un nombre… El Rock al Parque de Colombia.

¿Y dentro de España?

J: Hay muchos festivales a los que no hemos ido, y que se hacen con mucho cariño. El Ewan, por ejemplo. Son festivales con un formato muy característico. También es cierto que nos gustaría estar en todos, pero es imposible.

 ¿Tenéis vuestros recelos en cuanto al periodismo musical en España? ¿Algo que os moleste especialmente?

J: Por lo general hay un nivel increíble.

F: Sí… Cada periodista tiene su fórmula y por supuesto no todos son iguales. Cada uno plantea las entrevistas de una manera, pero eso no hace que sean peores profesionales.

J: Yo creo que volvemos a lo de siempre. Cuando las cosas se hacen con el corazón y con pasión… Se va a notar a quién le gusta la música, y quién ha escuchado a Viva Suecia y no le agrada en absoluto. Que también es positivo que se haga una entrevista crítica.Pero el periodismo musical en España hoy en día es bestial. Hay muchísima gente con ganas de hacer las cosas bien, y están tratando las cosas con muchísimo cariño. Yo echo de menos un poquito precisamente eso: el ser algo críticos y quitarse el miedo -que también nos pasa a los músicos- de “no voy a pegarle un palo a tal grupo, o a tal festival”. Muchas veces es por la inseguridad de que no te acrediten en el próximo festival, o no te manden el sello para un nuevo disco. El caso es que ese “ojo crítico” hacia la música y el arte en general escasea un poco en España. 

¿Creéis que vuestra música es un reflejo de vuestras ideas, de vuestra personalidad creativa? ¿O lo concebís como fenómenos separados?

J: Totalmente un reflejo de lo que somos.

¿Y cómo la definiríais en pocas palabras?

F y J: Intensa. Pasión. Emotiva.

¿Os habéis planteado en algún momento tomar otro rumbo en vuestra vida?

J: Ya teníamos otro rumbo. (Risas

F: Claro. Antes de empezar con la música, estábamos ya en otros trabajos. Quizá no concebimos nunca llegar a esto. No sé si visteis la entrevista de La Resistencia… (Risas) Yo era transportista. Estar en la música era un sueño para nosotros, y ahora estamos aquí, trabajando en ella.

¿Cuáles creéis que son los valores más importantes que todo artista debe tener siempre en mente?

J: Cada uno tendrá los suyos. Pero yo creo que debe sentirse libre, en la medida de lo posible, claro está.

F: Yo diría la humildad.

J: Aunque depende. Yo creo que hay gente que no la necesita, y le funciona.

También hay artistas que triunfan porque se han construido un personaje, que no es para nada humilde.

J: Cierto.

¿A vosotros os preocupa que el espectador os llegue a conocer a través de vuestras letras, o preferís ese perfil más cercano?

J: No, no nos impone. Nosotros nos intentamos desnudar en las canciones, y no solo en las letras, también en la música. No creo que haya por qué construirse esa faceta, pero tampoco está mal si lo haces. De hecho, admiro a muchos artistas en esa línea. The Cure, por ejemplo. No creo que Robert Smith sea así en su casa cuando desayuna.

F: Nosotros como grupo de cuatro somos también una especie de unidad.

¿Qué habéis sentido al componer El Milagro? ¿Creéis que es un trabajo que dista mucho de los anteriores?

F: Bueno… Al componerlo creo que hemos sentido una especie de liberación, porque hemos sacado lo más puro y lo más sincero que teníamos nosotros como músicos. Nos hemos quitado la piel gruesa que teníamos y hemos sacado todo lo bueno a relucir. Y yo creo que por eso ha salido un disco tan luminoso, y tan francamente bonito.

Y, para terminar, ¿algo que decir a los lectores de NoTeDetengas? ¿Algo que hayáis dejado entrever en el disco y ahora tengáis la oportunidad de concretar? ¿Tal vez algo que nos queráis desvelar al respecto?

J: Todo lo que se puede desvelar del disco está en el disco. Lo mejor que pueden hacer los lectores de NoTeDetengas es escucharlo, y que cada uno saque sus propias conclusiones. No hay nada escondido, ni medias tintas. Somos nosotros mismos, en nuestra esencia. ¡Así que ojalá que os guste!

 

Óscar Puente nos desvela sus gustos musicales: “El Joshua Tree de U2 es sin discusión el disco de mi vida”


Óscar Puente - La Razón -Foto: Miriam Chacón
Óscar Puente – La Razón -Foto: Miriam Chacón . Presentación Conexión Valladolid 2018.

