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Segunda edición del festival “Mujeres en vivo”


Con más de 80 citas programadas y 16 salas participantes, la segunda edición de “Mujeres en vivo” presentará este mes de marzo a más de 60 formaciones con mujeres como protagonistas en un ciclo de conciertos y propuestas escénicas, además de la I Muestra de Talentos Femeninos, que dará oportunidad a nuevas artistas de subirse al escenario.

Mujeres en Vivo (Madrid 2021)
Mujeres en Vivo (Madrid 2021)

El festival tendrá lugar en enclaves culturales madrileños como lo son la Sara Siroco, Maravillas, el Nuevo Teatro Alcalá o el Libertad 8. Algunos de los nombres que nos esperan: Yo No las Conozco, Miriam Berkirane, Big Easy, Erin Corine, Titxu Vélez y Alejandra Martínez de Miguel, la Riot Comedy hasta Daniela Gordin, etc

La asociación de salas de música en vivo de Madrid “La Noche en Vivo”, en conjunto con la Dirección General de Igualdad de la Comunidad de Madrid, traen esta serie de eventos en pos de la visibilidad de las artistas en el sector cultural, con énfasis en las actuaciones en vivo.

malabrava

Si bien es verdad, la asociación nos indica que la presencia femenina en los casi 17000 conciertos programados en un año pre-pandemia, es solo de un 30%, cuando el público femenino representa un 57% frente al 47% masculino. La programación de este festival no es solo de interés per se, si no también un golpe sobre la mesa con el que se pretende llamar la atención de este desequilibrio tanto fuera como encima y detrás del escenario. La asociación Mujeres de la Industria de la Música MIN realizó un estudio que identifica un 70% menos de sueldo medio comparado con sus contrapartes masculinos. Aún cuando la representación femenina lleva años en aumento, debemos destacar el trabajo de nuestras profesionales que muchas veces queda tras bambalinas.

 

Fernando Simon & Garfunkel , el proyecto musical más viral del epidemiólogo


Fernando Simón anuncia nuevos proyectos ahora que la vacuna ha llegado a nuestro país, por todos es conocida su faceta melómana y sus dotes al spoken-word. El polifacético Fernando sorprendía esta mañana en rueda de prensa al hablar de su nuevo proyecto, Fernando Simon & Garfunkel, en el que compartirá banda con músicos de Siniestro Total, The Vaccines, Seguridad Social, Vetusta Morla y Siempre Así, “tan heterogéneo como las mutaciones del Covid” afirma don Simón. Un proyecto con alma benéfica, sobre los beneficios de la venta de su primer LP muchos han comentado si irá a parar a las arcas del estado, a lo que el doctor parafraseando a sus amigos Dorian ha dicho que irán ‘a cualquier otra parte’.

 

El diseño de la portada ha sido encargado a Pfizer y tardará unos meses aún en llegar. Entre los temas que conformarán su primer LP adelantan covers como ‘Te Voy a Pinchar’ de Joe Crepúsculo, ‘Sana Sana’ de Nathy Peluso, ‘Al Respirar‘ de Vetusta o ‘Mi Medicina‘ de Carlos Baute. Además entre sus temas propios destacan ‘El Chip Prodigioso’, ‘Bosér o no ser’, ‘Ms. Ayuso’ y ‘Mask Singles’.

simon

“Llevo mucho tiempo componiendo y analizando la situación, os iré dando las cifras de escucha en Tidal y en Spotify de manera diaria, incluso lo mismo me hago una batalla de gallos en directo en cualquier momento, aviso…”

Alerta Roja lanza comunicado para continuar las acciones que dieron comienzo el 17S el próximo 30 de septiembre #HacemosEventos #AlertaRoja

Alerta Roja está promoviendo para el próximo 30 de septiembre una jornada que da continuidad a las acciones de identificación, expresión, implicación e impacto creadas el 17S. En esta ocasión se amplía además a todos los segmentos, disciplinas y profesionales de la cadena de valor.
Foto tomada de Facebook oficial Alerta Roja Eventos
Foto tomada de Facebook oficial Alerta Roja Eventos

En las movilizaciones de hace una semana, 25 ciudades españolas y miles de espacios iluminados (privados, públicos y particulares) se unieron en la primera reivindicación de un amplio sector que necesita de un Plan de Rescate urgente, así como la creación de mesas de trabajo sectoriales con diferentes instituciones públicas. Asimismo, desde Alerta Roja se quiere fomentar la elaboración de un reglamento específico y homogéneo en diferentes materias que garantice la seguridad jurídica de todxs lxs participantes y profesionales de la industria.

El objetivo de la acción del 30 de septiembre es ampliar el carácter representativo del sector del Espectáculo y los Eventos, abriéndose a la creatividad inherente de todxs nosotrxs, con acciones y expresiones de toda índole (artísticas, técnicas, musicales, corporales, etc). Además, esta nueva jornada reivindicativa da la oportunidad de participación a todas las demás ciudades que no pudieron estar presentes el 17S, e invita a todxs a desarrollar sus propias acciones creativas.

Todas estas acciones han de subirse a través de vuestras redes y compartirse incluyendo los hashtags oficiales (nacionales e internacionales) y preferiblemente entre las 20:00h y las 23:00h del mismo día 30S.

#WeMakeEvents
#HacemosEventos
#TodxsUnidxs
#StandAsOne
#LightItInRed

A continuación se detallan ideas y conceptos, donde el color Rojo sea la nota visual dominante y se despierte la conciencia social y mediática sobre la alarmante situación del sector. También recomendamos el uso siempre de los logos oficiales – #AlertaRoja  #HacemosEventos (Link de descarga)

ILUMINACIÓN, TÉCNICA Y ESPACIOS DE TRABAJO:
– Iluminar en Rojo fachadas, balcones, ventanas, y exteriores en general, así como el interior de teatros, salas de conciertos, espacios culturales, salas multiusos, espacios de ferias, palacios de congresos, espacios para eventos, zonas de festejos, carpas de circo, locales de ensayos, estudios de grabación, etc., e incluso puestos de trabajo, oficinas, etc.

– Proyectar en el exterior de los espacios las acciones que suelen acontecer en su interior.
Un teatro proyectando una obra en su fachada… Una sala de conciertos proyectando conciertos-música, una escuela de baile proyectando coreografías, un espacio de eventos proyectando una conferencia…

– Empresas de equipos y FX realizando acciones visuales / técnicas en sus naves y/o fachadas empleando iluminación, láseres, pantallas, proyectores y todo tipo de material técnico empleado habitualmente en conciertos, eventos, festejos, etc.

MÚSICA, ARTE Y DANZA:
– Realizando conciertos sencillos en el interior de las salas, a puerta cerrada, donde se vea la ausencia de asistentes, e incluso profesionales de danza/baile que realicen coreografías sencillas y cortas, escuelas de circo que muestren sus entrenamientos personales, piezas escénicas…

ACCIONES DE CALLE:
– Simulando concentraciones en cualquier plaza o calle, donde un grupo de profesionales, músicxs, técnicxs, azafatxs, auxiliares… (respetando siempre el uso de mascarilla, el distanciamiento interpersonal y el numero máximo de personas permitido en cada ciudad), donde por ejemplo se aten de manos, en silencio, ataviadxs con su ropa de trabajo habitual y/o con sus elementos de trabajo posados en el suelo (Instrumentos, arneses, cascos, walkies, ordenadores, cintas de color, focos, altavoces…)

– Instalaciones artísticas empleando elementos habituales en montajes (Trusses, cases, toros, generadores, etc.)

