Con la llegada del verano, La Terraza de La Casa Encendida vuelve a transformarse en La Terraza Magnética con el habitual ciclo de cine al aire libre y los conciertos al atardecer, además de ser uno de los rincones más atrayentes de Madrid para poder tomar una cerveza con vistas a los tejados de Lavapiés. Este año, la programación girará en torno al lenguaje del cómic en relación directa con la exposición Vicios Modernos, sobre la obra gráfica de Ceesepe, que se podrá ver en La Casa Encendida hasta el 22 de septiembre

La programación de cine de los sábados contará con una selección de películas influenciadas de alguna manera por el espíritu del cómic, ya sea por su transgresión formal o por el contenido y definición de sus personajes. El ciclo arrancará con la imprescindible ópera prima de Pedro Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, emblema de la movida madrileña y que cuenta con el propio Ceesepe en su reparto quién además también diseñó el cartel de la película. Durante el resto del verano, el ciclo se adentrará en los fascinantes universos creados por Eiichi Yamamoto, Panos Cosmatos, David Robert Mitchell o Richard Linklater y conocerá a algunos de los personajes más extraordinarios de la cultura underground, como el historietista americano Robert Crumb o el luchador mexicano, Cassandro, el Exótico

https://www.youtube.com/watch?v=n08QUgtlfX8

Para abrir el ciclo de conciertos, La Terraza Magnética cuenta con una artista fundamental en la historia de la escena electrónica de Berlín desde sus inicios y hasta el presente: Gudrun Gut. Seguirá, todos los domingos de verano, una programación cuyo denominador común es que son músicas que están fuera de la norma: pop electrónico de vanguardia con Natalie Beridze/TBA y Negra Branca; actuales ritmos de club para pistas atrevidas con Telephasycx!; nueva música “Exótica” desde la jungla de Madrid con L´Exotighost; héroes del surrealismo electrónico perfectos para fiestas siderales con Gelbart y Orfeon Gagarin; electrónica entrelazada con tradiciones musicales chamánicas centroamericanas con Naoba y emotivo synth pop con influencias de maestros como Kraftwerk u OMD con Mynationshit. El cierre de La Terraza Magnética también será de lujo con la actuación, por primera vez en España, de O Yuki Conjugate, clásicos del ambient más sugerente

https://www.youtube.com/watch?v=nQuApT2lVMA

Todos los sábados y domingos, desde una hora antes y durante la proyección de la película y el concierto, se podrá comprar un combo de pizza + cerveza por cinco euros

CINE

22 junio

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, de Pedro Almodóvar

España, 1980. 82’. VO

Casi 40 años después de su estreno, la ópera prima de Almodóvar sigue siendo un soplo de aire fresco. Auténtico icono de la movida, por ella desfilan algunos de los protagonistas del underground madrileño: Alaska, McNamara o Ceesepe. Gamberra, divertida y rompedora, con los años se ha convertido en un documento esencial para conocer una etapa clave de nuestra historia reciente.

Pepi es una joven que cultiva marihuana en su terraza; Luci es su vecina, una sumisa ama de casa casada con un policía y Bom es una cantante punk de tendencias sádicas. Sus vidas se cruzarán cuando el marido de Luci descubre el negocio de Pepi y acaba violándola. Pepi decide vengarse y a partir de ese momento las tres comenzarán una intensa relación que les llevará a recorrer la alocada vida de la movida madrileña, lo que supondrá un cambio radical para Luci.

Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, 1949) es el cineasta español más aclamado a nivel internacional: director, guionista y productor de títulos ya indispensables de la historia del cine como Que he hecho yo para merecer esto (1984), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) o Volver (2006). Con sus películas ha obtenido innumerables premios, entre ellos dos Oscar, uno por Todo sobre mi madre (Mejor película en habla no inglesa, 1999) y otro por Hable con ella (Mejor guion original, 2003).

https://www.youtube.com/watch?v=dqox5M8HHdw

CONCIERTO

23 junio

Gudrun Gut

Una de las figuras más activas desde los años ochenta de la escena underground berlinesa, con un estilo que va desde el post punk al tecno pasando incluso por la indietrónica. En 2018 publicó su último álbum en solitario Moment, con un sonido enigmático y ecléctico de tonos hipnóticos y experimentos tecnoides.

