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Ahora más que nunca #SOMOSMUSICA

Ahora más que nunca #SOMOSMUSICA

 

Ahora más que nunca tenemos la necesidad de estar juntos en esto, ¿Os habíais imaginado estar un mes sin poder disfrutar de un concierto? ¿De no poder indagar en tu tienda de instrumentos o discos favorita? ¿De ir a pedir una canción al dj de turno en los garitos que acostumbras a frecuentar? ¿De alabar o criticar la labor de los técnicos? ¿De comprarte entradas a mansalva para los próximos bolos anunciados?. Esta la cosa jodida, pero lo podemos intentar paliar entre todos porque #SomosMúsica. Desde aquí os animamos a compartir con ansias este comunicado que nos afecta a todos.

#SomosMusica

– La Industria Musical será de las últimas en recuperarse de esta crisis sanitaria.

– Esta industria va más allá de los cantantes y bandas que todos admiramos o seguimos.

– De esta industria, que en su gran mayoría se compone de autónomos o pequeñas pymes, viven miles de familias, hoy en día con un futuro más que incierto.

– Artistas, autores, backliners, bookers, discográficas, distribuidoras, DJs, editores, estudios de grabación, eléctricos, empresas de merchan, fabricantes de discos, fabricantes de instrumentos, fotógrafxs, ingenieros de sonido, locales de ensayo, locutores, managers, medios de comunicación, músicxs, periodistas, personal de producción, productorxs, promocionerxs, promotores,  riggers, roadies,  runners, salas de conciertos, stage managers, técnicxs de luces, técnicos de sonido, técnicos de vídeo,  ticketeras, tiendas de discos, tiendas de instrumentos, tour managers, etc,

– No sabemos qué día y en qué condiciones vamos a poder retomar nuestra actividad.

– Si tú también sientes la música como algo tuyo, lucha por ella y no dejes que pare.

– No devuelvas las entradas que ya tienes y compra futuros conciertos.

– Compra música y merchan.

–  Escucha música en streaming.

– Apoya a los músicos y bandas a través de sus redes sociales.

– Y, sobre todo, no dejes de cantar.

Ángel Stanich publica hoy en vinilo EP “SIBONEY” con tema inédito “Blue Safari”


Para nosotros Ángel Stanich se está marcando una carrera de 10. Su nuevo trabajo Antigua Y Barbuda nos parece uno de los mejores del panorama nacional del momento, estará en Mad Cool y se marca directazos super divertidos. #fan
Pero Ángel Stanich es un culo inquieto, y no para… Hoy, 1 de Diciembre amanece que no es poco, y además el cantante saca versión en vinilo de 10 pulgadas de su EP Siboney, al que suma una canción inédita que sólo estará disponible es en esta edición en vinilo: Blue Safari.

Ángel Stanich publica hoy en vinilo EP "SIBONEY" con tema inédito "Blue Safari"

 

Siboney fue concebido como un aperitivo de Antigua Y Barbuda. Canciones ácidas, humor mordaz son la seña de identidad del de Santander. A las ya míticas Un Día Épico, Mañana, Quién Ha Elegido Muerte y Señor Tosco se añade el nuevo tema, Blue Safari.

Después de iniciar su carrera en solitario en 2014, con Camino Ácido, Ángel Stanich ha sabido hacerse un hueco gracias a su muy peculiar personalidad y universo creativo. En apenas 3 años, se ha convertido en un imprescindible de la escena nacional.

Ya podéis adquirir el EP a partir de hoy mismo, por ejemplo en Amazon.

En Vinilo sabe mejor (VI): Talking Heads–“More Songs About Buildings and Food”


En mi copia del vinilo More Songs About Buildings and Food de los Talking Heads alguien ha apuntado la palabra “Perico“, como si fuese una lista de la compra junkie. No me hacía falta más para enamorarme de este grandioso trabajo del grupo más funky de la escena punk.

En Vinilo sabe mejor (VI): Talking Heads–“More Songs About Buildings and Food” critica

More Songs About Buildings and Food es el segundo album estudio de los mágicos Talking Heads. Fue producido por Brian Eno y sale a la luz en Julio 1978. Es un ovni, nada suena igual. No es punk, aunque Talking Heads haya compartido escenario con los Ramones muchas veces. Se adivinan las influencias del Velvet Underground, grupo adorado de Eno. Nada suena igual, pero encaja de una manera muy particular en su tiempo. Aun así sigue siendo relevante hoy en día. ¿Quién no se identifica con canciones que tratan de edificios, de comida, de amor, de rabia, de esperanzas y miedos?