– Se invita a lxs feriantes a montar sus atracciones e iluminarlas en rojo.

– Se invita a las empresas de pirotecnia, en caso de poder realizarlo en espacios seguros y sin necesidad de permisos, el uso de fuegos de color rojo y en cadencias espaciadas.

– Se invita a las empresas de logística, transportes y camiones escenario a unificar sus flotas de vehículos en las diferentes ciudades donde se encuentren (parkings, explanadas…) para crear esa gran foto de los Transportes.

HERRAMIENTAS Y COLABORACIONES:
Estas acciones parten de un espíritu de identificación personal y profesional pero también estructural y empresarial. Es vital que, entre toda la red de profesionales y empresas, activemos una vez más la colaboración entre todxs nosotrxs para sumar recursos, y que ciertas acciones que se vayan a desarrollar generen un mayor impacto e imagen de unión y colaboración.

– No dejéis de crear vuestros carteles, lonas y cualquier otro soporte que pueda acompañar vuestras imágenes en rojo, solo con los logos del movimiento y/o hashtags oficiales.

– Si no podéis iluminar en rojo vuestras acciones, no dejéis de emplear filtros de color rojo en las imágenes.

– Allí donde el uso de drones esté permitido, no dejéis de emplearlos para realizar fotos aéreas.

 alerta roja hacemos eventos nueva accion el 30 septiembre
Por otra parte, y con la intención de tener en la web contenido identificativo, un mapa y una galería de edificios, espacios y empresas iluminados, se ha creado un espacio donde podréis subir vuestras imágenes del día 17S y del día 30S en este link:
https://eventtech.typeform.com/to/CYUD9FM7

En el caso de profesionales, artistas, conjunto de disciplinas, particulares… que quieran facilitar su contenido visual para enriquecer la creación futura de contenido visual identificativo de nuestras profesiones, podéis subir vuestras imágenes en este link:
https://eventtech.typeform.com/to/lhwcwzLe

;Más info sobre todos los países involucrados:

Confeti de Odio se recrea en la melancolía en su nuevo doble single “Quiéreme / Si me quiero”

Lucas de la Iglesia es Confeti de Odio. Confeti de Odio es Lucas de la Iglesia. Un proyecto sin pretensiones, pero que silenciosamente reposa en el idealismo nostálgico y fugaz de una generación confusa. La pérdida de horizontes, el “sinsentido” de la vida, y el desolador vacío de las tierras arrasadas por los sueños que se han alejado de nosotros. En suma, la lánguida pero fascinante mirada del que observa el mundo sin creer en él.

En su brevísima vida artística, Lucas ha lanzado ya 5 sencillos y EP. El primero de ellos, Hoy será un día horrible, sigue siendo su canción con más reproducciones, y aquella que ha contribuido a configurar la inquebrantable identidad que hoy lo define. Un concepto de la tristeza más próximo al desarraigo que al romanticismo, aunque no exento de lirismo y sensibilidad.

Sus dos últimos lanzamientos, agrupados dentro de un mismo EP, han sido bautizados como Quiéreme Si me quiero. Una vez más, en la órbita de sus recurrentes dilemas -amor y desamor, inseguridades, falta de autoestima y miedo a la soledad-, Confeti de Odio nos invita a una exploración humana y sincera de su intimidad, que bien puede corresponderse con la de cualquiera de nosotros. Su peculiar búsqueda de afecto es, al tiempo, una oda a la desesperanza y el desencanto vital, que retrata con precisión las situaciones a las que día tras día nos enfrentamos.

“Si me quiero, ¿por qué lloro en el metro?”

Honestidad brutal, sinceridad escalofriante y demoledora, y una fascinante atmósfera, que impregna de poesía sus afilados puñales.

Uno de sus trabajos más refinados hasta la fecha, envuelto en la melancolía que lo caracteriza, y una crítica mordaz al amor enfermizo que, de un modo u otro, no somos capaces de rehuir.

Confeti de Odio plantea con “Quiéreme” una nueva estética, que reside en la idea de invertir el clásico formato de las páginas web pornográficas, bajo una apariencia romántica y sensiblera. De ahí “Lovehub”: un lugar donde huir de la soledad a través de “bukakes” de abrazos y ofertas. Una paradójica reivindicación de la sinceridad y la aceptación del conflicto, que se deleita en lo absurdo y trágico de las relaciones humanas.

Si me quiero” es el paso de la farsa y la dulce mentira a la verdad, cruel, mordaz e inequívoca. La inercia que guía los pasos, y la quietud con que avanzan los días. El odio a uno mismo, la franqueza con que dialoga el pesimismo, y el rechazo a lo impuesto, de nuevo bajo el incierto desencanto que arropa la duda. Una duda que corroe, aprisiona y hunde, hunde en la más profunda de las miserias. Pero saca a flote lo que florece cuando calla todo lo demás.

https://www.youtube.com/watch?v=9jF85N0DU4Y

Vuelan las entradas para Dorian en el Náutico

Este viernes día 23 llegan a San Vicente los barceloneses Dorian. El grupo fundado por Marc Gili viene de recorrerse España en festivales como el Arenal Sound, el Amante en Zaragoza o el Cooltural en Almería. Además de tener programados para el próximo mes varios eventos en ciudades como Valladolid o Barcelona, también apuntan destinos de la talla de Los Ángeles.

Dorian es uno de los nombres que más fuerte suena en los últimos años. Originarios de Barcelona, su sonido se configura como una fusión de estilos; desde el new wave hasta la electrónica, el dance-punk o un indie rock más tradicional. Sus letras nos hablan de realidades cotidianas, cargadas de reflexiones morales y referencias culturales de lo más variopinto. Todo ello inmerso en un estallido sonoro de luz y electricidad, bajo un sello personal y genuino que los distingue dentro del género.

Dorian Náutico

Su último álbum, Justicia Universal, sintetiza su trayectoria y expone su potencia creativa. Todo ello de manera directa, sumamente directa. Tan explícito como, en ocasiones, hiriente. Sin interferencias en su tarea comunicativa, apunta con acierto al destino que pretende. En cuanto a la forma, nos encontramos con melodías pop en su icónico envoltorio electrónico, ya una seña de identidad del grupo. Este fructífero trabajo nos deja éxitos como Duele o Hasta que caiga el sol.

El viernes llegan al Náutico de San Vicente, sumándose a la interminable lista de que ya presume el local de de la Cierva. Mañana, Andrés Suarez y Sandra Bernardo. ¡No os perdáis nada!

Dorian estará allí a las 20:00. Las entradas ya se han agotado. De hecho, han volado.

¡No dejéis de escucharlos en Spotify!

Aquí las próximas fechas:

24/08 – Ferrol (Plaza de España)

30/08 – Figueres (Festival Acústica)

07/09 – Miranda do Ebro (Ebrovisión)

11/09 – Valladolid (Plaza Mayor)

20/09 – Barcelona (Feste de la Mercé)

21/09 – Vic (Mercat de la Música Viva)

27/09 – Getxo (Getxo Sound)

Anni B Sweet llega este viernes al Náutico de San Vicente

Continuando con la larga lista de actuaciones que en los últimos meses han ido tomando forma en el Náutico de San Vicente, Anni B Sweet se subirá a los escenarios este viernes 16 de agosto.