Gudrun Gut (Monika Enterprise, Moabit Music/Berlín) ha jugado un papel muy activo en la escena underground berlinesa desde principios de los años ochenta, con un estilo que va desde el post punk y el tecno hasta la indietrónica. Fue cofundadora de bandas legendarias como Mania D., Einstürzende Neubauten, Malaria! y Matador. En 1996, con Ocean Club organizó eventos en el Club Tresor junto a Thomas Fehlmann y Daniel Meteo, lo que dio origen al álbum Members of Oceanclub. En 1997, Gudrun funda el prestigioso sello Monika Enterprise, centrado en artistas femeninas.

Su primer álbum en solitario, I Put A Record On, salió en 2007 con una notable respuesta internacional de la prensa y fans, seguido de conciertos en numerosos países de cuatro continentes. Seguiría Wildlife(2012) y Gut und Irmler: 500m (Bureau B. 2013): un proyecto de colaboración junto a Hans-Joachim Irmler (de los míticos Faust). Destacan otras colaboraciones con la artista de spoken word Myra Davies como Miasma, y más tarde con Antye Greie (conocida como AGF) en el proyecto Greie Gut Fraktion. Un reciente proyecto de Gudrun Gut es el concepto en constante evolución llamado Monika Werkstatt, un colectivo de artistas femeninas que discuten e improvisan sobre música electrónica y que lanzaron un álbum en el 2017, seguido de una gira europea.

Moment es su álbum en solitario más reciente publicado en diciembre del año pasado por Monika Enterprise, y que presentará en La Terraza Magnética. En Moment encontramos a Gut en su forma más enigmática y ecléctica, con tonos de hipnosis motorik junto a experimentos tecnoides, cold wave e incluso una versión del “Boys Keep Swinging” de Bowie. También nos muestra la profundidad y el detalle de su voz, reservada pero sugestiva, entonando verdades contundentes y poesía tanto en alemán como en inglés.

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29 junio

Lo que esconde Silver Lake, de David Robert Mitchell

Estados Unidos, 2018. 140’. VOSE

Fascinante cóctel de referencias pop volcado en la pantalla en forma de cruel parodia detectivesca que realiza una relectura, en clave millenial, del cine clásico de Hollywood, situando su acción en Los Ángeles, por la que Mitchell disemina un sinfín de personajes y pistas tan asombrosas como desconcertantes, trazando un lisérgico laberinto del que es muy difícil salir.

Sam vive en el típico apartamento de urbanización de Los Ángeles; su vida es un auténtico aburrimiento sin ningún aliciente, no trabaja y están a punto de desahuciarle. Pasa sus días espiando a las vecinas, hasta que la más atractiva y misteriosa de todas ellas, de repente, desaparece. El deseo que siente por ella le convertirá en un delirante detective que intentará resolver el caso descubriendo conspiraciones y misterios en los lugares más insospechados, ya sea una caja de cereales o un cómic underground.

David Robert Mitchell (Clawson, 1974) es director, guionista y productor, que con tan solo tres películas se ha convertido en uno de los cineastas contemporáneos más reputados del nuevo cine americano. Graduado en la Universidad de Florida, se inició en el mundo del cine con el cortometraje Virgin (2002). Su debut en el largometraje llegó en 2010 con The Myth of the American Sleepover y cuatro años después llegaría su reconocimiento internacional con la aclamada cinta de terror It follows (2014).

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30 junio

Gelbart

Alquimista musical que combina todos los colores y matices del pop electrónico en sus tubos de ensayo, maravillando con cada explosión de sonido. En La Terraza presentará uno de sus directos en los que ofrece una exploración psicodélica de modulaciones sintetizadas y melodías inspiradas en la era espacial, ejecutadas con maestría en equipos analógicos y dispositivos caseros misteriosos.

Adi Gelbart es un genio-científico loco de la música que se mudó en 2006 de Tel-Aviv a Berlín. Un gigante que mezcla todos los colores y matices del pop electrónico en sus tubos de ensayo (máquinas analógicas antiguas, guitarras, instrumentos recargados con pilas, aparatos hechos a mano o laptops), que maravillan con cada explosión de sonido resultante.