Que al actual alcalde de Valladolid le gusta hablar de música a nadie le cabe en duda, así que nos hemos atrevido a ir más allá y preguntarle por sus gustos musicales, la escena pucelana y cómo se siente uno cuando te trae a grandes figuras de la música independiente nacional e internacional a unas fiestas locales. Todo ello a través de twitter, una red que en la que Óscar Puente es activo e incluso usa para convocar a la juventud en bares como el Vinos Merino y el Kafka.

– ¿Qué escucha uno en una época de elecciones para relajarse? ¿Y para entonarse?

Honestamente nada. No tengo tiempo ni para escuchar música. Tan solo he oído mucho a Franz Ferdinand por un vídeo que estoy preparando.

https://www.youtube.com/watch?v=25sBhhOR4lw

– Trap, dance, disco, Rock, neo-flamenco, rap ¿Hay algún estilo que se le escape?
Ninguno. En lo que a Musica se refiere no me cierro a nada. Lo único que busco es calidad. El estilo musical me da igual

– ¿Hay alguno al que le haya pillado más gustillo con el tiempo?
La ópera, es un descubrimiento de unos años a esta parte.

https://www.youtube.com/watch?v=CodvdRTX8zo&list=PLOwSo8kHs4XT4Hx7OufxbXJLestNUWg7F&index=14&t=0s

– ¿Cuáles dirías son los discos de su vida y por qué?
El Joshua Tree de U2 es sin discusión el disco de mi vida. Sería muy largo de contar, por razones más vitales que relacionadas con la música. Y Older de George Michael por lo mismo. Y por su infinito gusto y calidad.

https://www.youtube.com/watch?v=zNBj4EV_hAo

– ¿Es un romántico y sigue comprando música física o ha sucumbido a la digitalización?
No compro música en soportes porque no tengo ya cómo reproducirla.

– ¿Cómo ve la escena musical en la ciudad y qué planes hay para posicionar aún más en el mapa a Valladolid en este aspecto?
La música en Valladolid está como el resto de la cultura. Buena oferta. Quizá más y mejores creadores locales, que en otros ámbitos como el teatro o la danza, pero no lo suficientemente apoyados.

– ¿Alguna banda fetiche de la ciudad?
Celtas Cortos.

https://www.youtube.com/watch?v=UftowLtrFVc

– ¿Bad Gyal callará las bocas de los fans de Rosalía?
No se trata de eso. Son artistas diferentes. Ojalá hubiésemos podido tener a las dos. En todo caso parece que la carrera de Bad Gyal, va por buen camino.

https://www.youtube.com/watch?v=wNwzjh_7Ryo

– Además Franz Ferdinand, Gloria Gaynor, Dorian o Corizonas en la plaza mayor ¿Vamos a hacer la competencia al Sonorama?
No lo pretendemos. Pero no hay un cartel de conciertos de fiestas en España como el de Valladolid. En eso sí que, de momento, no tenemos competencia.

https://www.youtube.com/watch?v=d08ibxuXnsc

– Como musiquero de pro ¿Cuál es el concierto del cuál tiene mejor recuerdo en nuestra ciudad?

John Newman. Fue el primer artista british que tocó en la Plaza Mayor y una gestión personal mía. Además lo dio todo. Ese recuerdo es ya imborrable para mí.

https://www.youtube.com/watch?v=rFGAd8aplZI

– ¿Alguna espinita pendiente de gira que pueda pasar por estos lares?

Espero tener tiempo para sacarme unas cuantas los próximos 4 años.

https://www.youtube.com/watch?v=0156fjZxkFI

– ¿Se ha atrevido a ponerse a pinchar en algún momento? Si es tanto que sí como si no, ¿Cuál sería su top 5 de canciones para un momento de disfrute a los oídos?
Pinché en la Polar, un local que existió en Valladolid en los 90. Incluso lo he hecho una noche en el Berlin en este mandato. 5 canciones es muy poco, depende de momentos. De tipo de local. De públicos. Te puedo decir la canción con la que siempre cerraba la sesión cuando se cerraba el bar. Loving The alíen de Bowie. Nunca entendí el poco éxito que tuvo. La verdad es que venia bien para desalojar el local.

https://www.youtube.com/watch?v=FSuo8cfeGI8