La malagueña, definida por muchos como una de las grandes voces del indie español, viene de lanzar en mayo un potente disco, Universo por estrenar. Este álbum es, además del primero que compone íntegramente en castellano, una puerta abierta a nuevas influencias.

Sweet se caracteriza por un indie pop electrónico, casi magnético, plagado de melodías envolventes y ritmos arrasadores que se entremezclan en una atmósfera cósmica y espacial. Así se ha ido definiendo y redefiniendo a lo largo de sus más de diez años de carrera musical, anticipados por una tempranísima vocación que ya desde niña manifestaba.

Antes de grabar su primer disco, allá por el 2009, el FIB ya se había decantado por la cantautora, apuntando sus inicios en el mundo de la música. Ese mismo año veía la luz Start, Restart, Undo, álbum enfocado hacia un folk acústico y melódico, del que aún atesora importantes influjos a día de hoy. Sin haber alcanzado la mayoría de edad, ya se había posicionado en la primera línea de la escena nacional.

Tras tres años de giras llegó Oh, Monsters!. Fue este el vuelco que aguardaba, expectante, su floreciente música. Trastocando los esquemas que hasta entonces se había fijado y dando vida a nuevos sonidos, más oscuros y poderosos. Así avanzó, con cautela, hasta dar con Chasing Illusions, su tercer álbum de estudio. Una experiencia plagada de luz, espejismos sensoriales y una furiosa electricidad, que sentarían su perfil actual.

Anni B Sweet

Tan dulce como fugaz, incandescente, casi incierta, Sweet sigue sin definirse ni reprimir su potencia creativa. Todo aquello que compone, y en lo que estalla silenciosamente, se nos hace cercano, pero misterioso. En su curiosidad innata por las cosas, y el deseo inherente de enfrascar sus ideas y emociones, nos regala esa pasión armónica y perfecta que desborda. Casi de otro planeta. Como sus músicas, nos habla de otros mundos. Se aleja como aquello que vemos y creemos no haber visto jamás y, en su fuerza pura aunque contenida, la vemos volar y danzar sin temor a caer.

No te la pierdas este viernes en el Náutico, a partir de las 20h.

¡Puedes comprar tus entradas aquí antes de que se agoten! Y no te olvides de escucharla en Spotify.

Camisetas personalizadas para tu periplo festivalero.

¿Quién no ha pecado en alguna ocasión de llevar una pancarta con un mensaje para su banda favorita en un macro-concierto? ¿Quién no ha pensado en tatuarse una de las frases más significativas de una de las bandas de su vida y remarcar de esa manera su amor por el grupo en cuestión? ¿Quién no ha llevado en alguna ocasión una camiseta de alguno de sus ídolos y ha descolorido hasta la foto de tanto uso masivo? Es cierto que cada uno lo manifiesta de una manera, pero con un consumo cada vez más masivo de música, es muy fácil que nos gusten 100 grupos y como no vamos a llenar de tinta todo nuestro cuerpo con mensajes de amor, podemos hacer uso de camisetas de manga corta personalizadas para plasmar en ellas ese mensaje que queremos hacer llegar desde la pista a las bandas, o en el backstage, aftershow, o mandándole una foto directa en plan psycho.

El hecho de tener al alcance de tu mano un lienzo en blanco donde poder llevar a cabo una experimentación en formato fan de lo más creativo. Todo va en función de edades y de gustos, pero desde una impresión de tu cara con el artista demandado ( esto era algo habitual en uno de los últimos directos de Thirty Seconds to Mars al que acudimos), o un ‘Call to Action’ mediante una frase llamativa, un dibujo rompedor o un simple título de una canción en letras bien llamativas. No es nada nuevo que las grandes cadenas tienen en su poder el conocimiento de que las camisetas de grupos están de moda, pero antes que caer en llevar lo mismo que todos ( la archiconocida camiseta de los Joy Division, Gun´s and Roses, o AC/DC) bien puedes sacar tu lado creativo y explotar esta idea mucho más allá. Usalo con medias de rejilla, con pantalón corto, con unos vaqueros oversize, con unos pitillos, con una sobrecamisa o como lo lleve tu personaje favorito de instagram (al final, son los que están marcando estas tenencias), pero luce esos mensajes con gracia, no tires de tópicos y aprovecha el tirón.

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Así que ya sabes, ¿qué mejor manera de manifestar tu orgullo por una banda que plasmándolo en una de tus prendas de temporada?

Los espectáculos musicales más emblemáticos de Las Vegas

Los espectáculos musicales más emblemáticos de Las Vegas

 

Despedidas de solteros y solteras, citas con la ruleta, bodas prematuras y veladas de boxeo no conforman, ni poquito, toda la receta del cóctel llamado Las Vegas. Un ingrediente menos mediático pero en plena efervescencia es el de los espectáculos musicales. A continuación, repasamos algunos de los más emblemáticos y sonados de la localidad de Nevada. 

La relación de la ciudad del pecado con la música viene de lejos, porque era ya un atractivo turístico durante los tiempos de Elvis Presley. Este no estuvo de paso por estos lares. De hecho, el rey del Rock and Roll contó con un espectáculo permanente durante siete años, que le reportó ingresos millonarios. En cifras con muchos ceros se han movido otros artistas más actuales como Celine Dion o Britney Spears, sin olvidar que figuras de la talla de Elton John o Rod Stewart han pisado también los escenarios de Las Vegas. En la mayoría de los casos, los focos les alumbraron desde el interior de los majestuosos hoteles de la zona, reconocibles por la mayoría gracias a películas como Resacón en Las Vegas, Ocean’s Eleven o 21 Blackjack. Es el caso del LVH – Las Vegas Hotel & Casino que tuvo como huésped más distinguido a Elvis; mientras el mago David Copperfield lleva casi dos décadas actuando en el MGM Casino, que a su vez ha sido sede de algunos de los combates de boxeo más legendarios de los últimos años. 

Gaga, con residencia en Las Vegas

lady gaga“Lady GaGa” by  (CC BY-SA 2.0)

Es un hecho. Los casinos de Las Vegas se han vuelto multifuncionales para subsanar, a través de la música y espectáculos varios, los menores beneficios obtenidos a través de las mesas de póker, blackjack y ruleta. ¿A qué se debe el descenso de los beneficios? En realidad, hay más de una razón. Por un lado, está la liberación del juego a nivel nacional en Estados Unidos. Por otro, habría que citar la posibilidad real, a este lado del Atlántico, de disfrutar ya de todas las ventajas del casino físico en el casino en vivo de internet a solo un clic de botón de un dispositivo móvil, y todo ello ahorrándose un jugador la habitación de hotel y pudiendo participar en partidas gratis en las versiones demo antes de decidir si invertir en el juego real. 

Algunas de las camas exentas de jugadores, ahora son ocupadas por fanáticos del rock y el pop. En La Vegas, el ocio se ensancha, por tanto, hacia la vertiente musical, produciendo un efecto llamada sobre otros nuevos artistas dispuestos a conquistar la ciudad como en el pasado Elvis. A este grupo pertenecen, entre otros, Lady Gaga y Aerosmith. La residencia de conciertos de la primera, de nombre Lady Gaga: Enigma, dio comienzo en diciembre de 2018 y se alargará hasta mayo de 2020. De las 44 actuaciones pactadas, ha ofrecido por ahora  20. Mismos pasos que Gaga ha seguido el grupo Aerosmith, que se despedirá de Las Vegas el próximo mes de julio. En la lista, tampoco pueden faltar los homenajes en forma de conciertos a antiguas leyendas musicales como el propio Elvis o el Michael Jackson ONE en honor a Michael Jackson. 