Realiza una búsqueda audaz y libre de nuevas fronteras, basándose no en el azar del amateurismo, sino en el conocimiento enciclopédico de las tradiciones y los secretos del pop y en la pasión por construir estructuras emocionantes e inesperadas sobre él. Los shows en vivo de Gelbart son una exploración psicodélica de modulaciones sintetizadas y melodías inspiradas en la era espacial interpretadas con maestría en equipos analógicos y dispositivos caseros misteriosos. Tiene varios discos publicados a sus espaldas en sellos como Gagarin Records (fundado por Felix Kubin), Defekt o Joyful Noise Recordings, que acaban de publicarle un álbum en enero de este año, Egg Ray Test Hits Cow Action.

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6 julio

Belladonna of Sadness, de Eiichi Yamamoto

Japón, 1973. VOSE

Esta mítica película de animación japonesa, gestada durante seis años, es un oscuro cuento de hadas que propone una psicodélica reinterpretación de la historia de Juana de Arco. Con influencias de la obra de Gustav Klimt, crea un hipnótico mundo de fantasías visuales y sonoras plagado de simbolismo.

Junto con Las mil y una noches (1969) y Cleopatra (1970) forma parte de la trilogía “Animerama” ideada por el padre del manga Osamu Tezuka, una serie de películas que experimentaron con la animación buscando una alternativa madura al cine de Disney. La película está basada en The Sorcerier, texto del historiador Jules Michelet que relata la venganza de una bella joven convertida en hechicera tras un pacto diabólico. La Jeanne de Belladonna, tras ser violada por el Barón de un castillo y sus huestes, desatará sus fuerzas ocultas a través de su propia sexualidad para luchar contra el poder establecido. La animación es acompañada por una sorprendente banda sonora de psych rock japonés, obra del conocido compositor de jazz de vanguardia Masahiko Satoh.

Eiichi Yamamoto (Japón, 1940) es director y guionista, uno de los maestros del anime, fiel colaborador de Osamu Tezuka, con quien fundó la productora Mushi, desde donde escribiría y dirigiría una decena de proyectos, destacando la trilogía de anime para adultos “Animerama”.

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7 julio

Mynationshit

Bajo este nombre se encuentra el proyecto musical de Carlos Martín, que se mueve entre el synth pop, la música electrónica espacial y el electro. Su sonido tiene influencias que van desde clásicos como Kraftwerk y OMD hasta otros más contemporáneas como Hyboid y Shemale. En este concierto, adelantará temas de su próximo disco, que se publicará tras el verano.

Mynationshit surge como proyecto en el año 2007. Bajo ese alias, Carlos Martín desarrolla sus inquietudes musicales manejando sintetizadores y cajas de ritmos. Sus melodías y sonidos se adentran en mundos oníricos personales y emotivos. En sus letras (cargadas de poesía) siempre aparece el conflicto ético-moral entre el bien el mal, la melancolía y el vitalismo. En 2012 editó su primer álbum homónimo con GH Records, al que seguirían más adelante otros dos también en este sello valenciano.

En 2016 presentó el mini álbum Malevolent Charmer en Waste Editions, etiqueta de la que es cofundador, y en este 2019 prepara la edición de su nuevo disco para después del verano por lo que presentará material nuevo en este concierto.

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13 julio

Jodorowsky´s Dune, de Frank Pavich

Estados Unidos, 2013. 83’. VOSE

Documental que recupera la historia de la mítica Dune, de Alejandro Jodorowsky, posiblemente, la película no realizada más influyente de la ciencia ficción. Ideada en 1975 en su desarrollo participó el ilustrador “Moebius”, quien realizó un minucioso storyboard que recreaba, íntegramente, la película. El proyecto se vino abajo por problemas presupuestarios.

A mediados de los años 70, Alejandro Jodorowsky soñó con adaptar la novela clásica de ciencia-ficción Dune, de Frank Herbert, con la ayuda de Moebius, H.R. Giger (quien pocos años después diseñaría Alien) y el maestro de los efectos especiales, Dan O’Bannon intentó cumplir su sueño. Durante los cinco años que estuvieron trabajando intensamente en la preproducción de la obra, se realizó un minucioso storyboard de 3.000 ilustraciones que recreaba, íntegramente, la película con escenas, planos de cámara y diálogos, al que había que sumar una selección de actores con nombres tan destacados como Orson Welles, Salvador Dalí, Gloria Swanson o Mick Jagger, y Pink Floyd en la banda sonora. Con un guion que daba para una película de 14 horas y casi todo el presupuesto de la película gastado antes de empezar a rodar, finalmente el proyecto fue cancelado. En 2013, Fran Pavich presentó en el festival de Cannes este premiado documental, en el que se sumerge en todo el trabajo de preproducción de esta legendaria epopeya a través de una serie de entrevistas con muchos de los implicados.