Los de Talking Heads eran unos frikis salidos de una escuela de arte, nunca fueron punks. Les iban los experimentos con Polaroïds e inventaron el “Art Rock”, magnificas mezclas del “todo vale, ¿porqué no? “. El album suena inocente, funky, divertido. Unos sonidos fríos de guitarras, unas texturas extrañísimas y unos vocales exaltados consiguen dar este toque de chicle a todo el album. Pero esta energía “Happy Flower” sólo esconde una realidad mucho mas siniestra que nos deja muchas veces con mal cuerpo, algo incomodos. Tampoco ayuda la cara de loco de David Byrne mientras canta “Psycho Killer”, parece que no está bromeando del todo.

https://www.youtube.com/watch?v=Kxu5dKqEmZM

Psycho Killer
Qu’est-ce que c’est
Fa-fa-fa-fa-fa-fa-fa-fa-fa-far better
Run run run run run run run away oh oh

La primera canción “Thank you for sending me an angel” va crescendo. Todo parece perfecto,  sube como los principios de un nuevo romance pero acaba con la muy siniestra frase “Oh, baby you can walk, you can talk just like me.
With a little practice, you can walk like, talk just like me” 

Cada canción del album tiene ese doble sentido. Los temas parecen inocentes, pero con este toque de oscuridad que parece que va a estallarnos en el careto en cualquier momento. Y es que al Byrne, se le confunde muchas veces con un irónico, y nada más lejos de la realidad. No hay mensaje oculto en las canciones; solo que la vida es muchas veces todo y su contrario. Así lo reafirma el tema “Artists only”:

https://www.youtube.com/watch?v=yfYZFS7JvT0

“All my pictures are confused
And now I’m going to take me to you.” 

El amor del cual hablan los de Talking Heads es una fuerza tremenda, te hará llegar muy lejos; pero dejará medio muerto por el camino.

https://www.youtube.com/watch?v=6ar2VHW1i2w

I don’t know why you treat me so bad
Think of all the things we could have had
Love is an ocean that I can’t forget

El amor como energía es un tema omnipresente en este trabajo de los Talking Heads, pero tienes que usar esa energía para crear; sino el amor te usará y te dejará medio gilipollas. Hay esperanza en la música de los Talking Heads justamente porque no tienen miedo a abrazar su obscuridad interna. La mejor terapia reside, a veces, en saber que no hay cura para esta mierda que se llama la vida. Si no vas a poder con tus demonios, por lo menos baila un rato con ellos. No puedo sentirme más identificada.

En Vinilo sabe mejor (V): Amy Winehouse – Frank


Hace muy poco, os contábamos como “Back to black” de Amy Winehouse suena todavía cremoso después de más de 10 años. Pero antes de eso, todo el potencial de la artista británica ya se encontraba en un pequeño tesoro menos conocido para el  público. Frank (2003) fue el primer album de mi choni favorita, y todo está ya allí para él que lo quiera escuchar. Menos elaborado, más bruto pero aquí estaba; de eso no hay duda.

amy winehouse frank vinilo critica

Muchos descubrieron Frank después de Black to Black. Se hacía indispensable acercarse al disco más jazzy de la diva para entenderla. ¿De dónde sale esta tía blanca de 50 kilos que canta jazz como si hubiese nacido negra en Mississipi? Antes de incorporar esas influencias macarras a su trabajo, Amy Winehouse nos regalaba un album totalmente alejado de la música comercial del momento. Ambiente de los años cincuenta, homenaje a Frank Sinatra, la Casadevino nos emocionaba con su voz madura y frágil a la vez. Antes de los paparazzis, antes de Blake, antes de los tatuajes; cuando ella sólo era una chica inglesa a quien le gustaba beber una gotica y cantar en el taxi de su padre.

