Hace justo un año, el mundo se despertaba con la pérdida de uno de los nombres mas importantes que ha dado la cultura de los últimos 100 años. El 10 de enero de 2016, justo dos días después de su 69 aniversario y de publicar su nuevo disco “Black Star”, fallecía víctima de un cáncer David Robert Jones y nos desvelaba las pistas de su último suspiro artístico, dejándonos atónitos y huérfanos de una (si no la que mas) de las cabezas mas brillantes de la música moderna. Su legado, casi infinito, nos muestra a un artista de personalidad apabullante siempre en constante evolución (por algo le viene lo de “el Camaleón”). Sirva nuestro particular homenaje a esta efeméride un repaso a algunas de las caras de este tipo irrepetible que ahora ya baila por las estrellas.
EL JOVEN MOD:
Tras el paso por distintas bandas – King Bees, Davie Jones and the King Bees, Lower Third, The Riot Squad,… -, un joven Davy Jones obstinado con conseguir la fama decidió cambiar su nombre por David Bowie a fin de evitar las confusiones con el miembro de los Monkees. Por aquella época las nuevas formaciones inglesas como los Beatles o los Rolling Stones junto con el rythm’ n blues americano eran sus influencias. A su primer sencillo “The Laughing Nome” le siguieron otros como “Rubber Band” o “The London Boys”. Pero no fue hasta 1967 cuando publicó su primer y homónimo larga duración que pasó desapercibido a pesar de venir repleto de canciones de pop británico con elementos de Music Hall y psicodelia.
EL CANTAUTOR FOLK ESPACIAL:
Viendo que su etapa de músico mod no iba a ninguna parte el joven Bowie se reinventó en un trovador folk con pintas hippies y letras que versaban sobre las conquistas del espacio. La canción ” Space Oddity” rompió moldes y sigue sonando actual a pesar de los años ya que es un perfecto reflejo de los sueños estelares. Un disco y un álbum con prominencia de las guitarras acústicas, las enseñanzas del folk de principios de los sesenta y la introducción de elementos de la psicodelia. De esa época es también otra de las canciones imprescindibles de su carrera como “The Man Who Sold The World”, que tituló un disco en el que Bowie reunió a una banda de rock y en el que buscó acercarse al rock siendo la antesala de su salto a los sonidos glam.
ZIGGY STARDUST / ÍDOLO GLAM:
Su época dorada. El nacimiento de un subgénero del rock y de un movimiento cultural coincidió con el nacimiento de la estrella que fue. Bajo los influjos de Marc Bolan, el definitivo abrazo del rock de Bowie vino acompañado de una estética provocadora y la ambigüedad sexual como bandera. Apoyado por una banda de lujo liderada por el virtuoso guitarrista Mick Ronson, el músico encontró un sonido impecable a la vez que potente y sobre todo una forma de expresarse y de alcanzar el éxito que tanto se le había resistido.
Así surgieron discos como Hunky Dory que nació de la visita de Bowie a los EEUU y cuya portada andrógina escondía varios éxitos como “Changes” o la emotiva “Life On Mars?” y sendos temas dedicados a la Velvet Underground (“Queen Bitch”), Andy Warhol y a Bob Dylan.
Tras la fama del disco vino la transformación del cantante en Ziggy Stardust y de su banda en The Spiders From Mars ( el propio Ronson, Trevor Bolder al bajo y Mick Woodmansey a la batería ) para publicar su obra magna. Un álbum conceptual que narra la historia de un extraterrestre bisexual que viene a la Tierra a salvarla. El disco, además, estaba pensado para su interpretación en directo para la que eligió cuidadosamente el maquillaje y la indumentaria. Las canciones venían influenciadas por los héroes del rock de Bowie como la Velvet, T. Rex o los Stooges, con temas imprescindibles en su carrera como “Starman”, “Ziggy Stardust” o “Five Years” y una acogida de los jóvenes fans que encumbraron al músico en los altares del culto pop.
De esa época tenemos aún las grabaciones de los inigualables conciertos de la gira de Ziggy Stardust, sus apariciones en el Top Of The Pops, el single “John I’ m Only Dancing” y las producciones de un Bowie tocado por los dioses en “All The Young Dudes” de Mott The Hopple y sobre todo en “Transformer” de Lou Reed.
Tras “matar” a Ziggy la vida continuó con otro superéxito “Aladin Sane”, repleto de hits de glam rock como “Drive-In Saturday”, “Let’s Spend the Night Together” de los Stones y ” The Jean Genie”, con la icónica portada del retrato de Bowie con la cara pintada por un rayo azul y rojo. En aquel mismo año sacó a la venta “Pin Ups”, un maravilloso compendio de versiones de temas favoritos de los sesenta del cantante remozados por su portentosa banda rock, temas de los Kinks, Who, Pink Floyd o Yardbirds que suenan a las mil maravillas.