Fran Pavich (EE.UU. 1977), director y productor de cine, se estrenó en 1999 con el documental N.Y.H.C. sobre la escena de la música hardcore de Nueva York. Con una carrera dedicada a desarrollar proyectos televisivos para compañías como Showtime o HBO, en 2013 presentó su segundo largometraje Jodorowsky´s Dune, estrenada en el Festival de Cannes, ha obtenido varios premios internacionales entre ellos el del público en Sitges, donde también se llevó una mención especial del jurado y el premio al mejor documental en el Fantastic Fest.

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14 julio

Natalie Beridze/TBA

Compositora de música electrónica y canciones de pop experimental, Natalie Beridze ha colaborado con artistas de la talla de Ryuichi Sakamoto, Thomas Brinkmann, AGF, Joerg Follert o Marcus Schmickler. En Madrid estará presentando su último álbum en solitario, Guliagava, publicado por Monika Enterprise, el sello de Gudrun Gut.

Nacida en Georgia en 1979, Natalie Beridze/TBA (Monika Enterprise/GE-Tbilisi) es una compositora de música electrónica y canciones de pop experimental, que además trabaja paralelamente en piezas para instrumentos acústicos, orquesta y coro. En 2008 se mudó a Colonia, produciendo su música bajo el nombre TBA. Pero ya desde el año 2004, Beridze había estado realizando conciertos en vivo por todo el mundo y es conocida como la primera artista femenina de música electrónica de su país, después de haber publicado en Europa en sellos como Max.E, Monika Enterprise, CMYK, Laboratory Instinct, Chainmusic, DADO Records y Apollo Records. Trabaja actualmente en Tbilisi y desde el 2013 dirige su propio programa “Live @ Twilight” en la televisión cultural por cable e internet de Georgia, Artarea TV. Su último álbum en solitario Guliagava ha sido publicado en Monika Enterprise.

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20 julio                                             

Mandy, de Panos Cosmatos

Estados Unidos, 2018. 120’. VOSE

Juntar en una misma película a Panos Cosmatos, uno de los cineastas más imaginativos del cine actual, con Nicolas Cage ha sido, sin duda, uno de los grandes aciertos del cine de género. El resultado de esta excéntrica suma es Mandy, un filme que reformula el cine de venganzas en un ambiente de terror setentero con colores saturados, estética heavy metal y sierras mecánicas.

Red es un leñador que vive en una cabaña en el bosque junto al amor de su vida, Mandy. No tienen mucho contacto con el mundo, hasta que un día Mandy, mientras pasea tranquila, se cruza con el líder de una secta religiosa que se obsesiona con ella. Ayudado por una banda de motoristas venidos del infierno la secuestran, momento en el que Red, armado con todo tipo de artilugios al más puro estilo Serie B, comenzará su sangrienta y bizarra venganza, terminando uno a uno con todos los miembros de la secta.

Panos Cosmatos (Italia, 1974) es guionista y director, hijo del cineasta griego George P. Cosmatos y de la escultora sueca Birgitta Ljungberg, quienes se establecieron en Canadá en los años ochenta. Su primer contacto con el cine fue trabajando junto con su padre en el western, Tombstone (1993). Su debut como director fue con Beyond the Black Rainbow (2010), una película entre la ciencia ficción y el terror. En 2018 presentó en el Festival de Sundance Mandy, con la que posteriormente obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Sitges.

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21 julio

Telephasycx!

Los directos de este hiperactivo dúo madrileño combinan ritmos bailables y afilados entre el electro y el tecno industrial con sonidos disonantes y un caos ordenado que recuerda a artistas de culto como Autechre o Esplendor Geométrico. Tras su exitoso EP de debut math.random ( ), está en camino su segundo disco, que presentarán en La Terraza Magnética.