El album cuenta con 13 canciones donde Amy se desnuda entera, como solo ella sabe hacer. “Stronger than me” nos presenta a una chica que está harta de ser la dominante en su relación. No muy feminista la Amy; no.

https://www.youtube.com/watch?v=7CYE0DYIbaw

Why’d you always put me in control?
All I need is for my man to live up to his role

“In my bed” es una de mis canciones favoritas de Amy Winehouse. Se pone muy chula, y avisa a su ex que no significa nada que esté en su cama de vez en cuando cuando le pica.

https://www.youtube.com/watch?v=xdi_yuSgQw8

Now its not hard to understand
Why we just speak at night
The only time I hold your hand
Is to get the angle right

Y no se puede dejar de mencionar al magnifico “What is it about men”.  Con tan pocos años ser capaz de entenderse a una misma tan bien, es una proeza. Piel de gallina cada vez que la oigo…

https://www.youtube.com/watch?v=gzsRZx5gzWg

 

My alibi for taking your guy
History repeats itself, it fails to die
And animal aggression is my downfall
I don’t care ’bout what you got, I want it all

El debut de Amy Winehouse, aunque irregular es totalmente imprescindible para entender el panorama musical actual. Una voz angelical, una actitud de leona poligonera, una cultura musical inmensa, unas letras tan actuales… Amy era contradictoria, nunca pedía perdón por ser lo que era y fue generosa mostrándose siempre de verdad. Una pena que los buitres no se lo pusieron fácil porque echo de menos una artista de este índole en la música actual. Después de tantos años me sigue emocionando su voz, su letra, su vida. Ojalá no se la hubiesen llevado sus demonios. Por lo menos nos dejó una huella en forma de un gran trabajo al cual no me canso de volver.

Nota del album: 7/10

 

 

Mejores discos nacionales 2014


 

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CVEEC2
Cómo vivir en el campo

Nada nos gusta más que los grupos que ofrecen algo a lo que no estamos acostumbrados. Coger las mejores referencias, meterlas en la coctelera y conseguir un sonido que suene a antiguo y nuevo a la vez no es tarea fácil. Pero, veréis, Pedro, Carlos y Miguel lo consiguen. Con ‘CVEEC’, su costumbrismo pop alcanzó el corazoncito de más de uno, un instant crush que se convertía en amor eterno tras disfrutar de la delicia que son sus conciertos. Con ‘CVEEC2’, la relación de fan ya se convierte en el compromiso más serio. Aires de The Sea and Cake y de Yo La Tengo, canciones que todos grabaríamos en CDs a nuestros ligues y letras que recuerdan al mejor Sr. Chinarro convierten a Cómo vivir en el campo en un grupo que dejó de ser alguien por descubrir para ser alguien por quien suspirar. Escúchalo.

sistersbeforemisters

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Sisters Before Misters
Wild Balbina

El esperado debut largo de las de Vigo por fin se hizo realidad. Metieron en una batidora a Bleached, Brilliant Colors y numerosas reminiscencias de bandas femeninas, lo mezclaron y cubrieron con un velo de morriña gallega para dar lugar a una visión elegante y cuidada del sonido riot grrrl. Apenas siete canciones que concentran gran cantidad de registros antagónicos y marcan una evolución en la banda, con más pulcritud y menos suciedad. Escúchalo.

portada sierra y canada

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Sierra y Canadá
Sidonie

Querían hacer algo diferente, y lo hicieron: ‘Sierra y Canadá’ es el disco menos guitarrero de Sindonie. En él han intentado recrear el romance asíncrono entre dos robots a base de beats y ecos que nos transportan al pop con más teclados de los 80. Y aunque su esencia está presente en la mayoría de los temas, no estaría mal que retomaran el camino de los acordes guitarreros para el próximo trabajo. Escúchalo.

ElCariñoModeloderespuestaPolar

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El cariño
Modelo de respuesta polar

Como meter el dedo en una herida abierta y sacar la mano limpia de pérdida y rencores. El silencio es una presencia continua en el segundo LP de los valencianos Modelo de respuesta solar, y la instrumentación, progresiva, caminando de la desnudez al desgarro. Una decena de temas en los que la voz de Mompó toca donde escuece; más en ‘Miedo’ o la dulcísima ‘Llum’, de apenas treinta segundos. Escúchalo.