La etapa glam la cierra “Diamond Dogs” otro disco conceptual, en este caso basado en la novela de George Orwell “1984” con el éxito “Rebel Rebel” a bordo y una portada con el cantante mitad hombre mitad perro cuya exposición de los genitales caninos dio problemas con la censura.
PRODUCTOR DE ÉXITOS:
Otro de los grandes talentos de David Bowie estaba en los mandos de los estudios de producción. Si bien muchos de sus discos fueron producidos o coproducidos por él con la ayuda de su íntimo Toni Visconty (productor también de T. Rex), del alquimista Brian Eno (en su etapa de Berlin y en los 90), de Ken Scott (en la época glam) o en los 80 de Nile Rodgers (también de Madonna, Daft Punk o Duran Duran), también produjo discos para otros músicos relanzando sus carreras y ayudando a crear auténticas joyas del rock. Es el caso de los Mott The Hoople de Ian Hunter con “All The Young Dudes” para quienes compuso y cedió el homónimo tema de enorme éxito, en el mismo bendito año del Ziggy Stardust 1972. Un año después se encargó de mezclar el “Raw Power” de los Stooges por orden de la discográfica Columbia, quien quiso depurar el sonido de los de Detroit. Con su líder, Iggy Pop, volvió a los estudios en 1977 para producirle sus dos exitosos álbumes “The Idiot”, “Lust For Life” y en 1987 para un disco menor “Blah Blah Blah”. Con la Iguana además han mantenido una colaboración cediéndose temas recíprocamente para sus álbumes.
Aunque si hay que destacar un trabajo tras los cristales de Bowie, este es in duda alguna el “Transformer” de Lou Reed, un disco total y una de los mejores tratados rock de los setenta que relanzó la carrera del neoyorquino tras la Velvet Underground. También en el bendito año 1972.
CANTANTE PLASTIC SOUL:
David Bowie puso fin a su época glam en 1974, cambiando de banda, yéndose de gira americana del “Diamnod Dogs” e instalándose en Los Angeles para impregnarse de la música negra. De este modo, en 1975 gravó en Filadelfia “Young Americans” un disco de clara influencia Soul, con críticas al american way of life y en el que se incluyó un tema coescrito con John Lennon “Fame” con la que consiguió su primer número uno en los EEUU. De esa época también son conocidos los desórdenes financieros, abusos con las drogas y controvertidas apariciones en los medios públicos. Con “Station To Station” Bowie hizo un giro hacia el funk sin olvidar el soul en un disco en el que creó otro alter ego “The Thin White Duke” y con el que volvió a girar por medio mundo.
MÚSICO DE VANGUARDIA (TRILOGÍA BERLINESA):
Exhausto de los excesos de su etapa angelina, Bowie decide refugiarse en el Berlin Oeste en plena Guerra Fría para impregnarse de las nuevas tendencias musicales y artísticas del momento e intentar, a la vez, desintoxicarse de su adicción a la cocaína. Además de compartir piso con Iggy Pop (a quien producirá dos discos) y descubrir a los padres de la electrónica Krakftwerk y Neu!, entabló amistad con el ex Roxy Music Brian Eno y con Robert Fripp (King Crimson) con quienes compartió visiones progresistas del rock. Bajo la producción del primero (también con presencia de Tony Visconti) registró tres formidables discos “Low”, “Heroes” y “Lodger” conocidos como la “Trilogía Berlinesa” en los que giró hacia sonidos más experimentales, oscuros, con abuso de los sintetizadores y de los efectos electrónicos con unas guitarras arrebatadoras a cargo del propio Robert Fripp. También pasó de los excesos del glam y del plastic soul a la austeridad y sobriedad con mirada hacia la música oriental (japonesa, árabe,..). El resultado, canciones como “Sound And Vision”, “The Secret Life Of Arabia”, “Look Back In Anger” o “Heroes” que se ha convertido en un auténtico himno intergeneracional. Entremedio una gira que dio lugar al disco “Stage” ( Berlín, sin duda, una de las etapas cumbre de la carrera del londinense.
ARLEQUÍN ART-ROCK :
Con un solo disco Bowie se puso a la delantera de los movimientos New wave que azotaron junto al punk el rock a finales de los setenta principios de los ochenta. Con “Scary Monsters” (1980)de nuevo se reinventó y logró un sonido moderno a la vez que comercial. La novedad fue el uso de los sintetizadores y unos rítmicos punteos de guitarra de Robert Fripp (también participó Pete Towshend). El tono teatral rescatado del glam mas la experimentación vinieron acompañados de unos videoclips impactantes en los que los colores y las luces se difuminan. En la exitosa “Ashes To Ashes” recuperó al Major Tom de su primera época y cautivó a una juventud en una década en la que se convertiría uno de sus iconos.