Telephasycx! lo forman Maryah Gamboa y Durbannoise, ambos con una sólida trayectoria musical también como organizadores de eventos (Rator Mute) y dirigiendo su propio sello discográfico recién fundado.

Maryah es guitarrista e improvisadora multidisciplinar. Comenzó su carrera tocando en grupos post rock y free jazz y posteriormente en 2006, en Berlín, inició su proyecto experimental Marymotto (influenciado por el noise y el krautrock). Más tarde viajó a Nueva York y Vancouver para desarrollarse como improvisadora. Tiene varios proyectos paralelos que tocan distintos estilos: 20 Fire Minutes, Marrash, Delusion of the Fury y más recientemente NonZero!

Durbannoise es un reconocido productor y dj en la escena electrónica de Madrid desde los noventa (cofundador del famoso colectivo Hardtaste en 1998), admirador de los clásicos de Detroit. Sus distintas personalidades musicales se entrelazan en Telephasycx!, que armados con guitarras filtradas, cajas de ritmo y sintetizadores producen una singular mixtura de ritmos electro y tecno industrial aptos para la pistas más arriesgadas, junto a experimentación, distorsión y caos ordenado. Se inspiran en artistas de culto como Autechre, Drexciya, Hijokaidan, Dopplerfeffekt o Esplendor Geométrico.

Su reciente EP de debut math.random ( ) (Rator Mute, 2019) cuenta con un remix de la estrella del electro Carl Finlow y ha sido masterizado por Alek Stark.

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27 julio

Crumb, de Terry Zwigoff

Estados Unidos, 1994. 120’. VOSE

Retrato del icono underground por excelencia del mundo del cómic, Robert Crumb, en el que a través de conversaciones con familiares muy cercanos y exparejas se podrá conocer su parte más personal y compleja, sumergiendo al espectador en los detalles más oscuros de su biografía, su misantropía o las obsesiones sexuales que han marcado su obra.

A través de una serie de conversaciones acercará no solo a la figura del excéntrico Crumb y la relación con su familia, sino que se podrá asistir un lúcido análisis de la sociedad norteamericana del siglo XX. La película fue estrenada en el Festival de Sundance, donde obtuvo el gran premio del jurado y el premio a la mejor fotografía.

Terry Zwigoff (Appleton, Estados Unidos, 1949), cineasta y músico, aprendió a tocar el violonchelo y la mandolina. En los años setenta, tras mudarse a San Francisco, conoció a Robert Crumb y entró a formar parte de su banda de cuerdas: R. Crumb & His Cheap Suit Serenaders, con quienes realizó varias grabaciones. En el cine es conocido por sus trabajos relacionado con el mundo del cómic underground. Tras dirigir el documental Crumb (1994), en 2001 se adentró en la ficción dirigiendo Ghost World, una adaptación del cómic homónimo de Daniel Clowes, quien también se encargó del guion y con quien repetiría cinco años después en Art School Confidential (2006).

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28 julio

L´Exotighost

Una conspiración sonora, bajo máscaras reflectantes, en torno a la música exótica, con ecos polinesios y tropicales, psicofonías orientales y rumores espaciales. Suenan theremines, marimbas, ukeleles bajos, shamisen, lapsteels, baterías llenas de groove, percusiones chispeantes y por debajo una microselva electrónica cargada de pájaros y efectos que pían misteriosamente.

La ola oculta (Everlasting Records, 2019) es el debut discográfico de L’Exotighost, seguramente el primer acercamiento serio que se hace en España al mundo de la exótica. Serio en las intenciones y procesos pero hedonista y desinhibido en el resultado final, la propuesta de L’Exotighost huye del revisionismo o lo retro. Su objetivo es recuperar el espíritu aventurero de la Exótica original utilizando herramientas del presente. Lo que Martin Denny, Arthur Lyman y demás pioneros de la Exótica aportaron a la historia de la música fueron altas dosis de misterio y sorpresa musical. El grupo se pone en marcha en junio de 2018 formado por Javier Díez Ena (Dead Capo y Ginferno), que se encarga del theremín, ukelele bajo y del procesamiento electrónico de otros instrumentos, aparte de la composición y arreglos de los temas; Ricardo Moreno (Los Ronaldos, Mastretta, y un larguísimo etcétera) a la batería y percusión; Juan Pérez Marina (Corcobado y Leone) se ocupa del shamisen, ukelele bajo, guitarra eléctrica y lapsteel. Y las marimbas corren a cargo de María Arranz (Percumento, Timbarimba, y una notable carrera como marimbista y percusionista en orquestas sinfónicas). ¡Nueva exótica desde la jungla de Madrid!