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Rosi
Templeton

El tercer disco de los cántabros Templeton se ha convertido en un clásico moderno, una colección de diapositivas que oscilan entre la nocturnidad y la claridad ochentera. Diez relatos que vuelven a dejar patente que hacer algo diferente no está al alcance de cualquiera. Nosotros tenemos anotado el teléfono de Rosi en nuestra agenda de los más radiados. Escúchalo.

 

perspectiva-caballera-de-Sr-Chinarro

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Perspectiva caballera
Sr. Chinarro

Lo nuevo de Antonio Luque ha dado en el clavo, ya que los diez cortes de ‘Perspectiva caballera’ traen de nuevo su pop crepuscular y su poesía costumbrista para recuperar la mejor versión de este clásico nuestro que es Sr. Chinarro. Autoproducido y editado por su propia discográfica, el disco nunca llegará al gran público, pero confirma que la escena underground española se encuentra en plena forma, por los de antes y por los de ahora. Escúchalo.

pavement tree

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Pavement Tree
Bigott

Cuesta definir con las palabras que merece el último disco de Borja Laudo, la persona detrás de Bigott. El talento del maño para hacer canciones de las de enamorar, con sus toques lo-fi y melodías melancólicas, se bastaba por sí mismo. Pero, con la producción de Jeremy Jay, el último largo de Bigott ha conseguido un nivel de perfeccionismo pop al alcance de muy pocos. Las canciones de ‘Pavement Tree’ se consumen como una bolsa de caramelos: se disfrutan una a una, al principio parecen muchas y cuando se te acaban te preguntas ¿ya no hay más? ‘Gypsy Loop’, ‘Electrolane’ o ‘It’s Ok’ bien podrían formar parte de bandas sonoras de las películas más hipsters del año. Guardemos este LP en el cajón de las joyas, conservémoslo al lado de los intocables. No aparecen discos hechos con tan buen gusto todos los días. Escúchalo.

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If
Neuman

Golpe de efecto a la altura de lo que se esperaba de esta banda acostumbrada al do-it-yourself. De la mano del sello antaño más underground del pais, Subterfuge, Neuman editan un trabajo que suena a clásico, tanto por las influencias poperas de bandas de toda la vida como por la pureza del sonido alcanzado, fruto de los medios empleados. Todo un mérito sonar a clásico y, a la vez, así de fresco. Escúchalo.

LPIV

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LPIV
Los Punsetes

Cuentan Los Punsetes que cuando ‘Me gusta que me pegues‘, primer single de su cuarto álbum, llegó al local de ensayo, su reacción fue algo así como “Otra vez la misma puta mierda, ¿ya estamos con esta historia otra vez?”. En efecto, en ‘LPIV’ Ariadna y los suyos se dedican a regodearse en ese planeta tan singular que han ido creando disco a disco y que ahora se llena de animales deseando la muerte -certera ‘Museo de Historia Natural’-, de gente borracha y/o vomitando -hilarante ‘Falso documental’-, de incendios -gran final con ‘Nit de l’Albà’-, de masoquistas y de ciudades que cada vez se merecen más una destrucción bíblica -‘Los últimos días de Sodoma’ es una de nuestras canciones favoritas del año-. Y, sin embargo, está lleno de belleza. Una belleza no apta para todos los públicos, eso sí, pues no es la de un bonito paisaje, sino más bien la de una bolsa de plástico volando por el aire. Si hasta ahora no te habían convencido, ni lo intentes. En caso contrario, he aquí once razones más por las que no querer ni oír hablar de otros planetas. Escúchalo.

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La deriva
Vetusta Morla

Sí, amigos. ‘La deriva’ se corona como mejor disco nacional para Notedetengas. El motor, la potencia y el acabado de sus doce cortes te hacen pasar de cero a cien en cuestión de segundos y eso no nos ha pasado desapercibido. También lo hemos comprobado en vivo y en directo durante la segunda parte del año: sus shows nos han hecho vibrar con la fuerza y profesionalidad a la que nos tienen acostumbrados, confirmando que no hay ni trampa ni cartón y que estos chicos se superan y agigantan a cada paso que dan. Por eso, para nosotros, son merecidos ganadores de este primer puesto. Escúchalo.

Más listas:
Mejores discos internacionales 2014.
Mejores canciones nacionales 2014.
Mejores canciones internacionales 2014.