SUPER ROCK STAR OCHENTERO:
Con las notables ventas de “Scary Monsters” y con su colaboración con Queen en el single “Under Pressure” en 1981 Bowie era una celebridad más que nunca. Y por si fuera poco, tras la publicación del disco ” Let’ s Dance” (1983) y la eclosión con los tres singles, la que tituló el disco , “China Girl” prestada de su amigo Iggy y “Modern Love”, el larga duración se convirtió en disco platino y el más vendido de su carrera. Un pop comercial bailable que marcaría la década y a sus jóvenes, teniendo continuidad con “Tonight” (84) en el que colaboró una Tina Turner en voga, y apoyado por una larga gira y por impactantes videoclips y provocativas letras. Con mayor participación en el cine con películas como “Laberinto” o “Absolute Beginners”, esta última con un sencillo de primera. Aunque hay que destacar la revisión de “Dancing In The Street” de Martha & The Vandellas que hizo con su reencontrado Mick Jagger, un video y una canción que arrasó en 1985.
ACTOR CAMALEÓNICO:
Si bien es cierto que la música de David Bowie siempre ha ido acompañada por su vertiente teatral y escénica, en especial en su época glam y su alter ego Ziggy Stardust pero también del pallaso de Ashes To Ashes, su vis interpretativa en los conciertos y incontables y radicales cambios de look. Su interés por la interpretación le llevaron a finales de los sesenta a tomar clases con el profesor de teatro vanguardista Lindsay Kemp (quien más tarde diera clases a Kate Bush) aprendiendo arte dramático y mímica, que tan usó en sus directos.
Todo ello le llevó además a hacer cierta carrera en el cine en donde destacan papeles como Andy Warhol (Basquiat), Poncio Pilato (La última tentación de Cristo), un extraterrestre (El hombre que cayó en la Tierra), el Rey de los Goblins (Dentro del Laberinto), un vampiro (El ansia)… Trabajando además con grandes directores como Christopher Nolan, Martin Scorcesse, David Lynch (en Twin Peaks, la película) o Tony Scott.
LÍDER DE TIN MACHINE:
Para evitar la acomodación y el estancamiento de la fama en los 80, Bowie funda esta banda junto a Gabrels Reeves ( guitarra), Tony Sales ( bajo) y Sales Hunt (batería) estos dos últimos a quienes conoció por haber trabajado con ellos en el disco de Iggy Pop “Lust For Life” (77). Con dos discos en el mercado “Tin Machine” (89) y “Tin Machine II” (91), la banda ofrecía un rock americano politizado muy a la onda de la época. Guitarras rudas, letras afiladas y una potente sección rítmica. Según el propio Bowie la banda le impulsó hacia la década de los noventa.
MÚSICO EXPERIMENTAL EN LOS 90:
Los 90 fueron para Bowie un periodo de descubrimiento de nuevos horizontes musicales y si se nos permite de pérdida de conexión con el gran público. Comenzando por “Black Tie White Noise” (93) de sonidos electrónicos (más Jazz, bases Hip-hoperas, …), seguido por el indie de “Buddha Of Suburbia” (95) y el rock industrial de “Outside” (95) producido por Brian Eno y para el que se acompañó de los americanos NIN en su gira de promoción. Sin apenas descanso en 1997 repitió productor para gravar “Earthling”, un disco con elementos de electrónica y de drum’ n bass.
LEYENDA DEL POP:
Con la entrada del nuevo milenio el genio quiso volver al pop pero hacerlo de un modo maduro y elegante. Con Heathen (2002), además de significar la vuelta de Toni Visconi desde “Scary Montsers” – ya no le abandonaría en sus siguientes discos – el cincuentón quiso tratar de modo críptico el tema del terrorismo post-11 s y la degradación de la humanidad. Sin apenas descanso saca “Reality” que navega en la misma dirección y que vino acompañado de su última gran gira de conciertos. En esos discos, además, versiona a clásicos del rock como George Harrison, David Bowie o los Pixies y colabora con músicos como Dave Grohl y (otra vez) Pete Towshend.
ARTISTA ETERNO:
Después de diez años de silencio y gravado de forma clandestina apareció en 2013 “The Next Day” un muy bien acogido disco de portada collage con la del lejano “Heroes” el Duque Blanco repescaba sus distintas sonoridades de sus etapas, reflexionaba sobre el paso del tiempo y la melancolía de mirar hacia atrás – recuerdos explícitos a su época berlinesa inclusive-. Un inteligente y ambicioso disco de rock hecho desde la vejez asumida de un mito que se muestra cercano a la vez que algo oscuro y enigmático. Sin apenas descanso, y coincidiendo con su 69º cumpleaños la publicación de “Blackstar” (2016) acompañado de unos enigmáticos videoclips y un sonido electrónico, jazzistico y krautrock. Aunque sólo con su fallecimiento tres días después pudimos comprender que se trataba de un auténtico canto del cisne con el que este Artista (con A mayúscula) se quiso despedir y afrontar su paso al otro estado. Lleno de pistas y elementos cripticos, su adiós fue su enésimo toque de genio.