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3 agosto

Cassandro, the Exotico, de Marie Losier

Francia, 2018. 70’. VOSE

El cine de Marie Losier se caracteriza por la sensibilidad y cercanía con la que ha retratado a algunas de las figuras más extravagantes de la cultura: Genesis P-Orridge, Alan Vega o Peaches. Aquí el protagonista es Cassandro, leyenda de la lucha libre mexicana que ha otorgado a los Exótios (luchadores homosexuales) el estatus de deportistas respetados en donde eran considerados bufones.

Tras 26 años realizando proezas en los cuadriláteros, Cassandro, la mítica estrella transformista de la lucha libre mexicana, no se plantea retirarse. Miembro de los Exóticos, con una docena de huesos rotos y clavos por todo su cuerpo, ahora tiene que reinventarse. Filmada en 16 mm cámara en mano, la directora sigue al luchador en sus combates, una gira por Europa y sus momentos más íntimos, trazando un mapa mágico y onírico en torno a la figura de este gran luchador dentro y fuera del ring.

Marie Losier (Francia, 1972) es una de las referentes dentro del nuevo cine experimental y de vanguardia. Francesa de nacimiento, gran parte de su carrera la ha desarrollado en Estados Unidos, estableciendo su base en Nueva York, donde llegó en 1994 para estudiar Bellas Artes. Ha dedicado su filmografía a realizar retratos en 16 mm de algunas de las personalidades más destacadas de la cultura underground. Con varias decenas de cortometrajes realizados, en 2011 presentó en el festival de Berlín su primer largo The ballad of Genesis and Lady Jaye, que obtuvo dos premios.

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4 agosto

Orfeón Gagarin

Tras Orfeón Gagarin se encuentra Miguel A. Ruiz, pionero de la electrónica en Madrid desde 1986. En su sonido caben la cosmonáutica soviética, Borges, el surrealismo, las patologías clínicas, el humor negro y la vida extraplanetaria. Acaba de publicar nuevo álbum, Voces a 45, que presentará en La Terraza Magnética.

Orfeón Gagarin es el primer proyecto del pionero electrónico madrileño Miguel A. Ruiz. En 1986 publicó su primer trabajo en casete bajo este alias, en su propio y legendario sello Toracic Tapes, manteniéndose desde entonces muy activo dentro del movimiento internacional de sellos de casetes y colaborando con músicos de diferentes países. En solitario ha publicado docenas de trabajos en todos los formatos, sobre todo en casete, en sellos internacionales muy reconocidos y bajo diferentes nombres: Funeral Souvenir, Exhaustor, Michel Des Airline, Ventral Metaphor o Orfeón Gagarin. Su primer LP en vinilo Encuentros en la Tercera Edad (1991) fue avalado por el maestro de la electrónica alemana Asmus Tietchens.

Fascinado por las posibilidades sonoras de los sintetizadores e instrumentos analógicos y digitales, el estilo de Ruiz es fantástico y sorprendente, con una imaginación que puede catalogarse de apabullante en una larga y prolífica carrera que llega hasta la actualidad. La energía, la cosmonáutica soviética, Borges, surrealismo, Moscú, patologías clínicas, el humor negro o la vida extraplanetaria tiene cabida en el microcosmos de Miguel A. Ruiz. Sus referencias musicales son muy diversas: la música post-industrial de los ochenta, música cósmica alemana, pioneros de la electro-acústica, ambient, el tecno pop japonés o pop retro-futurista, etc.

Actualmente Ruiz se encuentra muy activo y en uno de sus mejores momentos creativos, actuando más que nunca y siendo descubierto por una nueva generación de jóvenes músicos electrónicos que buscan sus trabajos y le admiran. El sello valenciano Verlag System reeditó hace unos meses en vinilo su primera casete, y acaba de publicar nuevo álbum Voces a 45 (Geometrik/Munster, 2019).