Band Of Skulls / Himalayan

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A pesar de que la nueva ola de blues capitaneada por Jack White y los Black Keys no les ha servido para conseguir una mayor notoriedad entre los seguidores de aquellos (y menos para acomodarse), estos desconocidos que responden al nombre de “Band Of Skulls” son una de las bandas de rock a reivindicar de nuestra cada vez mas avanzada década.Máxime con la publicación de su tercer disco que consolida su breve trayectoria que arrancó en Londres a finales del 2008 de la mano de Russell Marsen (voces y guitarra), Emma Richardson (voces y bajo) y Matt Hayward (batería). Desde sus inicios el combo de Southampton apostó fuerte por el blues y el garage, con unos pulidos juegos de voces chica-chico y  con un poderío eléctrico de imprevisible desarrollo.

El resultado de todo ello ofrece algo que sus coetáneos raramente son capaces: causar la sorpresa en el rock. Y ello lo logran a través de unas canciones de formas multiformes firmadas por esta tripla de  insaciable creatividad.

Ejemplo de ello los tenemos en su último trabajo en el que los matices son de todos los sabores, exquisitos claro está. Empezando por el dulce pop de “Nightmares”, al flamenqueo y los ritmos africanos apetitosos de “Toreador”, por no hablar  de las saladas guitarras funkys de “Himalayan”.

El blues mas comercial lo trae “Brothers & Sisters” con su riff que nada entre Franz Ferdinand y los Black Keys, y un piano que es cuanto menos memorable.

En cambio en “I Guess I Know You Fairly Well”  a quien recuerdan es a los últimos Arctic Monkeys y a su rythm ‘ n blues oscuro, mientras el inicio de “I Feel Like Ten Men, Nine Dead And One Dying” es muy Miles Kane a pesar que luego se enclava en unos inquietantes rasgueos metaleros.

Splendour Studio

El sosiego llega “You Are All That I Am Not”,  una inocente balada a dos voces con crescendos, pasajes revoltosos eléctricos y un estribillo fácil de recordar. Muy noventera. Otra de las apaciguadas es la ambiental “Cold Sweet”, con algo de épica, mucho de dream-pop y algún temporal guitarrero de por medio.

Son algunos de los ingredientes de un discazo construido con bases rockeras, que crece y crece con las escuchas. Un disco que a la postre bien vale los lingotes de oro de su portada.

PD: El disco incluye un hidden track, una pieza rockera “Be Mine”, para lo que os tendréis que comprar el disco ya que en Spotify ni en deezer lo encontraréis.

Temples / Sun Structures


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Menudo es el último Hype británico. Un cuarteto con look retro – solista a lo Marc Bolan inclusive – , buenas canciones “neo psicodélicas” y pegada clásica donde las haya. En febrero nos llegó su esperadísima opera prima, ‘Sun Structures‘, después de pasarse todo el ejercicio anterior publicando a cuenta gotas singles de adelanto y haciéndose un nombre en el circuito indie con sus entregados directos.

El flamante barco lisérgico llega tripulado por un talentoso dúo formado por el vocalista/guitarrista James Bagshaw y el vocalista/bajista Thomas Warmsle, magníficos hacedores de canciones. Canciones que despliegan un abanico de sensaciones multicolor ideales para dejarse uno perder a la deriva. Y es que estos muchachos han construido un álbum precioso lleno de ambientes sembrados de melodías delirantes, ritmos arrebatadores y desarrollos indigestos para quienes busquen lo fácil.

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Como la osada Rickembacker que aparece en el arranque, evocando al rasgueo de Roger McGuinn más feroz (y por ende al de George Harrisson). O el redoble de batería del “Tomorrow Never Knows”de “Test Of Time” que aúna la épica con la psicodelia.  En “The Golden Throne” muestran una faceta más sensual y romántica (¿Kasabian?),  en  “Keep In The Dark” traen un folk-pop sinfónico con estribillo apoteósico culminado en una maravillosa arpa, mientras que en “Mesmerise” se codean con sus coetáneos Tame Impala. “Shelter Song” es una maravillosa oda ácida que bien hubiera podido componer Lennon bajo los efectos del LSD, pero que aparece en los tocadiscos casi cincuenta años después.