En definitiva, Las Vegas es algo más que una ciudad con casinos abiertos las 24 horas. Es un destino ideal para los amantes de la música. 

La Casa Encendida anuncia su programación para la Terraza Magnética con cine y música para todos los públicos.

la terraza magnética programación verano 2019

Con la llegada del verano, La Terraza de La Casa Encendida vuelve a transformarse en La Terraza Magnética con el habitual ciclo de cine al aire libre y los conciertos al atardecer, además de ser uno de los rincones más atrayentes de Madrid para poder tomar una cerveza con vistas a los tejados de Lavapiés. Este año, la programación girará en torno al lenguaje del cómic en relación directa con la exposición Vicios Modernos, sobre la obra gráfica de Ceesepe, que se podrá ver en La Casa Encendida hasta el 22 de septiembre

La programación de cine de los sábados contará con una selección de películas influenciadas de alguna manera por el espíritu del cómic, ya sea por su transgresión formal o por el contenido y definición de sus personajes. El ciclo arrancará con la imprescindible ópera prima de Pedro AlmodóvarPepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, emblema de la movida madrileña y que cuenta con el propio Ceesepe en su reparto quién además también diseñó el cartel de la película. Durante el resto del verano, el ciclo se adentrará en los fascinantes universos creados por Eiichi Yamamoto, Panos Cosmatos, David Robert Mitchell o Richard Linklater y conocerá a algunos de los personajes más extraordinarios de la cultura underground, como el historietista americano Robert Crumb o el luchador mexicano, Cassandro, el Exótico

 

https://www.youtube.com/watch?v=n08QUgtlfX8

Para abrir el ciclo de conciertos, La Terraza Magnética cuenta con una artista fundamental en la historia de la escena electrónica de Berlín desde sus inicios y hasta el presente: Gudrun Gut. Seguirá, todos los domingos de verano, una programación cuyo denominador común es que son músicas que están fuera de la norma: pop electrónico de vanguardia con Natalie Beridze/TBA y Negra Branca; actuales ritmos de club para pistas atrevidas con Telephasycx!; nueva música “Exótica” desde la jungla de Madrid con L´Exotighost; héroes del surrealismo electrónico perfectos para fiestas siderales con Gelbart y Orfeon Gagarin; electrónica entrelazada con tradiciones musicales chamánicas centroamericanas con Naoba y emotivo synth pop con influencias de maestros como Kraftwerk u OMD con Mynationshit. El cierre de La Terraza Magnética también será de lujo con la actuación, por primera vez en España, de O Yuki Conjugate, clásicos del ambient más sugerente

https://www.youtube.com/watch?v=nQuApT2lVMA

Todos los sábados y domingos, desde una hora antes y durante la proyección de la película y el concierto, se podrá comprar un combo de pizza + cerveza por cinco euros

 

CINE

22 junio

Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, de Pedro Almodóvar

España, 1980. 82’. VO

Casi 40 años después de su estreno, la ópera prima de Almodóvar sigue siendo un soplo de aire fresco. Auténtico icono de la movida, por ella desfilan algunos de los protagonistas del underground madrileño: Alaska, McNamara o Ceesepe. Gamberra, divertida y rompedora, con los años se ha convertido en un documento esencial para conocer una etapa clave de nuestra historia reciente.

Pepi es una joven que cultiva marihuana en su terraza; Luci es su vecina, una sumisa ama de casa casada con un policía y Bom es una cantante punk de tendencias sádicas. Sus vidas se cruzarán cuando el marido de Luci descubre el negocio de Pepi y acaba violándola. Pepi decide vengarse y a partir de ese momento las tres comenzarán una intensa relación que les llevará a recorrer la alocada vida de la movida madrileña, lo que supondrá un cambio radical para Luci.

Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, 1949) es el cineasta español más aclamado a nivel internacional: director, guionista y productor de títulos ya indispensables de la historia del cine como Que he hecho yo para merecer esto (1984), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) o Volver (2006). Con sus películas ha obtenido innumerables premios, entre ellos dos Oscar, uno por Todo sobre mi madre (Mejor película en habla no inglesa, 1999) y otro por Hable con ella (Mejor guion original, 2003).

https://www.youtube.com/watch?v=dqox5M8HHdw

 

CONCIERTO

23 junio

Gudrun Gut

Una de las figuras más activas desde los años ochenta de la escena underground berlinesa, con un estilo que va desde el post punk al tecno pasando incluso por la indietrónica. En 2018 publicó su último álbum en solitario Moment, con un sonido enigmático y ecléctico de tonos hipnóticos y experimentos tecnoides.

Gudrun Gut (Monika Enterprise, Moabit Music/Berlín) ha jugado un papel muy activo en la escena underground berlinesa desde principios de los años ochenta, con un estilo que va desde el post punk y el tecno hasta la indietrónica. Fue cofundadora de bandas legendarias como Mania D., Einstürzende Neubauten, Malaria! y Matador. En 1996, con Ocean Club organizó eventos en el Club Tresor junto a Thomas Fehlmann y Daniel Meteo, lo que dio origen al álbum Members of Oceanclub. En 1997, Gudrun funda el prestigioso sello Monika Enterprise, centrado en artistas femeninas.

Su primer álbum en solitario, I Put A Record On, salió en 2007 con una notable respuesta internacional de la prensa y fans, seguido de conciertos en numerosos países de cuatro continentes. Seguiría Wildlife(2012) y Gut und Irmler: 500m (Bureau B. 2013): un proyecto de colaboración junto a Hans-Joachim Irmler (de los míticos Faust). Destacan otras colaboraciones con la artista de spoken word Myra Davies como Miasma, y más tarde con Antye Greie (conocida como AGF) en el proyecto Greie Gut Fraktion. Un reciente proyecto de Gudrun Gut es el concepto en constante evolución llamado Monika Werkstatt, un colectivo de artistas femeninas que discuten e improvisan sobre música electrónica y que lanzaron un álbum en el 2017, seguido de una gira europea.

Moment es su álbum en solitario más reciente publicado en diciembre del año pasado por Monika Enterprise, y que presentará en La Terraza Magnética. En Moment encontramos a Gut en su forma más enigmática y ecléctica, con tonos de hipnosis motorik junto a experimentos tecnoidescold wave e incluso una versión del “Boys Keep Swinging” de Bowie. También nos muestra la profundidad y el detalle de su voz, reservada pero sugestiva, entonando verdades contundentes y poesía tanto en alemán como en inglés.

CINE

29 junio

Lo que esconde Silver Lake, de David Robert Mitchell

Estados Unidos, 2018. 140’. VOSE

Fascinante cóctel de referencias pop volcado en la pantalla en forma de cruel parodia detectivesca que realiza una relectura, en clave millenial, del cine clásico de Hollywood, situando su acción en Los Ángeles, por la que Mitchell disemina un sinfín de personajes y pistas tan asombrosas como desconcertantes, trazando un lisérgico laberinto del que es muy difícil salir.