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10 agosto

A Scanner Darkly, de Richard Linklater

Estados Unidos, 2006. 100’. VOSE

Adaptación de la novela de Phillip K. Dick sobre una sociedad distópica en un futuro cercano, en la que campa a sus anchas la Sustancia D, una droga que provoca dobles personalidades, paranoia y delirios persecutorios, efectos que son llevados a la pantalla por Linklater a través de la rotoscopia, técnica de animación que permite crear todo tipo de atmósferas alucinatorias.

Robert Arctor, un policía de narcóticos del condado de Orange, California, trabaja en la lucha contra la Sustancia D. Pero está tan inmiscuido en su trabajo que se vuelve adicto a dicha sustancia. Cuando se le ordena intensificar la vigilancia, tendrá que investigar a sus propios amigos viéndose envuelto en un viaje paranoico por un mundo absurdo y oscuro, donde es imposible descifrar las identidades y las lealtades.

Richard Linklater (Houston, Estados Unidos, 1960) es uno de los cineastas independientes más prestigiosos de su país. Estudió cine en la Universidad de Austin donde, en 1985, fundó la Austin Film Society, entidad que continúa activa proyectando más de cien películas al año que, habitualmente, no llegan a la salas. Posee una extensa y muy personal filmografía con títulos tan emblemáticos como la trilogía formada por: Antes del amanecer (1995), Antes del atardecer (2004) y Antes del anochecer (2013) además de Fast Food Nation (2006), Bernie (2011) o Boyhood (2014).

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11 agosto

Naoba

Naoba estará presentando por primera vez en Madrid este nuevo proyecto, un tributo a las tribus místicas extintas de la isla de Ometepe (Nicaragua) en el que muestra la espiritualidad de la música ceremonial entrelazando sonidos de instrumentos ancestrales con exploraciones electrónicas.

Tamara Montenegro (Naoba) es una artista nicaragüense reconocida desde hace más de doce años como una pionera y figura clave en el auge y mantenimiento de la escena electrónica centroamericana, ya que ha reinventado constantemente su propuesta musical y ha conectado con diferentes escenas secundarias. Su trabajo es polifacético (productora, dj), integrando también sus conocimientos como bióloga y artista sonora en su especial interés por la psicoácustica y el sonido como un medio para la inclusión social y la evolución consciente a través de la tecnología y el cuidado del planeta. Ha ofrecido su música en escenarios y festivales internacionales (Envision, Audio Alchemy, Sonica Festival) y en los circuitos de música electrónica en Nueva York, América Central, México y California.

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24 agosto

Jubilee, de Derek Jarman

Reino Unido, 1978. 103’. VOSE

Derek Jarman, uno de los cineastas más iconoclastas de la historia, recrea una Inglaterra post-apocalíptica en la que impera el caos y la violencia. Pionera del cine punk, Jubilee es una mezcla explosiva de historia y fantasía con la presencia de iconos pop como Adam Ant, Siouxsie Sioux o Brian Eno.

La reina Isabel I quiere conocer el futuro de su país. Con la ayuda del ocultista John Dee, invoca a un espíritu-guía que la trasladará en el tiempo desde el siglo XVI hasta la Inglaterra de los años setenta, un país violento y anárquico dominado por pandillas en el que la reina Isabel II ha sido asesinada. Un elogio a la diversidad y al exceso que fue filmado durante el jubileo de la reina Isabel II. Una crítica a los grandes emblemas del país encabezados por la monarquía y la religión, que le llevó a ser criticado y atacado por los periódicos, el gobierno y el parlamento, siendo incluso declarado persona non grata en Inglaterra.

Derek Jarman (Londres, 1942-1994) estudió en los años sesenta en la Slade School of Art de Londres. Es una de las figuras más emblemáticas de la contracultura, cabeza visible de la vanguardia británica, cineasta, pintor, director de ópera, escritor, escenógrafo y activista por los derechos de los homosexuales. Prolífico realizador de videoclips, ha trabajado para Sex Pistols, Suede, The Smiths, Pet Shop Boys o Psychic TV. En su filmografía cuenta con algunos de los títulos más transgresores jamás filmados: Sebastiane (1976), Caravaggio (1986), Wittgenstein (1993) o Blue (1993).