El fantasma del mito de Liverpool también sobrevuela en “A Question Isn’ t Answered” cuyas similitudes vocales afloran muy evidentes. En la frondosa “Sun Structures” mejoran lo que décadas antes intentaron con ahínco los Kula Shaker. En “The Guesser” nos embriagan en aromas de los Zombies del “Odessey & Oracle”, y en “Move With Season” destapan su cara mas tenue.

Como hit, la evidente “Colours To Life”, himno generacional para copar las pistas de baile de los locales mas chic; como epílogo “Fragment’ s Light” una íntima balada folk que entronca con el sonido Canterbury.

Un apoteósico compendio de sinfonías policromáticas que esconden unas influencias fáciles de reconocer – los Beatles y los Zombies del 66-67, los primeros Pink Floyd, los Byrds más lisérgicos… – estos chavales acaban de publicar sin duda alguna uno de los mejores discos del año. Diría mas, con ‘Sun Structures’ los advenedizos nos devuelven  mucho de lo que el paso del tiempo se llevó. Bienvenidos.

Woods pasarán por Madrid ( American Autumn SON EG) y Barcelona para presentar su último disco, ‘With Light and With Love’


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Este mes de septiembre tenemos doble visita (Madrid día 13 y Barcelona día 14) de esta banda oriunda de Brooklyn que sin hacer demasiado ruido ya lleva ocho años a la palestra y siete discos bajo el brazo (a casi uno por ejercicio). Para este 2014 nos trajeron su último “With Light and With Love” en el que perduran y mejoran sus argumentos: las estructuras folk-rock, la luminosidad melancólica, los falsetes a lo Neil Young, los coros estudiados, la baja fidelidad,…

La novedad es que han incrementado las pinceladas psicodélicas para meterse en la liga de los “Temples”, “Tame Impala”, … aunque se diferencian de aquellos en que su música es bastante más tenue y desenfadada.

Otro nuevo enfoque a la línea trazada en los anteriores discos son los desarrollos de rock progresivo incluidos en la pieza que da nombre al compendio llenando sus más de nueve minutos.

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“Full Moon” con su slide guitar envolvente recuerda al George Harrison más inspirado, slide que reaparece en  “Sheperd” que es sonido americana en su vertiente más lánguida. La dinámica “Twin Steps” incluye una guitarra sesentera rollo Byrds o Beatles. En “Moving to The Left” lo que luce es la voz de Jeremy Earl que clava la melodía resplandeciente.  La lisergia aparece en “Moving To The Left” que no desentonaría en un disco de Jacco Gardner, también en la épica “New Light” y en  “Leaves Like A Glass”, esta última con un Hammond sonando como hace décadas.

Aunque no inventan nada, ni traen el temazo definitivo, “With Light and With Love”  – críptica portada inclusive – está muy bien construido, carece de fisuras y viene lleno de canciones accesibles. En definitiva, se trata de un buen disco lleno de inspiración, luz y amor.

 

Las fechas y salas en España de los Woods son las siguientes:

El Sol de Madrid (13 de septiembre) . American Autumn 2014. Son Estrella Galicia. (Entradas)

Apolo de Barcelona (14 de septiembre)

 

Para comprar entradas :

https://www.codetickets.com/home/ficha-evento.php?id=31364

Spoon / They Want My Soul


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Justo han pasado 20 años desde que este combo de Austin (Texas) publicara su EP de debut.  Los años han volado y sin darnos cuenta los Spoon se han ido asentando cómodamente en un segundo plano del circuito alternativo gracias a una extensa discografía (8 álbumes con el nuevo) que han ido construyendo y a un carisma espontáneo carente de aspiraciones.  Aunque a decir verdad lo mejor siempre ha sido su particular sonido pop-rock debidamente regado por otros estilos (garage, folk, country, post-punk, art-rock…) plasmado en canciones a menudo cautivadoras.

Ahora, y tras el injustamente defenestrado “Transference” (2010), han publicado este confeccionado larga duración de preciosa portada  que muchos ya lo han postulado entre las listas de lo mejor de este año. Y razones no les falta.