Sam vive en el típico apartamento de urbanización de Los Ángeles; su vida es un auténtico aburrimiento sin ningún aliciente, no trabaja y están a punto de desahuciarle. Pasa sus días espiando a las vecinas, hasta que la más atractiva y misteriosa de todas ellas, de repente, desaparece. El deseo que siente por ella le convertirá en un delirante detective que intentará resolver el caso descubriendo conspiraciones y misterios en los lugares más insospechados, ya sea una caja de cereales o un cómic underground.

David Robert Mitchell (Clawson, 1974) es director, guionista y productor, que con tan solo tres películas se ha convertido en uno de los cineastas contemporáneos más reputados del nuevo cine americano. Graduado en la Universidad de Florida, se inició en el mundo del cine con el cortometraje Virgin (2002). Su debut en el largometraje llegó en 2010 con The Myth of the American Sleepover y cuatro años después llegaría su reconocimiento internacional con la aclamada cinta de terror It follows (2014).

 

 

CONCIERTO

30 junio

Gelbart

Alquimista musical que combina todos los colores y matices del pop electrónico en sus tubos de ensayo, maravillando con cada explosión de sonido. En La Terraza presentará uno de sus directos en los que ofrece una exploración psicodélica de modulaciones sintetizadas y melodías inspiradas en la era espacial, ejecutadas con maestría en equipos analógicos y dispositivos caseros misteriosos.

Adi Gelbart es un genio-científico loco de la música que se mudó en 2006 de Tel-Aviv a Berlín. Un gigante que mezcla todos los colores y matices del pop electrónico en sus tubos de ensayo (máquinas analógicas antiguas, guitarras, instrumentos recargados con pilas, aparatos hechos a mano o laptops), que maravillan con cada explosión de sonido resultante.

Realiza una búsqueda audaz y libre de nuevas fronteras, basándose no en el azar del amateurismo, sino en el conocimiento enciclopédico de las tradiciones y los secretos del pop y en la pasión por construir estructuras emocionantes e inesperadas sobre él. Los shows en vivo de Gelbart son una exploración psicodélica de modulaciones sintetizadas y melodías inspiradas en la era espacial interpretadas con maestría en equipos analógicos y dispositivos caseros misteriosos. Tiene varios discos publicados a sus espaldas en sellos como Gagarin Records (fundado por Felix Kubin), Defekt o Joyful Noise Recordings, que acaban de publicarle un álbum en enero de este año, Egg Ray Test Hits Cow Action.

CINE

6 julio

Belladonna of Sadness, de Eiichi Yamamoto

Japón, 1973. VOSE

 

Esta mítica película de animación japonesa, gestada durante seis años, es un oscuro cuento de hadas que propone una psicodélica reinterpretación de la historia de Juana de Arco. Con influencias de la obra de Gustav Klimt, crea un hipnótico mundo de fantasías visuales y sonoras plagado de simbolismo.

Junto con Las mil y una noches (1969) y Cleopatra (1970) forma parte de la trilogía “Animerama” ideada por el padre del manga Osamu Tezuka, una serie de películas que experimentaron con la animación buscando una alternativa madura al cine de Disney. La película está basada en The Sorcerier, texto del historiador Jules Michelet que relata la venganza de una bella joven convertida en hechicera tras un pacto diabólico. La Jeanne de Belladonna, tras ser violada por el Barón de un castillo y sus huestes, desatará sus fuerzas ocultas a través de su propia sexualidad para luchar contra el poder establecido. La animación es acompañada por una sorprendente banda sonora de psych rock japonés, obra del conocido compositor de jazz de vanguardia Masahiko Satoh.

Eiichi Yamamoto (Japón, 1940) es director y guionista, uno de los maestros del anime, fiel colaborador de Osamu Tezuka, con quien fundó la productora Mushi, desde donde escribiría y dirigiría una decena de proyectos, destacando la trilogía de anime para adultos “Animerama”.

CONCIERTO

7 julio

Mynationshit

 

Bajo este nombre se encuentra el proyecto musical de Carlos Martín, que se mueve entre el synth pop, la música electrónica espacial y el electro. Su sonido tiene influencias que van desde clásicos como Kraftwerk y OMD hasta otros más contemporáneas como Hyboid y Shemale. En este concierto, adelantará temas de su próximo disco, que se publicará tras el verano.

Mynationshit surge como proyecto en el año 2007. Bajo ese alias, Carlos Martín desarrolla sus inquietudes musicales manejando sintetizadores y cajas de ritmos. Sus melodías y sonidos se adentran en mundos oníricos personales y emotivos. En sus letras (cargadas de poesía) siempre aparece el conflicto ético-moral entre el bien el mal, la melancolía y el vitalismo. En 2012 editó su primer álbum homónimo con GH Records, al que seguirían más adelante otros dos también en este sello valenciano.

En 2016 presentó el mini álbum Malevolent Charmer en Waste Editions, etiqueta de la que es cofundador, y en este 2019 prepara la edición de su nuevo disco para después del verano por lo que presentará material nuevo en este concierto.

CINE

13 julio

Jodorowsky´s Dune, de Frank Pavich

Estados Unidos, 2013. 83’. VOSE

Documental que recupera la historia de la mítica Dune, de Alejandro Jodorowsky, posiblemente, la película no realizada más influyente de la ciencia ficción. Ideada en 1975 en su desarrollo participó el ilustrador “Moebius”, quien realizó un minucioso storyboard que recreaba, íntegramente, la película. El proyecto se vino abajo por problemas presupuestarios.

A mediados de los años 70, Alejandro Jodorowsky soñó con adaptar la novela clásica de ciencia-ficción Dune, de Frank Herbert, con la ayuda de Moebius, H.R. Giger (quien pocos años después diseñaría Alien) y el maestro de los efectos especiales, Dan O’Bannon intentó cumplir su sueño. Durante los cinco años que estuvieron trabajando intensamente en la preproducción de la obra, se realizó un minucioso storyboard de 3.000 ilustraciones que recreaba, íntegramente, la película con escenas, planos de cámara y diálogos, al que había que sumar una selección de actores con nombres tan destacados como Orson Welles, Salvador Dalí, Gloria Swanson o Mick Jagger, y Pink Floyd en la banda sonora. Con un guion que daba para una película de 14 horas y casi todo el presupuesto de la película gastado antes de empezar a rodar, finalmente el proyecto fue cancelado. En 2013, Fran Pavich presentó en el festival de Cannes este premiado documental, en el que se sumerge en todo el trabajo de preproducción de esta legendaria epopeya a través de una serie de entrevistas con muchos de los implicados.

Fran Pavich (EE.UU. 1977), director y productor de cine, se estrenó en 1999 con el documental N.Y.H.C. sobre la escena de la música hardcore de Nueva York. Con una carrera dedicada a desarrollar proyectos televisivos para compañías como Showtime o HBO, en 2013 presentó su segundo largometraje Jodorowsky´s Dune, estrenada en el Festival de Cannes, ha obtenido varios premios internacionales entre ellos el del público en Sitges, donde también se llevó una mención especial del jurado y el premio al mejor documental en el Fantastic Fest.

 

CONCIERTO

14 julio

Natalie Beridze/TBA

Compositora de música electrónica y canciones de pop experimental, Natalie Beridze ha colaborado con artistas de la talla de Ryuichi Sakamoto, Thomas Brinkmann, AGF, Joerg Follert o Marcus Schmickler. En Madrid estará presentando su último álbum en solitario, Guliagava, publicado por Monika Enterprise, el sello de Gudrun Gut.