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25 agosto

Negra Branca

Negra Branca explora un mundo interior de paisajes melódicos, drones de pop coral y estados de ensueño, utilizando gran variedad de instrumentos, loops vocales, grabaciones caseras y atmósferas. Su trabajo ha sido comparado con artistas como Grouper o Inga Copeland.

Marlene Ribeiro, miembro principal del renombrado grupo psicodélico británico Gnod, mantiene también un proyecto en solitario bajo el nombre de Negra Branca. Su sonido profundiza en desarrollos expansivos y extensos, que rozan lo narcótico con extrañas combinaciones de elementos que bien se podrían definir como surrealistas. Destaca por producir ritmos oscuros de pop profundo que recuerdan a un primer Tricky combinados con los sonidos procedentes de las favelas. Su primer trabajo en solitario fue un casete editado en 2013 por Tesla Tapes por el cual obtuvo excelentes críticas.

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31 agosto

Knife + Heart, de Yann Gonzalez

Francia, 2018. 110’. VOSE

Un viaje al París de 1979 en clave de slasher metacinematográfico con asesino enmascarado incluido. El cine de Gonzalez se caracteriza por un apabullante estilo visual entre lo kitsch y lo poético, salpicado de referencias cinéfilas (de Argento a De Palma) y con gran sentido del humor. La banda sonora original es obra de M83, grupo de Anthony Gonzalez, hermano de Yann.

Verano de 1979 en París, Anne, una productora de películas porno gay de bajo presupuesto, con un temperamento descontrolado y problemas con el alcohol, intenta reconquistar a Loïs, su pareja y editora, embarcándose en el rodaje de un nuevo proyecto, mucho más ambicioso que lo habitual, que verá peligrar cuando un asesino en serie entra en escena. La película fue estrenada en la sección oficial del Festival de Cannes.

Yann Gonzalez (Niza, Francia, 1977), periodista de formación, se inició en el mundo de cine como crítico y posteriormente obtuvo un posgrado de cine en la Université Paris-Sorbonne. Tras varios cortometrajes como Je vous hais petites filles (2009) con el que ya participó en el festival de Cannes, debutó en 2013 en el largo con Les rencontres d’après minuit. Es, junto con cineastas como Bertrand Mandico y Marie Losier, uno de los firmantes del manifiesto de “La incoherencia internacional”, una serie de reglas que se oponen en cierta manera a la industria dominante del cine de autor.

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1 septiembre

O Yuki Conjugate

Dúo de música experimental británico que surgió del post punk. Forjaron su camino alejándose de sus primeras influencias industriales para incorporar una música ambient llena de capas de sonido y texturas. Tras un largo paréntesis, en 2017 regresaron con el sobresaliente álbum Tropic, lo que supuso también su vuelta a los escenarios.

O Yuki Conjugate (OYC) nacen en Nottingham en 1982 dentro del movimiento de música experimental británico que surgió del post punk (donde se puede incluir, entre otros, a Coil, Hafler Trio y Zoviet: France). Formado por Andrew Hulme y Roger Horberry, reinterpretan la música ambient (en su definición más próxima a la de artistas como Brian Eno), deconstruyendo sus convenciones musicales y explorando nuevas posibilidades, reinventando consistentemente nuevas sonoridades, que aunque distantes de las tendencias predominantes de la música popular, conquistaron una dimensión de culto en Europa y Estados Unidos, y un lugar muy específico en la historia de la música electrónica británica.

Tras un largo paréntesis, OYC regresaron con Tropic (2017) y vieron recientemente como sus discos más icónicos y visionarios de los ochenta eran objeto de reediciones a través de sellos reconocidos como Vinyl-On-Demand o Emotional Rescue, al mismo tiempo que djs internacionales de gran prestigio incluían sus temas en sesiones. Estos hechos los alentaron a un regreso a los escenarios durante los últimos años con gran éxito, demostrando que siguen ofreciendo perspectivas musicales innovadoras. En sus shows exploran terrenos sonoros que ellos mismos han bautizado como “ambient sucio”, de múltiples capas y muy texturizado. Por su parte Andrew Hulme es también un cineasta cuyo trabajo se ha exhibido en Cannes, además de ser el responsable de las imágenes que acompañan sus actuaciones.