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Ya desde que aparecen los primeros riffs acompasados con la batería para abrir “Rent I Pay” sabemos que nos van a convencer.  Luego se añadirán las entregadas voces de Britt Daniel y los teclados para completar este fabuloso enérgico y marchoso medio-tiempo. En una línea parecida “Rainy Taxi” que luce con unos desgarros de guitarra que transcurren en medio de unos ritmos casi hipnóticos. La ambiental “Inside Out”relaja el tono y nos recuerda la infinidad de recursos de la formación que para la ocasión se abastecen de una arpa, un sampler, y ecos de piano perfectamente conjuntados. El claro single es “Do You”, de reconocible estribillo, es resultona aunque pueda llegar a aparecer facilona.

Lo mas flojo del álbum lo encontramos en “Knock Knock Knock” y su desorientada experimentación, mientras que  el tono blues lo lleva la excepcional “I Just Don’t Understand”. Para describir a  “They Want My Soul” nos tenemos que remontar a los primeros Spoon, con sus dosis perfectas de power pop y melancolía. “Let Be Mine”, en cambio, es una exhibición de guitarras rítmicas, a pesar que al final tiren un poco de teclados y de algún que otro efecto. Y para el cierre la popera “New York Kiss”, llena de reverberaciones y sintetizadores ochentenos, da una lección a todas aquellas bandas que han fracasado al intentar tirar por este sendero.

Es el poso de un disco para degustar sin prisa y sin  pausa, poniendo especial atención a sus múltiples matices y arreglos, y sobre todo dejándose llevar por las sensaciones que van creando.  Cucharadas del mejor rock de unos norteamericanos que dejan huella sin hacer demasiado ruido.

The Black Keys / Turn Blue


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Con la disolución de los White Stripes se han convertido en el dúo rock por antonomasia. Junto a aquellos, fueron artífices de la recuperación y actualización de los sonidos vetustos blues para llevarlos a los iPods de las nuevas generaciones.

Así fue como lo petaron con ” Brothers” (2010)” y sobre todo con  “El Camino”(2011) logrando consolidarse definitivamente como uno de los claros referentes del indie-pop actual y apareciendo en las galas de los Grammy.  La continuación “Turn Blue”,  nos llega con mucha expectación y tras más de dos años de espera, pero para muchos con la intuición de que el combo no iba a defraudarnos. Y así ha sido, pues el nuevo elepé de Dan Auerbach y Patrick Carney mantiene el tipo a la vez que consigue que no suene a repetitivo,  todo ello sin perder un ápice su identidad.

Tomándose más tiempo que con los anteriores trabajos, los de Ohio han usado hasta tres estudios distintos (Nashville, Michigan y Hollywood) para registrar las canciones bajo la batuta de su productor Danger Mouse. Y eso se percibe al desaparecer la inmediatez lúcida de los precedentes y por una mejora en arreglos, cuidados instrumentales e introducción de más recursos  sonoros electrónicos.

Pero si en algo se caracteriza el disco es por la proliferación de medio tiempos alargados en búsqueda de profundidad, con el poso bluesy característico de quien lo hace.  Despliegues musicales que merecen más de una escucha para ser valorados y que llevan al oyente hacia nuevas sensaciones sónicas.

No es el caso de la inmediata canción de escucha compulsiva ‘Fever’, cuyo ritmillo electrónico está pensado para contentar a quienes busquen lonelyboys en el disco, ni tampoco de la final ‘Gotta Get Away‘, atípica en ellos nos recuerda a lo que hacían los rollings en los setenta pero también a la versión acústica de grupos glam británicos de aquella década como Mott The Hopple o T. Rex.

Los espacios pinkfloydianos aparecen en muchos momentos , como en ‘Weight Of Love’ con un punteo de guitarra que emula a David Gilmour de Echoes (luego se repite en     )

Pero también tenemos ritmos Bo Diddley en “It’s Up To You Now”, e influjos stax-motown de producción moderna siguiendo la estela del “Brothers” ( es el caso de “10 Lovers”, “Turn Blue”, “Years In Review” y “Waiting On Words”).

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“Turn Blue” no es un disco fácil aunque lo pueda parecer, es el resultado de la búsqueda de sus autores hacia nuevos horizontes, creando una gratificante atmósfera que hace de hilo conductor sin perder el espíritu al que se deben. Es un disco blues, también algo psicodélico, pop y garage rock. En definitiva, rock ‘ n roll para el nuevo milenio.