Nacida en Georgia en 1979, Natalie Beridze/TBA (Monika Enterprise/GE-Tbilisi) es una compositora de música electrónica y canciones de pop experimental, que además trabaja paralelamente en piezas para instrumentos acústicos, orquesta y coro. En 2008 se mudó a Colonia, produciendo su música bajo el nombre TBA. Pero ya desde el año 2004, Beridze había estado realizando conciertos en vivo por todo el mundo y es conocida como la primera artista femenina de música electrónica de su país, después de haber publicado en Europa en sellos como Max.E, Monika Enterprise, CMYK, Laboratory Instinct, Chainmusic, DADO Records y Apollo Records. Trabaja actualmente en Tbilisi y desde el 2013 dirige su propio programa “Live @ Twilight” en la televisión cultural por cable e internet de Georgia, Artarea TV. Su último álbum en solitario Guliagava ha sido publicado en Monika Enterprise.

CINE

20 julio                                             

Mandy, de Panos Cosmatos

Estados Unidos, 2018. 120’. VOSE

 

Juntar en una misma película a Panos Cosmatos, uno de los cineastas más imaginativos del cine actual, con Nicolas Cage ha sido, sin duda, uno de los grandes aciertos del cine de género. El resultado de esta excéntrica suma es Mandy, un filme que reformula el cine de venganzas en un ambiente de terror setentero con colores saturados, estética heavy metal y sierras mecánicas.

Red es un leñador que vive en una cabaña en el bosque junto al amor de su vida, Mandy. No tienen mucho contacto con el mundo, hasta que un día Mandy, mientras pasea tranquila, se cruza con el líder de una secta religiosa que se obsesiona con ella. Ayudado por una banda de motoristas venidos del infierno la secuestran, momento en el que Red, armado con todo tipo de artilugios al más puro estilo Serie B, comenzará su sangrienta y bizarra venganza, terminando uno a uno con todos los miembros de la secta.

Panos Cosmatos (Italia, 1974) es guionista y director, hijo del cineasta griego George P. Cosmatos y de la escultora sueca Birgitta Ljungberg, quienes se establecieron en Canadá en los años ochenta. Su primer contacto con el cine fue trabajando junto con su padre en el western, Tombstone (1993). Su debut como director fue con Beyond the Black Rainbow (2010), una película entre la ciencia ficción y el terror. En 2018 presentó en el Festival de Sundance Mandy, con la que posteriormente obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Sitges.

CONCIERTO

21 julio

Telephasycx!

Los directos de este hiperactivo dúo madrileño combinan ritmos bailables y afilados entre el electro y el tecno industrial con sonidos disonantes y un caos ordenado que recuerda a artistas de culto como Autechre o Esplendor Geométrico. Tras su exitoso EP de debut math.random ( )está en camino su segundo disco, que presentarán en La Terraza Magnética.

Telephasycx! lo forman Maryah Gamboa y Durbannoise, ambos con una sólida trayectoria musical también como organizadores de eventos (Rator Mute) y dirigiendo su propio sello discográfico recién fundado.

Maryah es guitarrista e improvisadora multidisciplinar. Comenzó su carrera tocando en grupos post rock y free jazz y posteriormente en 2006, en Berlín, inició su proyecto experimental Marymotto (influenciado por el noise y el krautrock). Más tarde viajó a Nueva York y Vancouver para desarrollarse como improvisadora. Tiene varios proyectos paralelos que tocan distintos estilos: 20 Fire Minutes, Marrash, Delusion of the Fury y más recientemente NonZero!

Durbannoise es un reconocido productor y dj en la escena electrónica de Madrid desde los noventa (cofundador del famoso colectivo Hardtaste en 1998), admirador de los clásicos de Detroit. Sus distintas personalidades musicales se entrelazan en Telephasycx!, que armados con guitarras filtradas, cajas de ritmo y sintetizadores producen una singular mixtura de ritmos electro y tecno industrial aptos para la pistas más arriesgadas, junto a experimentación, distorsión y caos ordenado. Se inspiran en artistas de culto como Autechre, Drexciya, Hijokaidan, Dopplerfeffekt o Esplendor Geométrico.

Su reciente EP de debut math.random ( ) (Rator Mute, 2019) cuenta con un remix de la estrella del electro Carl Finlow y ha sido masterizado por Alek Stark.

CINE

27 julio

Crumb, de Terry Zwigoff

Estados Unidos, 1994. 120’. VOSE

Retrato del icono underground por excelencia del mundo del cómic, Robert Crumb, en el que a través de conversaciones con familiares muy cercanos y exparejas se podrá conocer su parte más personal y compleja, sumergiendo al espectador en los detalles más oscuros de su biografía, su misantropía o las obsesiones sexuales que han marcado su obra.

A través de una serie de conversaciones acercará no solo a la figura del excéntrico Crumb y la relación con su familia, sino que se podrá asistir un lúcido análisis de la sociedad norteamericana del siglo XX. La película fue estrenada en el Festival de Sundance, donde obtuvo el gran premio del jurado y el premio a la mejor fotografía.

Terry Zwigoff (Appleton, Estados Unidos, 1949), cineasta y músico, aprendió a tocar el violonchelo y la mandolina. En los años setenta, tras mudarse a San Francisco, conoció a Robert Crumb y entró a formar parte de su banda de cuerdas: R. Crumb & His Cheap Suit Serenaders, con quienes realizó varias grabaciones. En el cine es conocido por sus trabajos relacionado con el mundo del cómic underground. Tras dirigir el documental Crumb (1994), en 2001 se adentró en la ficción dirigiendo Ghost World, una adaptación del cómic homónimo de Daniel Clowes, quien también se encargó del guion y con quien repetiría cinco años después en Art School Confidential (2006).

CONCIERTO

28 julio

L´Exotighost

Una conspiración sonora, bajo máscaras reflectantes, en torno a la música exótica, con ecos polinesios y tropicales, psicofonías orientales y rumores espaciales. Suenan theremines, marimbas, ukeleles bajos, shamisen, lapsteels, baterías llenas de groove, percusiones chispeantes y por debajo una microselva electrónica cargada de pájaros y efectos que pían misteriosamente.

La ola oculta (Everlasting Records, 2019) es el debut discográfico de L’Exotighost, seguramente el primer acercamiento serio que se hace en España al mundo de la exótica. Serio en las intenciones y procesos pero hedonista y desinhibido en el resultado final, la propuesta de L’Exotighost huye del revisionismo o lo retro. Su objetivo es recuperar el espíritu aventurero de la Exótica original utilizando herramientas del presente. Lo que Martin Denny, Arthur Lyman y demás pioneros de la Exótica aportaron a la historia de la música fueron altas dosis de misterio y sorpresa musical. El grupo se pone en marcha en junio de 2018 formado por Javier Díez Ena (Dead Capo y Ginferno), que se encarga del theremín, ukelele bajo y del procesamiento electrónico de otros instrumentos, aparte de la composición y arreglos de los temas; Ricardo Moreno (Los Ronaldos, Mastretta, y un larguísimo etcétera) a la batería y percusión; Juan Pérez Marina (Corcobado y Leone) se ocupa del shamisen, ukelele bajo, guitarra eléctrica y lapsteel. Y las marimbas corren a cargo de María Arranz (Percumento, Timbarimba, y una notable carrera como marimbista y percusionista en orquestas sinfónicas). ¡Nueva exótica desde la jungla de Madrid!

 

CINE

3 agosto

Cassandro, the Exotico, de Marie Losier

Francia, 2018. 70’. VOSE

El cine de Marie Losier se caracteriza por la sensibilidad y cercanía con la que ha retratado a algunas de las figuras más extravagantes de la cultura: Genesis P-Orridge, Alan Vega o Peaches. Aquí el protagonista es Cassandro, leyenda de la lucha libre mexicana que ha otorgado a los Exótios (luchadores homosexuales) el estatus de deportistas respetados en donde eran considerados bufones.

Tras 26 años realizando proezas en los cuadriláteros, Cassandro, la mítica estrella transformista de la lucha libre mexicana, no se plantea retirarse. Miembro de los Exóticos, con una docena de huesos rotos y clavos por todo su cuerpo, ahora tiene que reinventarse. Filmada en 16 mm cámara en mano, la directora sigue al luchador en sus combates, una gira por Europa y sus momentos más íntimos, trazando un mapa mágico y onírico en torno a la figura de este gran luchador dentro y fuera del ring.

Marie Losier (Francia, 1972) es una de las referentes dentro del nuevo cine experimental y de vanguardia. Francesa de nacimiento, gran parte de su carrera la ha desarrollado en Estados Unidos, estableciendo su base en Nueva York, donde llegó en 1994 para estudiar Bellas Artes. Ha dedicado su filmografía a realizar retratos en 16 mm de algunas de las personalidades más destacadas de la cultura underground. Con varias decenas de cortometrajes realizados, en 2011 presentó en el festival de Berlín su primer largo The ballad of Genesis and Lady Jaye, que obtuvo dos premios.

CONCIERTO

4 agosto

Orfeón Gagarin

Tras Orfeón Gagarin se encuentra Miguel A. Ruiz, pionero de la electrónica en Madrid desde 1986. En su sonido caben la cosmonáutica soviética, Borges, el surrealismo, las patologías clínicas, el humor negro y la vida extraplanetaria. Acaba de publicar nuevo álbum, Voces a 45, que presentará en La Terraza Magnética.

Orfeón Gagarin es el primer proyecto del pionero electrónico madrileño Miguel A. Ruiz. En 1986 publicó su primer trabajo en casete bajo este alias, en su propio y legendario sello Toracic Tapes, manteniéndose desde entonces muy activo dentro del movimiento internacional de sellos de casetes y colaborando con músicos de diferentes países. En solitario ha publicado docenas de trabajos en todos los formatos, sobre todo en casete, en sellos internacionales muy reconocidos y bajo diferentes nombres: Funeral Souvenir, Exhaustor, Michel Des Airline, Ventral Metaphor o Orfeón Gagarin. Su primer LP en vinilo Encuentros en la Tercera Edad (1991) fue avalado por el maestro de la electrónica alemana Asmus Tietchens.

Fascinado por las posibilidades sonoras de los sintetizadores e instrumentos analógicos y digitales, el estilo de Ruiz es fantástico y sorprendente, con una imaginación que puede catalogarse de apabullante en una larga y prolífica carrera que llega hasta la actualidad. La energía, la cosmonáutica soviética, Borges, surrealismo, Moscú, patologías clínicas, el humor negro o la vida extraplanetaria tiene cabida en el microcosmos de Miguel A. Ruiz. Sus referencias musicales son muy diversas: la música post-industrial de los ochenta, música cósmica alemana, pioneros de la electro-acústica, ambient, el tecno pop japonés o pop retro-futurista, etc.

Actualmente Ruiz se encuentra muy activo y en uno de sus mejores momentos creativos, actuando más que nunca y siendo descubierto por una nueva generación de jóvenes músicos electrónicos que buscan sus trabajos y le admiran. El sello valenciano Verlag System reeditó hace unos meses en vinilo su primera casete, y acaba de publicar nuevo álbum Voces a 45 (Geometrik/Munster, 2019).

CINE

10 agosto

A Scanner Darkly, de Richard Linklater

Estados Unidos, 2006. 100’. VOSE

 

Adaptación de la novela de Phillip K. Dick sobre una sociedad distópica en un futuro cercano, en la que campa a sus anchas la Sustancia D, una droga que provoca dobles personalidades, paranoia y delirios persecutorios, efectos que son llevados a la pantalla por Linklater a través de la rotoscopia, técnica de animación que permite crear todo tipo de atmósferas alucinatorias.

Robert Arctor, un policía de narcóticos del condado de Orange, California, trabaja en la lucha contra la Sustancia D. Pero está tan inmiscuido en su trabajo que se vuelve adicto a dicha sustancia. Cuando se le ordena intensificar la vigilancia, tendrá que investigar a sus propios amigos viéndose envuelto en un viaje paranoico por un mundo absurdo y oscuro, donde es imposible descifrar las identidades y las lealtades.

Richard Linklater (Houston, Estados Unidos, 1960) es uno de los cineastas independientes más prestigiosos de su país. Estudió cine en la Universidad de Austin donde, en 1985, fundó la Austin Film Society, entidad que continúa activa proyectando más de cien películas al año que, habitualmente, no llegan a la salas. Posee una extensa y muy personal filmografía con títulos tan emblemáticos como la trilogía formada por: Antes del amanecer (1995), Antes del atardecer (2004) y Antes del anochecer (2013) además de Fast Food Nation (2006), Bernie (2011) o Boyhood (2014).

CONCIERTO

11 agosto

Naoba

Naoba estará presentando por primera vez en Madrid este nuevo proyecto, un tributo a las tribus místicas extintas de la isla de Ometepe (Nicaragua) en el que muestra la espiritualidad de la música ceremonial entrelazando sonidos de instrumentos ancestrales con exploraciones electrónicas.

Tamara Montenegro (Naoba) es una artista nicaragüense reconocida desde hace más de doce años como una pionera y figura clave en el auge y mantenimiento de la escena electrónica centroamericana, ya que ha reinventado constantemente su propuesta musical y ha conectado con diferentes escenas secundarias. Su trabajo es polifacético (productora, dj), integrando también sus conocimientos como bióloga y artista sonora en su especial interés por la psicoácustica y el sonido como un medio para la inclusión social y la evolución consciente a través de la tecnología y el cuidado del planeta. Ha ofrecido su música en escenarios y festivales internacionales (Envision, Audio Alchemy, Sonica Festival) y en los circuitos de música electrónica en Nueva York, América Central, México y California.

CINE

24 agosto

Jubilee, de Derek Jarman

Reino Unido, 1978. 103’. VOSE

Derek Jarman, uno de los cineastas más iconoclastas de la historia, recrea una Inglaterra post-apocalíptica en la que impera el caos y la violencia. Pionera del cine punk, Jubilee es una mezcla explosiva de historia y fantasía con la presencia de iconos pop como Adam Ant, Siouxsie Sioux o Brian Eno.

La reina Isabel I quiere conocer el futuro de su país. Con la ayuda del ocultista John Dee, invoca a un espíritu-guía que la trasladará en el tiempo desde el siglo XVI hasta la Inglaterra de los años setenta, un país violento y anárquico dominado por pandillas en el que la reina Isabel II ha sido asesinada. Un elogio a la diversidad y al exceso que fue filmado durante el jubileo de la reina Isabel II. Una crítica a los grandes emblemas del país encabezados por la monarquía y la religión, que le llevó a ser criticado y atacado por los periódicos, el gobierno y el parlamento, siendo incluso declarado persona non grata en Inglaterra.

Derek Jarman (Londres, 1942-1994) estudió en los años sesenta en la Slade School of Art de Londres. Es una de las figuras más emblemáticas de la contracultura, cabeza visible de la vanguardia británica, cineasta, pintor, director de ópera, escritor, escenógrafo y activista por los derechos de los homosexuales. Prolífico realizador de videoclips, ha trabajado para Sex Pistols, Suede, The Smiths, Pet Shop Boys o Psychic TV. En su filmografía cuenta con algunos de los títulos más transgresores jamás filmados: Sebastiane (1976), Caravaggio (1986), Wittgenstein (1993) o Blue (1993).

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25 agosto

Negra Branca

Negra Branca explora un mundo interior de paisajes melódicos, drones de pop coral y estados de ensueño, utilizando gran variedad de instrumentos, loops vocales, grabaciones caseras y atmósferas. Su trabajo ha sido comparado con artistas como Grouper o Inga Copeland.

Marlene Ribeiro, miembro principal del renombrado grupo psicodélico británico Gnod, mantiene también un proyecto en solitario bajo el nombre de Negra Branca. Su sonido profundiza en desarrollos expansivos y extensos, que rozan lo narcótico con extrañas combinaciones de elementos que bien se podrían definir como surrealistas. Destaca por producir ritmos oscuros de pop profundo que recuerdan a un primer Tricky combinados con los sonidos procedentes de las favelas. Su primer trabajo en solitario fue un casete editado en 2013 por Tesla Tapes por el cual obtuvo excelentes críticas.

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31 agosto

Knife + Heart, de Yann Gonzalez

Francia, 2018. 110’. VOSE

Un viaje al París de 1979 en clave de slasher metacinematográfico con asesino enmascarado incluido. El cine de Gonzalez se caracteriza por un apabullante estilo visual entre lo kitsch y lo poético, salpicado de referencias cinéfilas (de Argento a De Palma) y con gran sentido del humor. La banda sonora original es obra de M83, grupo de Anthony Gonzalez, hermano de Yann.

Verano de 1979 en París, Anne, una productora de películas porno gay de bajo presupuesto, con un temperamento descontrolado y problemas con el alcohol, intenta reconquistar a Loïs, su pareja y editora, embarcándose en el rodaje de un nuevo proyecto, mucho más ambicioso que lo habitual, que verá peligrar cuando un asesino en serie entra en escena. La película fue estrenada en la sección oficial del Festival de Cannes.

Yann Gonzalez (Niza, Francia, 1977), periodista de formación, se inició en el mundo de cine como crítico y posteriormente obtuvo un posgrado de cine en la Université Paris-Sorbonne. Tras varios cortometrajes como Je vous hais petites filles (2009) con el que ya participó en el festival de Cannes, debutó en 2013 en el largo con Les rencontres d’après minuit. Es, junto con cineastas como Bertrand Mandico y Marie Losier, uno de los firmantes del manifiesto de “La incoherencia internacional”, una serie de reglas que se oponen en cierta manera a la industria dominante del cine de autor.

CONCIERTO

1 septiembre

O Yuki Conjugate

Dúo de música experimental británico que surgió del post punk. Forjaron su camino alejándose de sus primeras influencias industriales para incorporar una música ambient llena de capas de sonido y texturas. Tras un largo paréntesis, en 2017 regresaron con el sobresaliente álbum Tropic, lo que supuso también su vuelta a los escenarios.

O Yuki Conjugate (OYC) nacen en Nottingham en 1982 dentro del movimiento de música experimental británico que surgió del post punk (donde se puede incluir, entre otros, a Coil, Hafler Trio y Zoviet: France). Formado por Andrew Hulme y Roger Horberry, reinterpretan la música ambient (en su definición más próxima a la de artistas como Brian Eno), deconstruyendo sus convenciones musicales y explorando nuevas posibilidades, reinventando consistentemente nuevas sonoridades, que aunque distantes de las tendencias predominantes de la música popular, conquistaron una dimensión de culto en Europa y Estados Unidos, y un lugar muy específico en la historia de la música electrónica británica.

Tras un largo paréntesis, OYC regresaron con Tropic (2017) y vieron recientemente como sus discos más icónicos y visionarios de los ochenta eran objeto de reediciones a través de sellos reconocidos como Vinyl-On-Demand o Emotional Rescue, al mismo tiempo que djs internacionales de gran prestigio incluían sus temas en sesiones. Estos hechos los alentaron a un regreso a los escenarios durante los últimos años con gran éxito, demostrando que siguen ofreciendo perspectivas musicales innovadoras. En sus shows exploran terrenos sonoros que ellos mismos han bautizado como “ambient sucio”, de múltiples capas y muy texturizado. Por su parte Andrew Hulme es también un cineasta cuyo trabajo se ha exhibido en Cannes, además de ser el responsable de las imágenes que acompañan sus actuaciones.

Mantén tu dispositivo móvil siempre sonando.

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¿Recuerdas cuando escuchábas música en tu juventud? ¿Eras de los que escuchaba la radio en transistor o los viejos vinilos famliares en el tocadiscos? ¿Eras de los que no se despegaban de su walk-man o de su disc-man con esos cascos de diadema tan cool de los noventa? ¿Quizás ya creciste con tu reproductor mp3 pegado al bolsillo y de ahí la evolución a escuchar streamings como loco en diversas app de tu móvil? Muchos hemos dejado de grabar cds y cintas con nuestros temas favoritos para digitalizar esas selecciones en la nube y enviarlas a nuestros contactos a discrección, ¿Es ese tu caso?. De algo no hay duda, pocos son los que se han resistido a tener su terminal preparado para la revolución musical en sus oídos, ahora bien el consumo de recursos de estos dispositivos también puede ser un quebradero de cabeza y hay que estar preparado con lo necesario para no estar desconectados algo que bien saben en www.cargadorparamovil.es , no se puede dejar de lado a tu batería moribunda justo cuando estás a medias de un temazo . Muchos no concebimos una forma de pasar las tardes en gimnasio sin disfutar de una playlist en Spotify para motivarnos, otros no conciben un viaje sin una buena colección de temas en youtube, los más clásicos siguen disfrutando de sus mp3 y de su colección de discos ripeados para escuchar en su móvil.
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Si bien el soporte ha ido evolucionando con el tiempo, los consumidores de música aumentan, quizás alentados por esta facilidad de acceder a una gran cantidad de discos a través de diversas plataformas. Coleccionar tus escuchas y hacer amigos vía last.fm, hacer tus listas y descubrir artistas en spotify, organizar todo con itunes o escuchar podcast fácilmente de cualquier parte del mundo en cualquier lugar y a cualquier hora. Son cada vez mayores las facilidades para llegar a músicas remotas, ritmos que muchas veces pensábamos no pudieran existir, músicas del mundo y artistas de toda índole, soundcloud, bandcamp, mixtapes infinitas en miles de formatos. La fiebre festivalera y la multitud de conciertos en toda la geografía nacional también contribuye a que siempre queramos estar pendientes de qué es lo que se cuece y de las últimas novedades musicales.
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La viabilidad con la que consumimos datos e información es directamente proporcional a la velocidad con la que gastamos la vida de nuestros terminales, así que lo de llevar con nosotros siempre un elemento que ayude a proseguir esa ardua labor es esencial.